musica lirica

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La star dell'opera Maria Callas

Come opera ( dell'opera in musica italiana , "opera musicale") si riferisce a un genere musicale di teatro del 1600 creato (con l'inizio dell'era barocca) a partire dal 1639 . Inoltre, il teatro dell'opera (il luogo dello spettacolo o l'istituto di produzione) o la compagnia di spettacoli viene anche definito opera .

Un'opera consiste nell'impostare una poesia drammatica alla musica eseguita da un ensemble di canto , un'orchestra di accompagnamento e talvolta un ensemble di coro e balletto . Oltre a cantare, gli attori recitano teatro e danza su un palcoscenico progettato con l'aiuto di pittura , architettura , oggetti di scena , luci e tecnologia scenica . I ruoli degli attori sono chiariti dalla maschera e dai costumi . Il direttore del musical, il direttore per la direzione e lo scenografo per le attrezzature fungono da direttori artistici . Sullo sfondo sostiene la drammaturgia .

Delimitazioni

L'opera è riassunta con danza, musical e operetta sotto il termine teatro musicale . I confini delle opere d'arte affini sono fluidi e si ridefiniscono continuamente in ogni epoca, soprattutto in relazione a determinate preferenze nazionali. In questo modo, l'opera come genere rimane viva e riceve continuamente nuove idee dalle più svariate aree del teatro.

Opera e teatro

Il dramma in senso stretto che le persone parlano solo sul palco sono rari nella storia del teatro . Forme miste di musica, recitazione e danza erano la regola, anche se a volte scrittori e personaggi di teatro cercavano di salvare o riformare il dramma. Dal XVIII secolo, forme miste tra dramma e opera sono emerse dalle varie varietà di opéra-comique , come l' opéra ballata , il singspiel o la farsa con il canto. I Singspiele di Mozart sono assegnati all'opera, quelli di Nestroy sono considerati drammi. Sul confine muovi z. B. anche le opere di Brecht / Weill , la cui opera da tre soldi è più vicina al dramma, mentre l' ascesa e la caduta della città di Mahagonny è un'opera. La musica che è completamente subordinata al dramma si chiama musica drammatica .

Una forma diffusa di teatro legata al dramma dall'inizio del XIX secolo era il melodramma , che oggi è presente solo nel film popolare. All'epoca ebbe una grande influenza sull'opera con i suoi materiali d'avventura. In alcuni punti conteneva musica di sottofondo come musica di sottofondo per l'azione sul palco (meno del testo parlato). Il termine melodramma , ancora oggi conosciuto, si riferisce a questo . Tale musica di sottofondo si può trovare, ad esempio, nell'Idomeneo di Mozart , nel Fidelio di Ludwig van Beethoven , nel Der Freischütz di Weber (nel Wolfsschluchtszene) e nel Königskinder di Humperdinck .

Opera e balletto

Nella tradizione francese, la danza è stata integrata nell'opera sin dall'epoca barocca. Il balletto classico ha lottato per staccarsi da questo legame nel XIX secolo, ma le opere neoclassiche del XX secolo, ad esempio di Igor Stravinsky o Bohuslav Martinù , confermano il rapporto tra opera e balletto. Anche l'opera italiana non era priva di danza, sebbene la danza non dominasse nella stessa misura. Oggi i balletti e i divertissement di repertorio sono per lo più rimossi dalle partiture, così si crea l'impressione di una separazione delle linee .

Opera e operetta / musical

Il genere dell'operetta e le forme correlate come la zarzuela , come ulteriore sviluppo del Singspiel, si differenziano dall'opera, sempre più composta dalla metà del XIX secolo in poi, attraverso i dialoghi parlati, ma anche attraverso il suo intrattenimento predominante requisiti e la preoccupazione principale per la popolarità o il successo commerciale. Questa delimitazione non è emersa fino alla fine del XIX secolo: quando l '"opera comica" è cambiata dal genere "basso" a quello "alto", l'operetta è emerso come un nuovo genere "basso". Lo stesso vale per il musical , l'ulteriore sviluppo del teatro musicale popolare negli Stati Uniti. L'operetta e il musical, tuttavia, non sono meno forme d'arte dell'opera.

storia

preistoria

Antichità

Anche nell'antico teatro greco , l'azione scenica era combinata con la musica. L'opera moderna si è più volte riferita a questo modello e, poiché poco è stato trasmesso dalla pratica esecutiva, ha saputo interpretarlo nei modi più disparati. Un coro che ha cantato e ballato ha svolto un ruolo di primo piano, suddividendo il dramma in episodi o avendo il compito di commentare la trama. I romani coltivavano la commedia piuttosto che la tragedia . Mimus e successivamente la pantomima avevano un'alta percentuale di musica. A causa della distruzione dei teatri romani nel VI secolo e della perdita di libri nella tarda antichità , molte fonti a riguardo sono andate perse.

Tuttavia, dall'inizio del XX secolo, numerosi edifici antichi, in particolare anfiteatri e teatri, sono stati utilizzati per spettacoli d'opera. I più noti sono il Théâtre Antique di Orange (con interruzioni dal 1869), l' Arena di Verona (dal 1913), l' Odeon di Erode Attico ad Atene (dagli anni '30), le Terme di Caracalla a Roma (dal 1937) e il Cava romana St. Margarethen (dal 1996).

Medioevo

Nel Medioevo , in base al servizio di messa di Pasqua, una nuova tradizione di azione cantata emerse. Il gioco spirituale ha avuto luogo per la prima volta nella chiesa, poi nel XIII secolo come gioco della passione o processione fuori dalla chiesa. Temi popolari erano gli eventi biblici di Pasqua e Natale, anche con intermezzi comici. Le melodie sono spesso tramandate, l'uso di strumenti musicali è probabile, ma raramente verificabile. Nella sfera aulica c'erano brani secolari come il melodioso Jeu de Robin et de Marion di Adam de la Halle (1280).

Rinascimento

Progetto di produzione per Orpheus e Amphion, Düsseldorf 1585

Il periodo del carnevale , divenuto poi la tradizionale stagione lirica, ha fornito l'occasione per azioni musicali e teatrali sin dal XV secolo, che emanavano dalle allora più grandi città europee in Italia: intermedia , giochi di danza, maschere e sfilate trionfali fanno parte della rappresentazione urbana nel Rinascimento italiano . Il madrigale era il genere più importante di musica vocale ed era spesso associato ai balli.

La corte reale in Francia acquisì importanza rispetto all'Italia nel XVI secolo. Il Ballet comique de la reine 1581 era un atto ballato e cantato ed è considerato un importante precursore dell'opera.

Un primo tentativo in Germania di eseguire una trama drammatica con protagonisti cantanti in una scenografia è la performance di Orpheus e Amphion su un palco simultaneo in occasione del matrimonio Jülich di Johann Wilhelm von Jülich-Kleve-Berg con la margravia Jakobe von Baden a Düsseldorf nel 1585. Come possibile compositore della musica che non è stata tramandata si chiama Andrea Gabrieli . La musica era così bella "che non c'era / in quel momento / e ho sentito un simile Musicum concentum & Symphoniam / su cui si può credere". La trama era, ovviamente, principalmente un'allegoria nel senso dello specchio di un principe .

origine

Camerata fiorentina

L'opera nel senso odierno ha avuto origine a Firenze alla fine del XVI secolo . La Fiorentina Camerata , un gruppo accademico di discussione in cui poeti (es.Ottavio Rinuccini ), musicisti, filosofi, aristocratici e mecenate - inizialmente ha assunto questo ruolo, il conte Bardi , poi il conte Corsi  - hanno svolto un ruolo importante nella storia del la sua creazione . Questi umanisti hanno cercato di far rivivere l'antico dramma , che credono includesse solisti vocali, coro e orchestra. Dopo i drammi pastorali del Cinquecento, il libretto fu ideato e musicato utilizzando i mezzi musicali dell'epoca. Vincenzo Galilei apparteneva a questo gruppo. Ha scoperto gli inni di Mesomede , che oggi si perdono, e ha scritto un trattato contro la polifonia olandese . Questa era una chiara prova dello stile musicale desiderato, l'allora nuova voce solista con accompagnamento strumentale.

Capire il testo della musica vocale è stata la cosa più importante per la Camerata fiorentina. L'ideale era dichiarata una linea vocale chiara e semplice, che il frugale basso- Begleitung con pochi e gentili strumenti come il liuto o il clavicembalo doveva subordinare. Idee melodiche ben elaborate erano indesiderabili per non oscurare il contenuto delle parole con il canto. Si parlava addirittura di una “nobile sprezzatura del canto” ( Giulio Caccini : Le nuove musiche , 1601), un “nobile disprezzo per il canto”. Questo tipo di canto era chiamato recitar cantando , recitare il canto. La semplicità e la limitazione del recitar cantando contrasta con la polifonia predominante con i suoi complessi strati di note e testo. Con la monodia , come questo nuovo stile è stato chiamato in riferimento all'antichità, la parola dovrebbe tornare nella sua piena validità. Una teoria degli affetti sviluppata , che potrebbe essere trasportata attraverso il testo cantato. I cori in forma madrigale o come mottetto si sono uniti alla monodia delle singole parti vocali . L'orchestra suonava ritornelle e balla in mezzo.

La prima opera del genere operistico è La Dafne di Jacopo Peri (debuttata nel 1598) con un testo di Ottavio Rinuccini , di cui sono sopravvissuti solo pochi frammenti. Altre importanti opere dei primi tempi sono Peris Euridice (1600) come la più antica opera superstite, così come Euridice (1602) e Il Rapimento di Cefalo di Giulio Caccini . I soggetti di queste prime opere erano tratti dalla poesia del pastore e soprattutto dalla mitologia greca . Miracoli, magia e sorprese, rappresentate da elaborati macchinari scenici , divennero componenti popolari.

Monteverdi

Claudio Monteverdi

La prima opera di Claudio Monteverdi L'Orfeo (1607) ha suscitato particolare attenzione . Fu presentato in anteprima a Mantova in occasione del compleanno di Francesco IV Gonzaga il 24 febbraio 1607. Rispetto ai suoi predecessori, per la prima volta qui è possibile ascoltare un insieme più ricco di strumenti (sebbene sia per lo più solo accennato nella partitura ), un'armonia espansa , un'interpretazione tonale- psicologica e pittorica di parole e figure, nonché una strumentazione che caratterizza le persone . Le trombe vengono utilizzate, ad esempio, per le scene della malavita e della morte, gli archi per le scene del sonno e un organo di legno viene utilizzato per il personaggio principale Orfeo .

Monteverdi: Aria di Penelope “Di misera, regina” da Il ritorno d'Ulisse in patria

Monteverdi estende la linea vocale cantando recitar a uno stile più simile ad aria e dà maggiore peso ai cori. Le sue ultime opere Il ritorno d'Ulisse in patria (1640) e L'incoronazione di Poppea (1643) sono punti salienti della storia dell'opera in termini di dramma. Anche in quest'ultima opera L'incoronazione di Poppea di Monteverdi , si trova il prologo di tre figure allegoriche rappresentato nella Fortuna derisa dalla Virtù (virtù). Il resto dell'azione si svolge nel mondo terreno intorno all'imperatore romano Nerone , alla sua non amata moglie Ottavia e a Poppea , la moglie del pretore Ottone . Questa diventa la moglie e l'imperatrice di Nerone. Il carattere brutale di Nerone è rappresentato da una musica castrato e corrispondentemente virtuosistica, Ottone, d'altra parte, appare morbido, e al degno insegnante e consigliere di Nerone Seneca viene assegnata la voce di basso. Il canto del belcanto e la ricchezza della coloratura sono usati per la nobiltà e per gli dei, per il resto del popolo ariosi e canti più semplici.

XVII secolo

Italia

Teatro San Carlo di Napoli, 1735

Nel 1637 fu inaugurato il Teatro San Cassiano di Venezia come primo teatro dell'opera pubblica. Nuove sedi furono create in rapida successione e Venezia, con la sua "Opera Veneziana", divenne il centro operistico del nord Italia. Le rappresentazioni storiche hanno presto soppiantato i soggetti mitici, come nell'opera L'incoronazione di Poppea (1642), che porta ancora il nome Claudio Monteverdis, anche se le ricerche a partire da Alan Curtis hanno discusso se si tratta piuttosto di un pasticcio che è l'uso di nomi famosi .

Il pubblico di queste opere era composto principalmente da membri delle classi non aristocratiche. Il piano di gioco è stato determinato dall'aristocrazia finanziaria in base al gusto del pubblico. In questo contesto l'opera emersa dalle accademie fu commercializzata e semplificata e l'orchestra ridotta. L' aria da capo è stata a lungo preceduta da un assolo a forma di recitativo , i cori e gli ensemble sono stati accorciati. Errori e intrighi hanno formato la struttura di base della trama, che è stata arricchita con scene comiche dei personaggi minori popolari. Francesco Cavalli e Antonio Cesti furono i più famosi compositori d'opera veneziani della generazione che seguì Monteverdi. Gli scrittori Giovanni Francesco Busenello e Giovanni Faustini erano considerati artefici dello stile e furono spesso imitati.

Dagli anni Cinquanta del Cinquecento, la città di Napoli divenne il secondo centro lirico d'Italia, maggiormente influenzato dal gusto dell'aristocrazia. Il compositore Francesco Provenzale è considerato il fondatore dell'opera napoletana . Nella generazione successiva, Alessandro Scarlatti divenne un pioniere della scuola napoletana .

I librettisti hanno ottenuto i loro soldi vendendo libri di testo, che sono stati distribuiti insieme a candele di cera da leggere prima dello spettacolo. Per molto tempo, la letteratura dell'umanesimo rinascimentale è rimasta il modello per i testi d'opera italiani.

Le opere venivano date solo in determinate stagioni (italiano: stagione ): durante il Carnevale, da Pasqua alla pausa estiva e dall'autunno all'Avvento. Invece, gli oratori venivano suonati durante la stagione della Passione e dell'Avvento . A Roma , non solo gli effetti delle macchine e i cori avevano un peso maggiore, ma anche i soggetti spirituali.

Parigi

A Parigi , Jean-Baptiste Lully e il suo librettista Philippe Quinault svilupparono una versione francese dell'opera, la cui caratteristica più notevole, oltre ai cori, è il balletto . Lully scrisse una versione francese de L'ercole amante di Cavalli (1662), in cui inserì balletti più acclamati dell'opera. Cadmus et Hermione (1673) è considerata la prima tragédie lyrique e rimase un modello per le successive opere francesi.

L'opera importata dall'Italia è stata respinta dalla tragédie lyrique. Tuttavia, i successori di Lully Marc-Antoine Charpentier e André Campra hanno cercato di combinare dispositivi stilistici francesi e italiani.

Area di lingua tedesca

Basata su modelli italiani, una tradizione operistica indipendente si sviluppò nell'area di lingua tedesca già a metà del XVII secolo, che include anche l'uso di libretti in lingua tedesca.

La prima opera di un compositore “tedesco” fu la (perduta) Dafne di Heinrich Schütz nel 1627, che conobbe la forma musicale dell'opera durante il suo soggiorno di studio in Italia dal 1609 al 1613. Solo pochi anni dopo, la prima opera in lingua tedesca sopravvissuta di Sigmund Theophil Staden fu scritta nel 1644, sulla base di un libretto di Georg Philipp Harsdörffer Il poema della foresta spirituale o gioco della gioia, chiamato Seelewig , un pezzo didattico pastorale in prossimità del dramma scolastico moralizzante del Rinascimento.

Poco dopo la Guerra dei Trent'anni, i teatri d'opera si affermarono sempre più come luoghi di incontro e di rappresentanza centrali anche per le classi sociali leader nei paesi di lingua tedesca. Le principali case ducali e reali hanno svolto un ruolo centrale, offrendo sempre più i propri teatri di corte e gli artisti associati, che di solito erano aperti anche al pubblico (ricco). Monaco ha ricevuto il suo primo teatro dell'opera nel 1657 e Dresda nel 1667.

Commoners, d. H. I teatri “pubblici e popolari” finanziati da città e / o attori borghesi privati, come quelli di Venezia, esistevano solo ad Amburgo (1678), Hannover (1689) e Lipsia (1693). In deliberato contrasto con l'operazione nelle case "nobili", dominata dalle opere in lingua italiana, in particolare l' Opera di Amburgo sul Gänsemarkt , il più antico teatro borghese della Germania, si è volutamente affidata a opere e autori di lingua tedesca. Come Handel , Keizer , Mattheson e Telemann . Dall'inizio del XVIII secolo stabilirono un'opera indipendente in lingua tedesca e una tradizione di singspiel utilizzando libretti in lingua tedesca di poeti come Elmenhorst , Feind , Hunold e Postel . L'importanza di Amburgo per lo sviluppo di una tradizione operistica indipendente in lingua tedesca è sottolineata anche dai due scritti contemporanei sulla teoria dell'opera: Dramatologia di Heinrich Elmenhorst (1688) e Gedancken from the Opera (1708) di Barthold Feind .

Inghilterra

In Inghilterra l'opera si diffuse relativamente tardi. La forma predominante del teatro musicale al tempo del teatro elisabettiano era la maschera , una combinazione di danza, pantomima, teatro parlato e intermezzi musicali, in cui il testo messo in musica di solito non era direttamente correlato alla trama. In seguito al divieto puritano di musica e spettacoli teatrali nel 1642, fu solo con la Restaurazione Stuart iniziata nel 1660 che fu ristabilita una vita teatrale, in cui l'opera fu integrata.

L' opera di un'ora di Henry Purcell Dido and Aeneas (presentata probabilmente nel 1689, libretto: Nahum Tate ) è un'opera unica sotto ogni aspetto . Il compositore riprende elementi dell'opera francese e italiana, ma sviluppa un proprio linguaggio tonale, caratterizzato soprattutto dal fatto di rimanere molto vicino al testo. I passaggi del coro e le sezioni di danza contrastano con i passaggi ariosi dei personaggi principali, che gestiscono quasi senza forme simili ad aria. Gli stati d'animo e le situazioni mutevoli sono riprodotti con precisione con mezzi musicali; la scena finale, quando la regina cartaginese Didone muore di crepacuore per un amore infelice per l'eroe troiano Enea , è una delle più commoventi della letteratura operistica.

18mo secolo

Sviluppo generale

Nel corso del Settecento emersero due tipologie di opera: oltre alla consolidata opera seria come forma sostenuta principalmente dal bisogno di rappresentazione e legittimazione della nobiltà, che si basa principalmente su materiale mitologico o storico e il suo personale composto da Dei, semidei, eroi, principi e il loro Amato e i loro servi, l' opera buffa si sviluppa intorno al 1720 con atti comici inizialmente grezzi che si sviluppano in quelli borghesi-sentimentali.

In Francia, la lirica tragedia cortese compete con le opere italiane , con la sua strumentazione più completa rispetto alle opere italiane più antiche, e l' opéra-comique , che proviene dal teatro della fiera parigina , dall'altra . Questi generi incoraggiano gli spettacoli d'opera nella loro lingua anche al di fuori della Francia, come contrappeso locale ai virtuosi italiani onnipresenti.

Marco Ricci : Prova d'opera , 1709

La tendenza che ha definito lo stile in Italia nel secondo quarto del XVIII secolo a trasformare l'originale dramma per musica in un concerto per aria o in un'opera numerica con contenuto e musica fissi. Un altro sviluppo centrale durante la prima metà del XVIII secolo è la divisione delle arie da capo , che sono cresciute fino a cinque parti, con la sequenza AA'-B-AA 'in sottogruppi specifici:

  • Aria di bravura ( aria di bravura) con coloratura sontuosa;
  • Aria cantabile dalle belle linee;
  • Aria di mezzo carattere con caratteristico accompagnamento orchestrale;
  • Aria concertata con strumenti da concerto;
  • Aria parlante , che descrive violenti scoppi di emozione.

La star della serata è stata anche in grado di inserire una virtuosa aria baule ("aria da valigia") che non aveva nulla a che fare con la trama. Tali arie potrebbero essere facilmente scambiate o utilizzate più volte. Il bel canto -Gesang è stato incluso le note alte estreme, i trilli flessibili e lunghi salti per una presentazione virtuosistica delle tecniche vocali.

Pasticcio

Poiché il concetto di fedeltà all'opera non era ancora stabilito nel XVIII secolo e il cliente e il pubblico desideravano sempre opere nuove e mai ascoltate prima, e poiché molte compagnie d'opera avevano spesso risorse limitate in termini di strumentisti e cantanti, c'era pratica esecutiva diffusa nel XVIII secolo nel mettere insieme arie ed ensemble di opere diverse nel modo più efficace possibile, a seconda della formazione esistente, e sottostare a tale sequenza di numeri musicali con nuovi testi e una nuova trama. Questo tipo di opera si chiamava pasticcio ; Un'opera pasticcio potrebbe derivare dalla penna di un singolo compositore che ha riutilizzato numeri esistenti di opere precedenti, oppure potrebbe essere composta da opere di diversi compositori. Questa pratica significava che la trama e l'atmosfera di uno spettacolo operistico non furono fissati fino alla fine del XVIII secolo - in alcuni luoghi di spettacolo anche negli anni '30 del XIX secolo - e furono soggetti a continui adattamenti, cambiamenti e cambiamenti. La pratica del pasticcio ha fatto sì che fino all'inizio del XIX secolo quasi nessuna esecuzione della stessa opera fosse musicalmente o in termini di contenuto simile a una precedente.

Numero opera

Il caos che ne è derivato - generato dalla strategia di soddisfare contemporaneamente aspettative diverse - ha respinto i librettisti italiani Apostolo Zeno e Pietro Metastasio . Come contromisura, dalla fine degli anni '30 in poi hanno sempre più rinunciato a trame secondarie superflue, allegorie mitiche e personaggi secondari e hanno preferito invece una trama e un linguaggio chiari e comprensibili. In tal modo, hanno creato le basi per un tipo di opera "più serio" al di là della precedente pratica esecutiva dell'opera seria . Lo schema della trama sviluppato per questo scopo intriga gradualmente i personaggi principali in un dilemma apparentemente irrisolvibile, che alla fine si rivela buono per un'idea inaspettata ( lieto fine ). Entrambi gli autori iniziarono poeticamente un rinnovamento dell'opera. Contro l'arbitrarietà del pasticcio , hanno numerato le parti musicali, il che ha reso difficile il loro scambio. In questo modo hanno contribuito in modo significativo allo sviluppo dell'opera sui numeri con la sua sequenza fissa. In quanto opera autosufficiente con una trama rigorosa, l'opera era ora in grado di resistere al dramma .

Opera buffa

Il genere dell'opera buffa è emerso contemporaneamente a Napoli e Venezia come un tipo di opera per lo più allegro e realistico. Da un lato ci sono stati commedie musicali indipendenti, d'altra parte i fumetti intermezzi alla opera seria all'inizio degli anni 1730, da cui Apostolo Zeno e Pietro Metastasio avevano escluso gli elementi comici in modo che essi dovevano essere limitato a intermezzi tra gli atti. L'opera Lo frate 'nnamorato di Giovanni Battista Pergolesi , rappresentata in prima assoluta il 28 settembre 1732 al Teatro dei Fiorentini di Napoli, e le opere di Baldassare Galuppi , rappresentate in prima assoluta a Venezia a metà degli anni Quaranta del Settecento e realizzate in stretta collaborazione con Carlo Goldoni , sono considerate opere che definiscono lo stile .

In termini di contenuti, l'Opera Buffa attingeva al ricco fondo della Commedia dell'arte . Gli atti erano spesso commedie confuse, il cui personale era composto da una nobile coppia di amanti e due subalterni, spesso ancelle e servi. In contrasto con l'opera seria, quest'ultima può apparire come gli attori principali, con i quali si potrebbe identificare un pubblico borghese e subborghese. L'opera buffa era apprezzata anche dall'aristocrazia, che a malapena prendeva sul serio le loro provocazioni.

Sviluppo dell'Opera buffa all'Opera semiseria

Dalla metà del XVIII secolo, la commedia iniziò a spostarsi nell'opera buffa verso azioni quotidiane e contemporanee, in cui i nobili non erano più invulnerabili. Il Don Giovanni di Mozart (1787) era inizialmente visto come un'opera buffa e non fu reinterpretato fino al XIX secolo, quando il destino del sedotto borghese poteva essere preso sul serio e il nobile seduttore poteva essere visto come un cattivo.

Un'espressione di questi cambiamenti è l'ulteriore sviluppo dell'opera buffa al tipo di opera semiseria alla fine del XVIII secolo, perché un pubblico borghese non voleva più vedersi deriso sul palco. La vicinanza quotidiana dell'opera buffa e della sua controparte francese, l' opéra-comique , fu socialmente esplosiva nella seconda metà del XVIII secolo. Collegata a questo fu la disputa buffonista che ebbe luogo in Francia dal 1752 al 1754 . Jean-Jacques Rousseau apprezzava il tipo di opera "allegro" borghese più della tragédie lyrique dell'alta aristocrazia. La sua condanna dell'opera francese a favore dell'italiano ha portato a reazioni rabbiose.

Inghilterra

Nel mondo anglofono, Georg Friedrich Händel (anglicizzato George Frideric Handel) divenne uno dei compositori d'opera più produttivi (più di 45 opere). Il suo lavoro a Londra non ha avuto il successo commerciale desiderato, tra le altre cose. a causa della forte concorrenza del famoso castrato Farinelli , che cantava nella compagnia rivale dell'opera, e dei canoni rovinosi per le prime donnas impegnate. Nel XX secolo sono tornati in repertorio soprattutto Alcina , Giulio Cesare e Serse , e negli ultimi decenni molte altre opere di Haendel (tra cui Ariodante , Rodelinda , Giustino ). Dopo che la pratica della performance storica era stata studiata meglio nel corso del movimento della musica antica , le produzioni che definivano lo stile furono realizzate anche nei grandi teatri d'opera con l'aiuto di specialisti barocchi .

Jean-Michel Moreau : scena per Le devin du village (1753)

Francia

La controparte francese della controversa opera buffa di Parigi fu l' Opéra-comique . I recitativi sono stati sostituiti da dialoghi parlati. Questo modello ha avuto successo anche all'estero. La nuova semplicità e vicinanza alla vita si riflette anche nelle ariete più piccole e nei nouveaux air , che, a differenza dei famosi vaudevilles, sono stati composti di recente.

Nel 1752 la Francia sperimentò un nuovo confronto tra l'opera francese e quella italiana, passata alla storia come disputa buffonista . Di Giovanni Battista Pergolesi opera padrona La Serva (tedesco: La cameriera come amante ) è stata l'occasione per questo. Contro l'artificialità e la stilizzazione dell'opera aristocratica francese tradizionale, in particolare Jean-Jacques Rousseau e Denis Diderot , che si sono difesi dall'arte e dalla stilizzazione di Rameau . Oltre all'opera volutamente semplice Le devin du village (in tedesco: Der Dorfwahrsager ), Rousseau scrisse anche un premiato trattato dal titolo Discours sur les sciences et les arts (1750), in cui dichiara una vita incontaminata dalla scienza e dalla cultura a essere l'ideale. Ha scritto altri articoli musicali per la famosa enciclopedia completa dell'Illuminismo francese. La disputa buffonista alla fine andò a scapito della compagnia lirica italiana, che fu espulsa dalla città. La controversia era quindi finita per il momento, ma la Grand Opéra era ancora in ritardo rispetto all'Opéra comique in termini di popolarità.

Area di lingua tedesca

Schikaneder come il primo Papageno , 1791

La chiusura dell'opera su Gänsemarkt nel 1738 portò a un ulteriore rafforzamento del business dell'opera di lingua italiana nell'area di lingua tedesca, che era già dominante a quel tempo. Tuttavia, a partire dal modello di Amburgo, si affermò sempre più a partire dalla metà del XVIII secolo la pratica di tradurre i recitativi in ​​tedesco per le rappresentazioni di opere francesi e italiane e, per ragioni prevalentemente musicali, di mantenere solo la lingua originale delle arie. Dalla metà del XVIII secolo in poi, divenne sempre più comune vendere o distribuire al pubblico in tedesco spiegazioni stampate e traduzioni di opere non in lingua tedesca.

Intorno al 1780, con l'opera di Wolfgang Amadeus Mozart , iniziò uno sviluppo che durò fino al XIX secolo, che portò al crescente spostamento dell'italiano precedentemente dominante a favore di opere in lingua tedesca e spettacoli in traduzione tedesca. In tal modo Mozart ha trovato il suo modo molto personale di affrontare la tradizione dell'opera italiana. Anche in gioventù ebbe più successo in Italia (anche con Lucio Silla e Mitridate, re di Ponto ) e compose il suo primo capolavoro per Monaco con Idomeneo (1781), un'opera seria scritta anche in italiano . Ritornerà a questa forma con La clemenza di Tito (1791) poco prima della sua morte. Dopo le commedie musicali Bastien e Bastienne , Zaide (frammento) e Die Entführung aus dem Serail (con quest'opera rappresentata per la prima volta nel 1782 riuscì ad affermarsi come compositore freelance a Vienna) lo realizzò nel suo Figaro (1786) e ancora di più in Il Don Giovanni (1787), l'Opera seria e l'Opera buffa si riavvicinano. Oltre all'ultima citata, una terza opera fu realizzata nel 1790 in una congeniale collaborazione con il librettista Lorenzo Da Ponte Così fan tutte . In Der Zauberflöte (1791) Mozart combinava elementi dell'opera con quelli del Singspiel e del vecchio teatro magico viennese , diffuso a livello locale , che traeva il suo effetto in particolare da spettacolari effetti scenici e da una trama fiabesca. C'erano anche idee e simboli della Massoneria (Mozart stesso era un membro della loggia). Le opere di Mozart (e in particolare il flauto magico ) fanno ancora parte del repertorio standard di ogni teatro d'opera. Lui stesso ha descritto l'opera come una "grande opera in 2 atti".

Riforma dell'Opera

Titolo vignetta per Orfeo ed Euridice (Parigi 1764)

Christoph Willibald Gluck , attivo anche in Italia e Vienna, guidò una riforma operistica completa con le sue opere Orfeo ed Euridice (1762) e Alceste (1767), in cui combinò elementi di opera seria italiana e francese con il livello più realistico di azione di opera buffa a. Il corso di azione costantemente chiaro e logicamente strutturato, disegnato da Ranieri de 'Calzabigi , riesce senza intrighi complessi o confusione drammatica. Il numero dei protagonisti si sta riducendo. L'obiettivo primario è una maggiore semplicità e tracciabilità della trama.

La musica di Gluck è completamente subordinata alla drammaturgia e al testo, caratterizza le situazioni e le persone e non rappresenta il canto del bel canto stesso. Canzoni accuratamente composte o strofiche sostituirono l'aria da capo. Ciò ha raggiunto una nuova naturalezza e semplicità che ha contrastato il vuoto pathos e il manierismo del cantante. Fedele al modello antico, il coro ha preso parte attiva all'azione. L'ouverture si riferisce alla trama e non è più un pezzo strumentale distaccato prima dell'opera. L'arioso italiano, il balletto francese e la pantomima, la canzone inglese e tedesca così come il vaudeville sono stati integrati nell'opera, non come singoli pezzi uno accanto all'altro, ma come un nuovo stile classico. Le idee estetiche di Gluck furono portate a una nuova fioritura dal suo allievo Antonio Salieri alla fine del XVIII secolo. Particolarmente importanti sono le opere Les Danaïdes , Tarare e Axur, re d'Ormus .

Scomparsa dei giochi castrati

Un'altra espressione della maggiore vicinanza alla vita quotidiana dell'opera buffa e delle innovazioni nella riforma dell'opera suggerite da Christoph Willibald Gluck è la pratica iniziata nella seconda metà del XVIII secolo a rinunciare a ruoli di alto castrato per ruoli maschili a favore di più voci realistiche. Oltre alla deliberata demarcazione dalla cultura operistica dell'opera seria della nobiltà, fortemente influenzata dal virtuosismo dei castrati, le ragioni di costo hanno svolto un ruolo determinante in questo. Dal momento che gli impresari indirizzavano l'opera buffa a un pubblico borghese e sub-borghese meno abbiente, difficilmente si potevano guadagnare gli orribili costi per il compenso di un noto castrato . La conseguente identificazione della cultura virtuosistica dei ruoli castrato con la costosa tradizione dell'opera seria, plasmata dalla nobiltà, spiega anche la scomparsa dei castrati dall'attività operistica dopo la fine dell'Ancien Régime e la conseguente ascesa le voci "più naturali" dell'opera buffa e dell'Opera semiseria formavano la classe media alla classe sociale del XIX secolo che era anche leader nell'opera.

19esimo secolo

Sviluppo generale

Nel primo quarto del XIX secolo, i recitativi accompagnati dal basso figurato scomparvero sempre più a favore di una versione orchestrale notata. Oltre alla principale opera italiana e ai tipi di opera francesi, apparvero gradualmente altre forme di opera nazionali, prima in Germania. La rivoluzione francese e l'ascesa di Napoleone hanno mostrato i loro effetti sul opera più chiaramente di Ludwig van Beethoven unica opera Fidelio e Leonore (1805, 1806 e 1814). La drammaturgia e il linguaggio musicale erano chiaramente basati sulla Médée (1797) di Luigi Cherubini . La trama è basata su un "fait historique" di Jean-Nicolas Bouilly , composto nel 1798 da Pierre Gaveaux con il titolo Léonore, ou L'amour coniugale ; gli ideali della Rivoluzione francese formano quindi anche lo sfondo dell'opera di Beethoven. Fidelio può essere annoverato nel tipo di " opera di salvataggio ", in cui il soggetto è la drammatica salvezza di una persona da un grande pericolo. Formalmente, il lavoro è incoerente: la prima parte è come una canzone, la seconda con il finale corale su larga scala raggiunge un impatto sinfonico e si avvicina all'oratorio . Dopo il Flauto Magico e il Fidelio , la produzione tedesca necessitava di diversi tentativi per sviluppare finalmente il proprio linguaggio operistico nell'era romantica. Una delle fasi preliminari più importanti è stata fornita da ETA Hoffmann con la sua opera romantica Undine e Louis Spohr con la sua ambientazione di Faust (entrambi del 1816).

Area di lingua tedesca

Dopotutto, fu Carl Maria von Weber che, dalla tradizione del Singspiel, portò in vita l'opera tedesca sotto forma di Freischütz nell'orchestra nel 1821 con molta drammatica ricchezza di colori . La sua opera Oberon (Londra 1826), che fu suonata a malapena a causa del libro di testo scadente, attribuì così tanta importanza all'orchestra che famosi compositori come Gustav Mahler , Claude Debussy e Igor Stravinsky in seguito si riferirono ad essa.

Altri compositori del romanticismo tedesco furono il romanticissimo Franz Schubert ( Fierrabras , composto 1823, premier 1897), i cui amici non potevano fornirgli un testo congeniale, e Robert Schumann , che, con l'ambientazione del materiale Genoveva popolare tra i romantici, fu solo uno dei più noti compositori d'opera Opera (1850). Vale anche la pena menzionare Heinrich Marschner , che ha esercitato una grande influenza su Richard Wagner con le sue opere su eventi soprannaturali e raffigurazioni della natura ( Hans Heiling , 1833) , Albert Lortzing con le sue opere teatrali (tra cui Zar e Zimmermann , 1837, e Der Wildschütz , 1842), Friedrich von Flotow con la sua opera comica Martha (1847) e infine Otto Nicolai , che con la Lustige Frau von Windsor (1849) portò un po 'di italianità all'opera tedesca.

Richard Wagner ha finalmente rimodellato l'opera in modo così fondamentale secondo le sue idee che i suddetti compositori tedeschi svanirono improvvisamente accanto a lui. Con Rienzi (1842) il Wagner, fino a quel momento piuttosto sfortunato, ebbe il suo primo successo a Dresda; fu successivamente superato da The Flying Dutchman (1843). A causa del suo coinvolgimento nella Rivoluzione di marzo del 1848 a Dresda , Wagner dovette andare in esilio in Svizzera per molti anni. Il suo successivo suocero Franz Liszt ha contribuito al fatto che Wagner era ancora presente in Germania con la prima mondiale di Lohengrin (1850) a Weimar . Con il sostegno del giovane re bavarese Ludovico II , Wagner fu finalmente in grado di realizzare il progetto a lungo accarezzato del Ring des Nibelungen , per il quale fece costruire il Teatro del Festival di Bayreuth , in cui vengono suonate solo le sue opere fino ad oggi.

Richard Wagner

L'innovazione fondamentale di Wagner consisteva nella completa dissoluzione dell'opera sui numeri. C'erano già tendenze verso un'opera ben composta nel Freischütz di Weber o nella Genoveva (1850) raramente eseguita da Robert Schumann . Questo sviluppo è stato costantemente completato solo da Wagner. Inoltre, ha trattato parti vocali e parti orchestrali su un piano di parità. L'orchestra non accompagna più il cantante, ma funge da “ abisso mistico ” nei diversi rapporti con ciò che viene cantato. La lunghezza delle opere di Wagner richiede molta concentrazione e perseveranza da parte di cantanti e ascoltatori. I temi delle sue - ad eccezione di alcune opere giovanili e del Meistersinger  - opere costantemente serie, i cui libretti ha scritto tutto lui stesso, sono spesso la redenzione attraverso l'amore, la rinuncia o la morte.

In Tristan und Isolde (1865), Wagner ricolloca in gran parte il dramma all'interno psicologico dei personaggi principali, che è stato poi in grado di illuminare con la sua musica - la trama esterna dell'opera, d'altra parte, è insolitamente tranquilla. Il design di questo interno "oceanico" è servito anche agli armonici, che con l '" accordo di Tristan " hanno spinto in secondo piano le regole armoniche valide fino a quel momento e sono così entrate nella storia della musica. Musicalmente, le opere di Wagner sono caratterizzate sia dal suo ingegnoso trattamento dell'ambientazione orchestrale, che esercitò anche una forte influenza sulla musica sinfonica dell'epoca fino a Gustav Mahler , sia dall'uso di motivi ricorrenti, i cosiddetti leitmotiv , che trattano con figure e situazioni, termini individuali o con determinate idee. Con il Ring des Nibelungen (composto dal 1853 al 1876), il ciclo lirico più famoso in quattro parti (da qui chiamato anche semplicemente "la tetralogia") con un tempo di esecuzione totale di circa 16 ore, Wagner creò una monumentale realizzazione musicale e drammatica del suo opera and drama (1852) ha sviluppato una riforma dell'opera tradizionale. Il festival di consacrazione teatrale del Parsifal fu l'ultima delle sue opere, che divise il mondo della musica in due campi e suscitò sia imitatori ( Engelbert Humperdinck , Richard Strauss prima della sua Salomé ) che scettici - soprattutto in Francia.

Francia

In Francia prevaleva inizialmente la forma dell'opéra-comique , sviluppata nella seconda metà del XVIII secolo . Daniel-François-Esprit Auber ha avuto successo con la sua opera La muette de Portici (1828), il cui titolo di eroina è stato interpretato da una ballerina rimasta in silenzio, il collegamento con la Grand opéra ("grande opera"). Il drammaturgo Eugène Scribe divenne il loro principale librettista. Nel Grand opéra, oltre alle complessità della tipica storia d'amore operistica, vennero alla ribalta motivi storico-politici, come fu chiaramente mostrato nell'ultima opera di Rossini , Guillaume Tell (1829). Il rappresentante di maggior successo della Grand Opéra fu Giacomo Meyerbeer , con le sue opere Robert le diable (1831), Les Huguenots (1836) e Le prophète (1849), che furono suonate nel repertorio internazionale per decenni e all'inizio del XX secolo. Altri esempi importanti sono La Juive ("The Jewess", 1835) di Halévy , Dom Sébastien di Donizetti (1843) o Don Carlos di Verdi (1867).

A partire dal 1850 circa, Opéra comique e Grand opéra si fondono in una nuova forma di opera senza dialoghi. Nel 1875 Georges Bizet scrisse la sua opera teatrale più nota Carmen come Opéra comique, i cui recitativi furono aggiunti solo postumi da Ernest Guiraud . Se la trama e il tono "realistici" dell'opera non corrispondono a una grande opera, anche in questo caso il tragico finale, che inizialmente ha causato un fallimento alla prima, contraddice l'opéra comique. Ulteriori esempi della mescolanza di opéra comique e grand opéra sono il Faust di Charles Gounod (1859) - qui il termine drame lyrique è usato per la prima volta - e Les contes d'Hoffmann di Jacques Offenbach ( storie di Hoffmann , 1871–1880).

Russia

Infine, la Russia è entrata in scena con le sue prime opere nazionali, nutrita importando altri successi dall'Occidente. Michail Glinka compose l'opera Жизнь за царя ( Schisn sa zarja, tedesco: A life for the tsar , ribattezzato Iwan Sussanin nell'Unione Sovietica ) nel 1836 . Il lavoro ha un soggetto russo, ma musicalmente è ancora fortemente influenzato dalle influenze occidentali. La sua opera più famosa Ruslan e Lyudmila esercitò una grande influenza sulle generazioni successive di compositori russi. Il modesto Mussorgsky si staccò finalmente dalle influenze occidentali con Boris Godunov (1874) dopo un dramma di Alexander Pushkin . Anche il principe Igor di Borodin (1890) guidò ulteriormente l'eredità di Glinka. Pyotr Tchaikovsky si trovava tra le tradizioni russe e quelle del mondo occidentale e, con Eugene Onegin (1879) e la regina di picche (1890), progettò drammi d'amore con personale borghese, entrambi basati su un modello di Pushkin.

Boemia

In Boemia , Bedřich Smetana e Antonín Dvořák furono i compositori più frequentemente eseguiti dell'Opera Nazionale di Praga, che iniziò con Libuše di Smetana (1881) nel nuovo Teatro Nazionale di Praga. The Sold Bride (1866) dello stesso compositore divenne un successo d'esportazione. L'opera di Dvořak Rusalka (1901) combina leggende popolari e fonti di fiabe tedesche in un'opera lirica da favola. Bohuslav Martinů e Leoš Janáček hanno continuato i loro sforzi. Quest'ultimo compositore è stato riscoperto nella sua modernità negli ultimi decenni e ha conquistato sempre più il repertorio. Mentre The Cunning Little Vixen (1924) è ancora per lo più eseguita nella traduzione tedesca di Max Brod , altre opere come Jenůfa (1904), Káťa Kabanová (1921) o Věc Makropulos (1926) vengono sempre più eseguite nella versione originale ceca; questo è importante perché il linguaggio tonale di Janáček è strettamente basato sulla fonetica e sulla prosodia della sua lingua madre.

Italia

Dal 1813, quando le sue opere Tancredi e L'italiana furono rappresentate ad Algeri , l' Italia cadde nelle mani del giovane ed estremamente produttivo compositore belcantista Gioachino Rossini . Il barbiere di Siviglia (1816), La gazza ladra (Eng. La gazza ladra ) e La Cenerentola (entrambi 1817) in base alla Cenerentola fiaba da Charles Perrault si trovano nel repertorio standard di teatri d'opera fino ad oggi. Il ritmo elastico e un'orchestrazione brillante e spiritosa, nonché un trattamento virtuoso della voce cantata, hanno reso Rossini uno dei compositori più apprezzati e venerati in Europa. Rossini trascrive le decorazioni improvvisate dei cantanti fino ad ora comuni nei suoi ruoli, prevenendo così eccessive improvvisazioni. Realizza una nuova idea formale con la sua scena ed aria , che allenta la rigida alternanza tra recitativo e aria, pur mantenendo il principio dell'opera numerica. Inoltre, Rossini ha scritto una serie di serie di opere (ad esempio il suo Otello , 1816, o Semiramide , 1823). Nel 1824 andò a Parigi e scrisse importanti opere per l'Opéra. Scrisse un grande opéra politico su Guglielmo Tell ( Guillaume Tell , 1829), che fu bandito in Austria e rappresentato in varie località europee in una versione disinnescata con altri eroi principali.

Giuseppe Verdi
Enrico Caruso, Bessie Abott, Louise Homer, Antonio Scotti, cantano il quartetto "Bella figlia dell'amore" dal
Rigoletto di Verdi

I più giovani contemporanei e successori di Rossini copiarono inizialmente il suo stile di coloratura, fino a quando Vincenzo Bellini e Gaetano Donizetti in particolare riuscirono a emanciparsi dal modello prepotente con il loro stile, un po 'più semplice, più espressivo e romantico. Bellini era famoso per la declamazione espressiva e sofisticata dei suoi recitativi e per le melodie "infinitamente" lunghe ed espressive delle sue opere, come Il pirata (1827), I Capuleti ei Montecchi (1830), I puritani (1835), La sonnambula ( 1831), e soprattutto Norma (1831). Bellini ha scritto il ruolo del titolo di quest'opera con la famosa aria "Casta diva", proprio come Amina ne La sonnambula , per la grande cantante Giuditta Pasta . La Norma è così esigente che può essere cantata e interpretata solo da pochissimi grandi cantanti; è stata nuovamente strappata dall'oblio dall'interpretazione storica di Maria Callas .

Donizetti, che aveva qualche anno più di lui, era un compositore estremamente laborioso che, insieme a Bellini e soprattutto dopo la sua prematura scomparsa (1835), divenne il compositore d'opera italiano di maggior successo. Ha avuto la sua prima grande svolta con Anna Bolena (1830), il cui ruolo del titolo è stato creato anche da Pasta e riscoperto da Callas. D'altra parte, Lucia di Lammermoor (1835) con la famosa scena della follia ricco di coloratures non si è mai completamente scomparso dal repertorio e rimane a fianco delle opere allegre L'elisir d'amore (1832), Don Pasquale (1843), e La fille du régiment (1840) costantemente sul repertorio dei teatri d'opera.

Gli ampi archi melodici di Bellini fecero una forte impressione sul giovane Giuseppe Verdi . Dalla sua terza opera, Nabucco , fu considerato un compositore nazionale per l' Italia, che era ancora governata dagli Asburgo . Il coro "Va, pensiero, sull 'ali dorate" è diventato l' inno nazionale segreto del paese. Musicalmente, la musica di Verdi è caratterizzata da un ritmo nitido e fortemente enfatizzato, sul quale si sviluppano melodie semplici, spesso estremamente espressive. Nelle sue opere, in cui Verdi, con un inconfondibile istinto teatrale, ha spesso contribuito lui stesso al libro di testo, le scene corali occupano inizialmente un posto importante. Verdi abbandonò sempre più la tradizionale opera numerica; La costante tensione emotiva richiedeva un mix variegato delle singole scene e arie. Con Macbeth , Verdi ha finalmente abbandonato l'opera sui numeri e ha continuato il suo percorso di rappresentazione intima dei personaggi. Con La traviata (1853, tratto dal romanzo del 1848 La signora delle camelie di Alexandre Dumas il Giovane , che ruota attorno alla figura autentica della cortigiana Marie Duplessis ), porta per la prima volta un soggetto contemporaneo sul palcoscenico dell'opera, ma è stato costretto dalla censura a fermare il complotto per trasferirsi dal presente. Verdi spesso metteva in musica le fonti letterarie, ad esempio di Friedrich Schiller (ad esempio Luisa Miller dopo Kabale und Liebe o I masnadieri dopo Die Räuber ), Shakespeare o Victor Hugo ( Rigoletto ). Con i suoi contributi alla Grand Opéra scritti per Parigi (ad esempio Don Carlos , 1867) rinnovò anche questa forma e riprese elementi del dramma musicale di Richard Wagner con il compianto Otello fino a quando non inventò la sorprendente commedia Falstaff (1893; poesia in entrambi Cases di Arrigo Boito ) compose la sua ultima di quasi 30 opere all'età di 80 anni. Probabilmente la sua opera più popolare è Aida , scritta nel 1871.

Al volgere del secolo

Francisca Pomar de Maristany canta “Vissi d'arte” dalla Tosca di Giacomo Puccini - registrazione del 1929

Dopo le dimissioni di Verdi, i giovani veristi (ital. Vero = vero) conquistarono la scena in Italia. Il naturalismo non abbellito era uno dei loro più alti ideali estetici - di conseguenza, i versi scritti in modo pulito venivano astenuti. Pietro Mascagni ( Cavalleria rusticana , 1890) e Ruggero Leoncavallo ( Pagliacci , 1892) furono i compositori più tipici di questo periodo. Giacomo Puccini , d'altra parte, è cresciuto in fama ben oltre lei ed è ancora uno dei compositori d'opera più rappresentati fino ad oggi. La Bohème (1896), un dipinto morale della Parigi di inizio secolo, il "thriller politico" Tosca (1900, basato sull'omonimo dramma di Victorien Sardou) e la Madama Butterfly dell'Estremo Oriente (1904), con l'incompiuta Turandot (debuttata postuma nel 1926) ancora attorno ad un'altra accresciuta esotismo, sono diventate hit principalmente per le loro melodie. Puccini era un eminente artista teatrale e sapeva esattamente come scrivere per la voce; la strumentazione delle sue partiture, per lo più impostate per una grande orchestra, è molto differenziata e magistrale. In questo momento, il compositore italo-tedesco Alberto Franchetti , allora molto popolare , viene riscoperto a malincuore , nonostante i suoi tre successi mondiali ( Asrael , Christoforo Colombo e Germania ). Impegnato in un ideale musical-drammatico diverso dal Veristen fu Alfredo Catalani , attivo nello stesso periodo e le cui opere, molto apprezzate dal pubblico, sono intervallate da elementi fantastici. La sua ultima opera più conosciuta, La Wally, basata sul romanzo Die Geier-Wally di Wilhelmine von Hillern , fu rappresentata per la prima volta il 20 gennaio 1892 al Teatro alla Scala di Milano.

Inizio del XX secolo

Mary Garden come Melisande

Francia

Claude Debussy riuscì finalmente a liberarsi dall'influenza tedesca e, con Pelléas et Mélisande nel 1902, creò uno degli esempi più sfumati della tecnica leitmotiv adottata da Wagner . Il testo originale di Maurice Maeterlinck offriva molti simbolismi ambigui, che Debussy adottò nel linguaggio orchestrale. Quasi tutte le parti vocali sono state concepite come recitative e hanno offerto un controesempio per la "melodia infinita" di Wagner con il "recitativo infinito". Una delle rare eccezioni che offre all'ascoltatore una linea vocale è la semplice canzone di Mélisande, che, per la sua brevità e mancanza di decorazione, difficilmente può essere considerata una vera aria.

Scuola viennese

Dopo Richard Strauss , che per primo divenne un espressionista tardo romantico con Salome ed Elektra , ma poi tornò ai precedenti stili compositivi con Der Rosenkavalier e un certo numero di opere sono suonate molto con un certo numero di opere fino ad oggi (ad esempio Ariadne auf Naxos , Arabella , Die Frau ohne Schatten e Die Schweigsame Frau ), solo pochi compositori sono riusciti a trovare un posto stabile nel repertorio dei teatri d'opera. Invece, le opere del passato sono state (e sono) mantenute. L'inclusione di un'opera contemporanea nel repertorio standard resta l'eccezione.

Alban Berg è riuscito a farlo con le sue opere Wozzeck , che era strutturata come un tono libero, e Lulu , che fa pieno uso della musica a dodici toni. Il primo frammento di Lulu è stato completato nella sua forma in tre atti da Friedrich Cerha per la performance parigina con Pierre Boulez e Patrice Chéreau . Di entrambe le opere, Wozzeck in particolare , in cui il contenuto del brano e la visione musicale trovano un'unità, è ora entrato nel noto repertorio operistico in innumerevoli produzioni su grandi e piccoli palcoscenici di tutto il mondo e ha raggiunto una posizione indiscussa. È abbastanza simile con Lulu, che, tuttavia, spesso può essere padroneggiato solo da fasi più grandi a causa dello sforzo richiesto nel lavoro. Tuttavia, ispira regolarmente interpreti importanti come Anja Silja , Evelyn Lear , Teresa Stratas o Julia Migenes .

Arnold Schönberg, 1948

Di Arnold Schoenberg che sono regolarmente l' aspettativa  del monodramma la prima opera per un cantante - - e il deliberatamente incompiuto dal compositore lasciato alle spalle, le più alte richieste per il coro Vice-confine del lavoro Moses e Aaron elencate. Expectation, scritto già nel 1909, ma non è stato presentato in anteprima fino al 1924 a Praga con Marie Gutheil-Schoder sotto la direzione di Alexander von Zemlinsky , ha dimostrato negli anni un fascino specifico per i cantanti (in particolare Anja Silja e Jessye Norman ) e per i registi dopo la seconda guerra mondiale (ad esempio Klaus Michael Grüber con Silja 1974 a Francoforte; Robert Wilson con Norman 1995 al Festival di Salisburgo ). Nel 1930 Schönberg iniziò a lavorare su Moses e Aron, che interruppe nel 1937; Dopo la sua prima messa in scena a Zurigo nel 1957, quest'opera ha dimostrato la sua particolare idoneità per il palcoscenico in numerose rappresentazioni internazionali, soprattutto a partire dagli anni '70. È anche interessante che Mosè usi un canto parlato durante l'intera opera, il cui tono è predeterminato, mentre Aron canta.

Ulteriori sviluppi nell'area di lingua tedesca

Altrimenti la Scuola di Vienna non ha lasciato ulteriori tracce nel repertorio standard. Musicalmente, tuttavia, ogni compositore moderno ha dovuto fare i conti con la musica a dodici toni e decidere se continuare a lavorare sulla sua base o piuttosto pensare in linee tonali.

Hans Pfitzner è stato uno dei compositori più importanti della prima metà del secolo che si è attenuto consapevolmente alle tradizioni tonali. Il suo lavoro operistico mostra influenze da Richard Wagner e primi compositori romantici come Weber e Marschner. La musica di Pfitzner è in gran parte determinata dal pensiero lineare-polifonico, l'armonia si muove tra il semplice diatonico e il cromatismo che arriva ai limiti della tonalità. Tra le opere di Pfitzner, la leggenda musicale Palestrina , che ha debuttato nel 1917, è la più conosciuta. Scrisse anche: Poor Heinrich , Die Rose vom Liebesgarten , Das Christ-Elflein e Das Herz .

Franz Schreker ha creato Der ferne Klang nel 1912, una delle grandi opere prima della seconda guerra mondiale , ma è stato successivamente dimenticato quando il nazionalsocialismo ha spinto le sue opere dal repertorio. Dopo molti tentativi precedenti, la riscoperta davvero profonda di questo compositore iniziò solo negli anni '80, che, oltre alle nuove produzioni di Der ferne Klang ( Teatro La Fenice 1984, Wiener Staatsoper 1991), produssero anche spettacoli di Die Gezeichen , Der Schatzgräber e Irrelohe . Timbri fortemente differenziati giocano un ruolo essenziale nella musica di Schreker. Con Schreker, l'armonia cromatica di Wagner viene nuovamente intensificata, il che spesso offusca i legami tonali oltre il riconoscimento.

Simile a Schreker, il viennese Alexander von Zemlinsky e il Brno Erich Wolfgang Korngold , le cui opere hanno avuto un periodo difficile anche dopo il 1945. Dagli anni '80, entrambi i compositori sono riusciti a riconquistare un posto nel repertorio internazionale, Zemlinsky con i vestiti fa l'uomo , ma soprattutto A Florentine Tragedy , The Dwarf e The King Kandaules , Korngold con The Dead City .

Anche il lavoro di Walter Braunfels è stato bandito dai nazionalsocialisti e ha ricevuto una maggiore attenzione solo dalla fine del XX secolo. Con la sua opera Die Vögel , Braunfels è stato uno dei compositori più rappresentati sui palcoscenici dell'opera tedesca negli anni '20. La versatilità stilistica delle sue opere è sorprendente: se la Principessa Brambilla offre un'alternativa al dramma musicale della successione wagneriana basato sulla Commedia dell'arte , gli Uccelli mostrano l'influenza di Pfitzner. Con le successive opere Annunciation , The Dream a Life e Joan of Arc - Scene from the Life of St. Johanna , Braunfels si avvicina al linguaggio tonale del tardo Hindemith.

Uno dei compositori di maggior successo della generazione più giovane negli anni '20 fu Ernst Krenek , uno studente di Schreker, che inizialmente fece scalpore con opere espressioniste mantenute in libera atonalità. La sua opera del 1927 che Jonny suona , che riprende elementi di jazz, fu un successo scandaloso . È un tipico esempio del genere "Zeitoper" emerso in quel periodo, che prendeva le sue azioni dalla vita quotidiana del tempo, che era fortemente determinata dal cambiamento delle diverse mode. La musica di Krenek fu successivamente rifiutata dai nazionalsocialisti come "degenerata" e bandita. Il compositore è emigrato negli Stati Uniti e nel 1973 ha realizzato più di 20 opere, in cui si riflette in modo esemplare il mutevole sviluppo della musica del XX secolo.

Seconda guerra mondiale

La seconda guerra mondiale ha segnato una svolta importante nella storia dell'Europa e dell'America, che ha avuto un impatto anche sul mondo musicale. In Germania, le opere con suoni moderni venivano eseguite raramente e venivano sempre più messe da parte. Un tipico esempio di questo è Paul Hindemith , che negli anni '20 era considerato una "borghesia" musicale con opere come l'opera Cardillac , ma dopo il 1930 trovò finalmente uno stile moderatamente moderno con un carattere neoclassico. Mathis il pittore (il compositore ha messo insieme una sinfonia molto suonata da parti di quest'opera). Nonostante il cambiamento di stile, Hindemith sentì chiaramente il rifiuto perché Adolf Hitler si era offeso personalmente nella sua opera Neues von Tag , che completò nel 1929 . Infine, le opere di Hindemith furono etichettate come "degenerate" e la loro performance fu bandita. Come altri artisti e compositori prima e dopo di lui, Hindemith andò in esilio nel 1938.

Tempo dopo il 1945

Sviluppo generale

Il periodo successivo al 1945 è stato caratterizzato da una chiara internazionalizzazione e individualizzazione del business operistico, che ha fatto sembrare poco significativa la precedente divisione in tradizioni nazionali.

L'opera è diventata sempre più dipendente dalle influenze individuali del compositore che dalle tendenze generali. La presenza costante dei “classici” del repertorio operistico accresceva le richieste poste all'opera moderna, e ogni compositore doveva trovare il proprio modo di affrontare il passato, continuandolo, alienandolo o rompendolo. In seguito, sono emerse ancora e ancora opere che hanno infranto i confini del genere e hanno cercato di superarli. A livello musicale e testuale, i compositori hanno lasciato sempre più un territorio familiare e hanno incluso il palcoscenico e l'azione scenica nella sequenza musicale, spesso abbastanza astratta. Una caratteristica dell'espansione dei mezzi visivi nel XX secolo sono le proiezioni video che inizialmente accompagnano l'azione e poi diventano più indipendenti.

Bo Skovhus nel ruolo di Lear nell'opera omonima di Aribert Reimann all'Opera di Stato di Amburgo 2012. Foto: Brinkhoff Moegenburg

Nella crescente individualizzazione del linguaggio musicale, tuttavia, si possono riconoscere tendenze nell'opera nella seconda metà del XX secolo: da un lato, le opere letterarie , la cui drammaturgia è in gran parte basata sulla tradizione. Per questo, tuttavia, vengono utilizzati materiali e libretti sempre più attuali. Tuttavia, due opere pionieristiche di questo periodo sono tra tutte le opere che usano classici della letteratura come base, vale a dire l' opera di Bernd Alois Zimmermann The Soldiers basata su Jakob Michael Reinhold Lenz e il Lear di Aribert Reimann basato su William Shakespeare . Ulteriori esempi di opera letteraria sarebbero Das Schloss di Reimann (dopo Kafka ) e Bernarda Albas Haus (dopo Lorca ). Anche i temi politici vengono sempre più musicati, a cominciare da Luigi Nono e Hans Werner Henze ; un esempio più recente è l' opera Kniefall di Gerhard Rosenfeld a Varsavia su Willy Brandt , la cui prima nel 1997 a Dortmund ha avuto scarso effetto sul pubblico o sulla stampa e non ha portato a produzioni successive.

Se le opere di Luigi Nono non possono più essere classificate come opere letterarie a causa del loro linguaggio musicale sperimentale, la drammaturgia dell'opera viene esplorata anche per le sue possibilità sperimentali. Il termine opera ha quindi subito un cambiamento nella seconda metà del XX secolo, con molti compositori che lo sostituirono con teatro musicale o scene musicali e utilizzarono il termine opera solo per opere esplicitamente legate alla tradizione. Nelle opere di compositori sperimentali non si scopre solo una manipolazione creativa del testo e della drammaturgia, il palcoscenico, la formazione orchestrale e, ultimo ma non meno importante, la musica stessa supera schemi conservatori, il genere non può più essere chiaramente delimitato qui . Inoltre, vengono utilizzati nuovi media come il video e l'elettronica, ma anche il teatro, la danza e lo spettacolo stanno trovando la loro strada nell'opera.

Un altro compositore italiano incarna la sua stessa voce nel teatro musicale contemporaneo: Salvatore Sciarrino . Con il suo interesse per i timbri o il silenzio nella musica, crea. Alcune delle opere sono inconfondibili grazie alle tecniche compositive del Rinascimento (ad esempio nella sua opera Luci mie traditrici del 1998 sulla vita del madrigale Carlo Gesualdo ).

Benjamin Britten ha portato l'Inghilterra moderna sul palcoscenico internazionale dell'opera. La più nota delle sue opere per lo più tonali sono Sogno di una notte di mezza estate , basata sulle opere di William Shakespeare , Albert Herring , Billy Budd e Peter Grimes . L'amore e il talento di Britten per la pittura sonora sono stati mostrati più e più volte, in particolare nella rappresentazione del mare.

I Dialogues des Carmélites (Conversazioni dei Carmelitani , rappresentati per la prima volta nel 1957) di Francis Poulenc sono considerati una delle opere più importanti del teatro musicale moderno. La base è il materiale storico dei martiri di Compiègne , che nel 1794 si avvicinarono al patibolo cantando sotto gli occhi del tribunale rivoluzionario dopo essersi rifiutati di infrangere i voti religiosi. Anche la seconda opera famosa per un cantante single risale a Poulenc: in La voix humaine , la persona chiamata semplicemente "donna" si rompe a causa dell'infedeltà del suo amante, che la scarica per telefono. Luciano Berio ha anche utilizzato un coro di commento per la protagonista femminile “Sie” in Passaggio .

Il compositore Philip Glass , che ha arrestato Minimal Music , non ha più usato frasi collegate per Einstein on the Beach , ma ha invece usato numeri, sillabe solfeggianti , parole senza senso. Decisiva è stata la presentazione degli eventi sul palco. Nel 1976 è stato creato Einstein on the Beach , la prima parte di una trilogia in cui sono rappresentati anche Satyagraha e Akhnaten - omaggi a personalità che hanno cambiato la storia del mondo: Albert Einstein , Mahatma Gandhi e il faraone egiziano Akhnaton . Le opere di Glass hanno mostrato un grande richiamo di pubblico , soprattutto in relazione alle produzioni congeniali di Robert Wilson o Achim Freyer .

Le opere teatrali di Mauricio Kagel sono altrettanto spesso opere sulla musica o sul teatro stesso, che possono essere meglio classificate come "azione scenica-musicale" - la musica è difficilmente fissa, poiché Kagel si lascia improvvisare liberamente dai suoi artisti, che usano non- strumenti (cerniere, biberon, ecc.) o usarli in modo insolito, cantare sillabe senza senso o creare azioni e / o musica per caso o letture improvvisate. Con arguzia, Kagel ha criticato lo stato e il teatro, i militari, l'industria artistica, ecc. La sua opera più famosa, Staatstheater , ha causato scandali , in cui i meccanismi nascosti del teatro vengono portati in superficie.

Luigi Nono , invece, ha usato la sua musica per accusare mali politici e sociali. Ciò diventa particolarmente chiaro in Intolleranza 1960 , dove un uomo in viaggio nel suo paese d'origine sperimenta dimostrazioni, proteste, torture, campi di concentramento , prigione e abusi fino a un'inondazione inclusa, e finalmente si rende conto che la sua casa è dove è necessario.

Un compositore molto produttivo è stato Hans Werner Henze , che nel 2003 è stato insignito del Premium Imperiale della Japan Art Foundation (il cosiddetto Premio Nobel per l'Arte ) . Fin dall'inizio era in conflitto con le correnti prevalenti della musica contemporanea in Germania, alcune delle quali erano orientate dogmaticamente (parola chiave Darmstadt o Donaueschingen , vedi sopra), adottò tecniche seriali , ma usò anche tecniche di composizione completamente diverse, tra cui l' aleatoria . All'inizio della sua carriera operistica ha lavorato con il poeta Ingeborg Bachmann ( The Young Lord , 1952, e l'adattamento di Kleist Il principe di Homburg , 1961). L' Elegy for Young Lovers (1961) è stato scritto con WH Auden e Chester Kallman, i librettisti di Stravinskij dell'opera carriera di un libertino . Successivamente ha musicato i libretti di Edward Bond ( The Bassarides , 1966, e The English Cat , 1980). Il suo lavoro L'Upupa e il trionfo dell'amore del figlio è stato presentato per la prima volta nel 2003 al Festival di Salisburgo. Henze, che vive in Italia da molti decenni, ha promosso e influenzato in modo sostenibile molti giovani compositori. La Biennale per il New Music Theatre, da lui fondato, esiste a Monaco dal 1988 .

Il parlamento mondiale della prima scena di MERCOLEDI ', dal ciclo lirico LIGHT di Stockhausen . Birmingham Opera 2012

Karlheinz Stockhausen ha completato la sua eptalogia LIGHT, iniziata nel 1978, nel 2005 . Con la sua opera principale lascia un'opera monumentale che tratta temi religiosi, composta da sette opere, ciascuna rappresentante un giorno della settimana. Le prime opere sono state rappresentate in prima assoluta a Milano ( giovedì , sabato , lunedì ) ea Lipsia sono state rappresentate per la prima volta martedì e venerdì . Nella sua interezza, il complesso lavoro, composto da un totale di 29 ore di musica, non è stato ancora eseguito, anche a causa delle immense difficoltà organizzative.

L'opera Das Mädchen mit den Schwefelhölzern di Helmut Lachenmann ha attirato l'attenzione in Germania nel 1996 . È basato sulla famosa storia di Natale di Hans Christian Andersen . In modo stravagante e con tecniche strumentali in parte nuove, Lachenmann trasforma la sensazione di freddo in suono.

Secondo le statistiche di Operabase , i cinque compositori d'opera viventi più eseguiti nelle cinque stagioni dal 2013/14 al 2017/18 sono gli americani Philip Glass , Jake Heggie , l'inglese Jonathan Dove , l'olandese Leonard Evers e l'inglese Thomas Adès . Operabase nomina Peter Lund l'8, Marius Felix Lange l'11, Wolfgang Rihm il 14, Ludger Vollmer il 17 e Aribert Reimann al 23 ° posto come i compositori tedeschi più eseguiti .

Dopo l' opera fiabesca di Humperdinck Hansel e Gretel , i compositori d'opera hanno scritto più volte opere per bambini , come B. Henze ( Pollicino , 1980), Oliver Knussen ( Where the wild guys live , 1980 e 1984) e Wilfried Hiller ( Tranquilla Trampeltreu , Norbert Nackendick , Der Rattenfänger , Eduard auf dem Seil , Wolkenstein e Der Goggolori ).

Altri importanti compositori d'opera del XX e XXI secolo

forma

Le opere sono caratterizzate da una varietà di forme, che è determinata dagli stili compositivi convenzionali e dalle soluzioni individuali dei compositori. Pertanto non esiste una formula generale per la loro struttura. In parole povere, tuttavia, si può determinare uno sviluppo dall'opera numerica attraverso molte diverse forme miste all'opera completamente composta intorno al 1900.

Numero opera

Dal periodo barocco all'era romantica, l'opera è una serie di brani musicali autonomi (" numeri ") collegati da recitativi o (nel Singspiel ) dialoghi parlati e rappresentano una trama continua . Come il dramma, un'opera può essere divisa in atti , immagini , scene o apparizioni . Le componenti musicali dell'opera sono diverse:

Musica strumentale

Forme liriche chiuse

Passaggi e numeri incentrati sull'azione

  • Il recitativo è un'impostazione del testo che si adatta al ritmo del discorso e alla melodia del discorso . Viene utilizzato principalmente per trasmettere l'azione, specialmente nelle scene di dialogo. Nella musica barocca e classica si distingue tra recitativo secco , (ital. Secco , dry) e recitativo accompagnato (ital. Accompagnato , accompagnato). Nel recitativo secco vengono annotate solo le parti vocali e di basso, successivamente anche gli accordi associati come basso figurato o in forma scritta. Il cantante è accompagnato da uno o pochi strumenti, principalmente un basso e uno strumento di armonia ( strumento a pizzico oa tastiera). Nel Settecento questo compito ricadde sempre più solo sul clavicembalo e successivamente anche sul fortepiano . Nel recitativo dell'Accompagnato l'accompagnamento è composto per l'orchestra; spesso è riferito ad un'aria, la cui situazione si prepara.
  • La scena, in Scena italiana , nasce nel XIX secolo dal recitativo orientato all'azione ed è accompagnata dall'orchestra. Di solito questo è seguito da un'aria.
  • Il melodramma consiste nel parlare accompagnato da musica, come nel Rauchfangkehrer di Antonio Salieri (1781), la scena del dungeon dal Fidelio di Ludwig van Beethoven (1805/1814) e la scena Wolfsschlucht da Der Freischütz di Carl Maria von Weber (1821), o semplicemente una pantomima accompagnata da musica come La muette de Portici (1828) di Daniel-François-Esprit Auber o Suor Angelica (1918) di Giacomo Puccini . Il melodramma costituisce una forma indipendente, che comprendeva opere intere come Die Zauberharfe di Franz Schubert (1820), ma ora è scomparso dai teatri. La musica da film di oggi si basa sull'effetto del melodramma .

Forma grande accuratamente composta

La separazione dei numeri e la distinzione tra recitativo e aria furono messe in discussione nel XIX secolo. Dal 1825 in poi, il recitativo secco scomparve gradualmente ; nella letteratura italiana fu sostituito dal principio di scena ed aria , che Giuseppe Verdi usò per formare gli atti in un insieme musicale più ampio. Dalla metà del secolo Richard Wagner propagò l'abbandono della struttura numerica a favore di un insieme ben composto e formato sulla base di leit motiv . Per le opere di Wagner si è affermato il termine dramma musicale , la parola chiave " melodia infinita " sta per una progressione continua di sviluppo musicale ed emotivo, che a suo avviso dovrebbe prevalere sulle forme di danza musicale. Wagner ha descritto la sua opera Tristan und Isolde (1865) come "trama in musica", che dovrebbe ricordare i termini operistici originali "favola in musica" o "dramma per musica".

La forma composita fu generalmente preferita alla fine del XIX secolo, anche da Jules Massenet e Giacomo Puccini , e rimase il modello dominante del primo modernismo fino al neoclassicismo , che sperimentò strutture fragili e con riferimenti a forme della prima storia operistica. Nei concerti vengono eseguite anche parti autonome di opere completamente composte, come molte arie di opere di Puccini. Richard Strauss è considerato il maestro della forma su larga scala ben composta, che lo ha dimostrato in particolare nelle commedie in un atto Salome , Elektra e Ariadne auf Naxos .

Nel XX secolo, molti compositori sono tornati al principio dei numeri, ad esempio Zoltán Kodály , Igor Stravinsky o Kurt Weill . L'opera numero continua anche nelle operette e nei musical .

Opera seria e Opera buffa

Nella storia della lirica ci fu per lo più uno stile “alto” e uno “basso”, seguendo liberamente l'antica distinzione tra tragedia e commedia . Tuttavia, questo non significa sempre una linea tra serio e divertente. Lo stile “alto” può anche elevarsi al di sopra del “basso” semplicemente attraverso materiali antichi o figure nobili o attraverso un modello “letterario” da prendere sul serio o attraverso musica “difficile” (o semplicemente composta ). Tutte queste indicazioni di ciò che è più prezioso sono state attaccate nel corso della storia. C'erano generi che cercavano di indebolire il contrasto, come l'opera semiseria.

Finché l'opera era ancora in fase sperimentale, come all'inizio del XVII secolo, la separazione non era necessaria. Avvenne solo quando le rappresentazioni operistiche divennero comuni, per ragioni sociali: l'opera seria conteneva personale aristocratico e simbolismo politico "alto", mentre il fumetto aveva personaggi borghesi e azioni quotidiane "insignificanti" come tema. A poco a poco, Opera seria e Tragédie lyrique si separarono dai loro intermezzi comici , da cui emersero Opera buffa e Opéra-comique . Questa separazione fu interrotta solo alla fine del XVIII secolo: poiché i cittadini non volevano più essere ritratti in modo comico (cioè ridicolo) nel genere operistico "inferiore" destinato a loro, il fumetto fu spesso trasformato in sentimentale e valorizzato. Pertanto, le "opere divertenti" spesso non sono divertenti. Dopo la rivoluzione francese , la clausola di classe fu sciolta e le opere borghesi potevano essere "serie". Così, nel 19 ° secolo, sono sorti confini diversi tra tragedia e commedia rispetto al 18 ° secolo.

Un termine collettivo per le opere tragiche e comiche è il dramma per musica italiano , come veniva chiamata l'opera nei suoi primi giorni. Un esempio di una prima opera seria è Il ritorno d'Ulisse in patria di Claudio Monteverdi . La grave affermazione deriva dal ricorso a materiale teatrale antico - in particolare tragedie - e poemi epici eroici. Sono stati sostituiti da soggetti storici più recenti a partire dalla fine del XVIII secolo. Nell'Italia del XIX secolo, il termine dramma era usato nella composizione melodramma e non era più correlato al dramma antico. Sia l' opera tragica Norma di Bellini che l' opera comica L'elisir d'amore di Gaetano Donizetti erano così chiamate.

Stile "alto"

L' opera seria si affermò a tempo determinato solo nel XVIII secolo. Con questo titolo sono state escluse forme miste o contenuti tragicomici. L' opera Radamisto di Handel è un'opera tipica. All'opposto dell'Italia, la Francia ha dato alla propria forma di opera seria il titolo Tragédie lyrique , largamente influenzata da Jean-Baptiste Lully e dal balletto alla corte di Luigi XIV , in seguito da Jean-Philippe Rameau . Dopo la rivoluzione francese, la grande opera si è gradualmente affermata come un'opera borghese e seria. Questi includono Les Huguenots di Giacomo Meyerbeer , così come opere meno riuscite come Les Troyens di Hector Berlioz .

Il dramma musicale ben composto del più maturo Richard Wagner ( The Ring of the Nibelung ) ha avuto una grande influenza internazionale. I compositori francesi dell'epoca come Massenet , d'altra parte, si affidavano più a uno stile di opera trasparente e vocale, per il quale veniva usato il termine drame lyrique . Anche Debussy ha usato questo termine per la sua opera Pelléas et Mélisande .

Il materiale operistico proviene da sempre da romanzi , racconti o opere teatrali . L'opera italiana del XVIII secolo si vedeva come letteratura vestita di musica . Da allora, la musica è diventata la predominanza assoluta, cioè dalla fine del 19 ° secolo, è conosciuta come opere estremamente letterarie opera letteraria . Death in Venice di Benjamin Britten basato su Thomas Mann è una traduzione molto fedele del materiale letterario in musica.

Stile "inferiore"

L' opera buffa è la forma originale dell'opera allegra. Di Pergolesi La serva padrona è stata considerata come l'esempio che porta intorno alla metà del 18 ° secolo. Un ultimo esempio è Il barbiere di Siviglia di Gioachino Rossini . Le opere eccezionalmente allegre erano spesso meno considerate di quelle sentimentali. I suoi tessuti provengono dal teatro e dalla posse popolare , fortemente influenzati dalla Commedia dell'arte italiana .

L' opéra-comique francese (tipo di opera) è emerso dalla prima opera buffa , che prima della rivoluzione divenne l'opera di una borghesia sempre più sicura di sé. All'inizio si pensava che fosse più un gioco di canzoni ( vaudeville ). Ma la parte musicale è cresciuta e ha cominciato a predominare. Il Singspiel in lingua tedesca è emerso dall'Opéra-comique . Il Singspiel ha spesso un carattere popolare e borghese, è caratterizzato da semplici forme di canto o rondò e utilizza dialoghi parlati invece di recitativi e occasionalmente melodrammi tra i numeri musicali.

La corte parlava francese. Il problema con l'opera tedesca nel XVIII e in una certa misura ancora nel XIX secolo era che, in quanto opera vernacolare, apparteneva al genere "inferiore" e doveva affermarsi ed emanciparsi. Il Ratto dal Serraglio di Wolfgang Amadeus Mozart è uno dei Singspiele più famosi con questo scopo. Mozart utilizza anche forme musicali più complesse per le arie. Il lavoro, che fu commissionato dall'imperatore Giuseppe II per istituire uno spettacolo di canto nazionale e presentato per la prima volta nel 1782 al Burgtheater di Vienna , fu di importanza decisiva per lo sviluppo dell'opera tedesca.

Parigi era un leader nella storia dell'opera nel 19 ° secolo, e anche italiani come Rossini e Verdi vennero qui. L' Opéra- Comique , che è stata eseguita nella casa dell'Opéra-Comique , è rimasta anche secondaria rispetto al Grand opéra di nuova creazione e completamente composto , che è stato eseguito nell'Opéra - meno in termini di significato musicale che di significato sociale. Per i motivi menzionati, non doveva essere necessariamente allegro. Un esempio di un'opera comica comica e sdolcinata, nota anche nell'area di lingua tedesca, è The Postillon di Lonjumeau di Adolphe Adam . Un gruppo di opere che possono ancora essere formalmente denominate Opéra-comique dopo il 1860 rafforzarono il carattere sentimentale di base (come Mignon di Ambroise Thomas ). Un elemento sentimentale si ritrova anche in alcune opere comiche di Rossini ( La Cenerentola ).

Un rinnovamento dell'opéra-comique è riuscito con Carmen di Georges Bizet , il cui dramma punta nella direzione dell'opera verismo . Con lei - a parte le figure proletarie - il lurido era una caratteristica dello stile "inferiore".

Grande opera - opera da camera

La "taglia" può anche essere un segno di stile alto o basso. A volte il termine "grand opera" è usato come sottotitolo per un'opera. Ciò significa, ad esempio, che l'orchestra e il coro dovrebbero suonare e cantare in un grande cast, o che l'opera è un'opera a figura intera con balletto integrato. Si tratta di opere che possono essere rappresentate solo in un teatro più grande e che potrebbero differire dal repertorio delle truppe itineranti. Un esempio di "grande opera" è Manon di Jules Massenet .

Il termine opera da camera , invece, si riferisce a un'opera che può essere realizzata con poco personale. Il numero di cantanti di solito non è superiore a cinque, l'orchestra è limitata a un'orchestra da camera . Ciò potrebbe emergere dal disagio della povertà materiale e quindi riferirsi al genere "inferiore" o, al contrario, significare la maggiore esclusività e concentrazione di un genere "superiore". Anche il palco è spesso più piccolo, il che può contribuire a creare un'atmosfera più intima, che è benefica per l'effetto del lavoro. Ne sono un esempio Albert Herring di Benjamin Britten o "Les Larmes de couteau" di Bohuslav Martinů .

Genere o solo sottotitoli?

Alcuni compositori d'opera hanno anche resistito alla classificazione in tradizioni di genere o hanno deliberatamente fatto riferimento alle loro opere con determinati sottotitoli in relazione ad esse. Il Tristano e Isotta di Wagner porta, ad esempio, il termine "recita in musica", Luciano Berio ha usato per il suo lavoro Passaggio sul termine "messa in scena" ("messa in scena"). George Gershwin ha descritto il suo lavoro Porgy and Bess come "An American Folk Opera". Per prendere le distanze dai cliché, i compositori moderni spesso preferiscono nomi alternativi come "azione scenica" ( Al gran sole carico d'amore di Luigi Nono) o "azione musicale" ('atto musicale', Un re in ascolto di Luciano Berio). Anche la famosa opera di Peter Tchaikovsky Eugene Onegin è stata chiamata dal compositore "Scene liriche ".

Altre forme speciali

Nel 2016 Richard Geppert ha scritto l' opera rock tedesca Freiheit con i mezzi di espressione musicali e gli strumenti della musica rock .

Ci sono alcuni esempi di opere - compreso il lavoro di John Corigliano The Ghosts of Versailles , presentato per la prima volta nel 1991 - che sono autoreferenziali in termini di forma , in quanto contengono essi stessi dramma o opera.

Pratica di esecuzione dell'opera

repertorio

A causa del fatto che il genere dell'opera non è sempre facile da distinguere da altri generi e generi musicali e dalla pratica del pasticcios , un'affermazione sulla portata complessiva del repertorio operistico è irta di numerose difficoltà. Gli elenchi attuali presumono da 5800 a 6000 opere conosciute. Se si include il numero non trascurabile di opere perdute e perse, soprattutto del XVIII e dell'inizio del XIX secolo, un totale di circa 60.000 opere dovrebbe essere realistico.

Katarina Karnéus nel ruolo di Serse all'Opera svedese di Stoccolma, 2009

Il gran numero di opere non rende facile per teatri e teatri d'opera fare una selezione che soddisfi uno standard elevato e trovi anche un pubblico sufficiente. A seconda delle dimensioni del teatro e del budget esistente è direttore artistico e drammaturgico per ogni divisione del teatro (recitazione, teatro musicale, balletto, teatro per bambini, teatro delle marionette , ecc.), Un programma elaborato adattato alla casa e ai suoi dipendenti. Il programma tiene conto delle peculiarità regionali e delle tradizioni performative del luogo - ad esempio attraverso festival all'aperto, concerti di Natale o di Capodanno - ma indica anche le tendenze attuali del teatro musicale eseguendo anche opere contemporanee. A seconda delle dimensioni della casa, diverse opere vengono messe in scena di nuovo in una stagione . La prima esecuzione pubblica di una nuova opera è chiamata prima , la prima esecuzione pubblica di un'opera in una nuova produzione è chiamata prima .

A poco a poco è emerso un canone collaudato, più o meno ristretto, di opere liriche regolarmente in programma. Circa 150 opere compongono questo canone non fisso al suo centro. Di conseguenza, l'interesse della sezione dei lungometraggi in particolare si è spostato dalle opere già note alla loro interpretazione , con la messa in scena che si sposta in primo piano. Il pubblico spesso associa le loro opere preferite a certe tradizioni, alcune delle quali sono congelate in convenzioni , e reagisce in modo controverso alle interpretazioni radicali ( teatro di regia ).

Lingua degli spettacoli

Fino alla metà degli anni '60, le opere venivano rappresentate principalmente nella lingua locale del luogo in cui venivano eseguite. Le opere di Verdi in Germania furono cantate in tedesco e le opere di Wagner in Italia in italiano, come dimostrano le registrazioni radiofoniche e televisive. Prima di allora, tuttavia, c'erano teatri che eseguivano opere in lingua originale, come il Metropolitan Opera di New York. Il Festival di Salisburgo ha sempre presentato opere solo in lingua originale. Sulla base di un contratto con la Scala di Milano , in cui cantanti italiani si impegnarono a cantare anche all'Opera di Stato di Vienna , Herbert von Karajan introdusse il principio di eseguire opere in lingua originale all'Opera di Stato di Vienna nel 1956. Con il suo ragionamento che l'unità di parola e musica sarebbe andata persa quando si traduceva in un'altra lingua, le opere venivano gradualmente eseguite sempre di più nella loro forma originale. Anche il mercato dei dischi e dei cantanti, sempre più internazionale, ha dato un contributo decisivo a questo sviluppo. Nella DDR, invece, c'era ancora una grande tradizione di traduzioni, ma nuove traduzioni (ad esempio Walter Felsenstein , Siegfried Schoenbohm ) tentarono di tradurre il contenuto dell'originale in modo più preciso, linguisticamente più efficace e, soprattutto, musicalmente di più appropriatamente. Oggi, in quasi tutti i principali teatri d'opera, le opere vengono eseguite in lingua originale con sopratitoli simultanei .

In molti teatri più piccoli, specialmente nella Germania orientale, ci sono ancora spettacoli in tedesco. Ci sono anche diversi teatri d'opera in alcune città (ad esempio Berlino, Monaco, Vienna), uno dei quali esegue opere in traduzione, come la Volksoper Wien , la Komische Oper Berlin , lo Staatstheater am Gärtnerplatz a Monaco, o a Londra l' English National Opera . Di tanto in tanto c'è anche una traduzione autorizzata (come nel caso delle opere di Leoš Janáček , il cui testo tedesco proviene dall'amico di Janáček Max Brod , in modo che anche il testo tedesco possa essere considerato originale). L'esibizione in lingua originale è sempre difficile quando ci sono dialoghi nel lavoro. Ci sono anche forme miste qui, cioè i testi parlati sono tradotti, ma i suoni cantati sono nella lingua originale. Lo spettacolo di teatro musicale tradotto è quindi molto diffuso nel campo del singspiel , dell'operetta e dei musical . La drammaturgia a teatro è responsabile della traduzione esatta da una lingua straniera. Se le competenze linguistiche dei répétiteurs devono essere approfondite, vengono chiamati anche coach specializzati per una lingua straniera.

Guarda anche

letteratura

Libri

Riviste di settore

link internet

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Prove individuali

  1. Wilibald Gurlitt , Hans Heinrich Eggebrecht (a cura di): Riemann Music Lexicon (soggetto) . B. Schott's Sons, Mainz 1967, pag. 654 .
  2. ^ Arnold Jacobshagen : "Musiktheater" (PDF) German Music Information Center .
  3. Riassunto vedi: Wolfgang Osthoff: Monteverdi: L'incoronazione di Poppea . In: Carl Dahlhaus (a cura di): Enciclopedia del teatro musicale di Piper . Volume 4. Monaco 1991, pagg. 253-259.
  4. ^ Johannes Jansen: Opera corso intensivo . P. 127, "Partenza nell'età moderna".
  5. Statistiche 2017/18. Operabase ; accesso il 14 giugno 2018.
  6. Roswitha Frey: "La realtà ci ha raggiunti" . Badische Zeitung , 18 marzo 2016.
  7. I fantasmi di Versailles. Estratto il 7 luglio 2019 .
  8. Kurt Pahlen : Il nuovo lessico dell'opera. Seehamer, Weyarn 2000, ISBN 3-934058-58-2 , p. 9.