musica da film

Colonna sonora , anche in lingua inglese colonna sonora o punteggio è chiamato appositamente per un film di recente composto , o dalla esistenti classici , popolari fonti musicali e altri appositamente formati di recente per un film musicale . Caratteristico è il legame funzionale e di contenuto tra immagine e musica. La musica da film ha lo scopo di influenzare l'umore e il livello emotivo in un film e di supportare il modo in cui agisce.

La musica da film non è un termine di genere fisso, ma in molti casi piuttosto una fusione delle correnti più diverse. Molti processi armonico-melodici nella musica da film (ad es. armonica modale, uso a volte eccessivo di mediatori, motivi speciali) si basano in particolare su una simbiosi di musica tardoromantica, espressionismo/impressionismo, nonché avanguardie successive e, infine, varie influenze dalla musica popolare-contemporanea come il jazz, il pop, il blues o la musica elettronica.

Processo produttivo

Di solito, una colonna sonora viene creata in post-produzione dopo che è stato fatto un montaggio approssimativo . Il regista e il compositore del film esaminano questo primo montaggio di un film e decidono quali parti del film dovrebbero essere accompagnate dalla musica e che tipo di musica dovrebbe essere. A seconda del regista, viene creata una traccia musicale preliminare dalla musica esistente, una cosiddetta traccia temporanea . In questo modo di lavorare, tuttavia, non è raro che la musica effettivamente provvisoria venga conservata al posto di una composizione originale (è ciò che è accaduto, ad esempio, con " 2001: Odissea nello spazio ", per la quale originariamente si supponeva che Alex North scrivere la musica del film). Nelle produzioni televisive viene spesso utilizzato materiale d'archivio musicale per risparmiare il costo e il rischio di nuove registrazioni musicali.

I luoghi in cui la musica dovrebbe apparire nel film sono registrati in un cue sheet con l'ora di inizio e di fine. Sulla base di queste informazioni, il compositore del film compone quindi la sua musica, che in un lungometraggio può durare più di un'ora e mezza. Il modo specifico di lavorare varia da compositore a compositore e dipende anche dal tempo a disposizione del compositore. Di solito il compositore crea una breve partitura con le melodie e istruzioni più o meno dettagliate per la strumentazione . Queste particelle vengono poi tradotte in una partitura dagli orchestratori . Alcuni compositori come Ennio Morricone o James Horner spesso orchestrano le proprie partiture, altri come Hans Zimmer generalmente non si assumono questo compito. I copisti quindi estraggono dalla partitura le singole parti per i singoli strumenti. In passato, questo lungo processo doveva essere eseguito a mano, oggi le partiture vengono spesso create con un computer. Molte altre fasi del lavoro, dalla scrittura alla registrazione della musica, sono ora passate al computer.

Infine, la musica viene registrata da un'orchestra in sincronia con il film. Il direttore guida l'orchestra mentre guarda il film su uno schermo o monitor, creando così la sincronicità desiderata con il film. Spesso è il compositore stesso a dirigere l'orchestra, che è composta da musicisti che sono impegnati solo per questa sessione di registrazione (una cosiddetta orchestra di sessione ) che sono assunti a tempo indeterminato in un'orchestra o sono lavoratori autonomi. In molti casi, tuttavia, viene assunta un'orchestra permanente per questo scopo. Ne sono un esempio la German Film Orchestra Babelsberg , la London Symphony Orchestra e la BBC Concert Orchestra , che hanno già registrato numerose colonne sonore.

Un altro metodo è un coinvolgimento relativamente precoce del compositore nel lavoro di regia. Il regista del film discute il carattere della musica e le necessarie sequenze di musica da film, il compositore prepara una versione musicale in una fase iniziale. Questa musica servirà in seguito come modello per il taglio. Alcune sequenze di film vengono tagliate direttamente sulla musica. In questo modo, la musica viene inclusa direttamente nel film e la sequenza di montaggio è più musicale.

Durante il missaggio finale del suono , i produttori decidono l'uso finale della musica e la sua relazione con i dialoghi completati, i rumori e gli effetti elettronici.

storia

Era del cinema muto

I primi film realizzati prima dell'invenzione del film sonoro sono indicati come film muti , ma non erano "silenti" nella pratica dello spettacolo in quel momento, poiché di solito venivano mostrati con musica o rumori di accompagnamento da una fonte esterna al film. Già nel 1895, i fratelli Lumière presentarono per la prima volta a Parigi cortometraggi, accompagnati da un pianista dal vivo. Nella storia della ricerca cinematografica sono state fatte varie considerazioni sui motivi per cui si è cominciato ad aggiungere musica ai film:

  • L'assenza di suono è stata percepita dal pubblico come irritante, poiché il film forniva una rappresentazione visiva della realtà fisica, ma deviava dall'esperienza della realtà del pubblico a causa della mancanza di suono.
  • Poiché i proiettori cinematografici erano ancora molto scadenti intorno al 1900, le sale di proiezione dovevano essere completamente oscurate. La musica avrebbe dovuto dissipare l'atmosfera inquietante e rendere il pubblico sconosciuto più a suo agio per mezzo di musica familiare.
  • Il tintinnio del proiettore cinematografico dovrebbe essere soffocato.
  • Il pubblico era abituato alla musica drammatica , che era più comune allora di quanto lo sia ora.
  • Come adesso, aveva una funzione narrativa o di supporto dell'umore.

I brani musicali noti, ad esempio da opere e operette, sono stati inizialmente utilizzati come musica di accompagnamento . Per certi momenti d'azione è spesso fare musica impostata di default (ad esempio, la Marcia nuziale di Felix Mendelssohn Bartholdy per le scene di matrimonio o Liebestraum di Franz Liszt per le scene d'amore). Sono state pubblicate raccolte di musica con brani musicali compilati per lo sfondo del film, le cosiddette biblioteche cinematografiche . Successivamente, in rari casi, la musica è stata scritta individualmente per un particolare film. Gli spartiti per i musicisti erano inclusi nella copia del film quando è stato distribuito.

All'inizio solo pochi pianisti, violinisti o flautisti accompagnavano i film muti. Solo le esibizioni in grandi sale offrivano spazio a più musicisti. C'erano organi cinematografici separati che, oltre a numerosi timbri, avevano anche effetti sonori (cavalli che battono, vento, ecc.) ed erano adatti anche per piccole sale cinematografiche. Sono stati utilizzati anche orchestrali o fonografi .

Prima della prima guerra mondiale, nelle grandi sale cinematografiche delle metropoli, soprattutto nei maggiori teatri di prima categoria , andava di moda accompagnare gli spettacoli con le proprie orchestre cinematografiche fino a 80 musicisti. Negli anni del dopoguerra in particolare, prevalse questo metodo di accompagnamento musicale con musica orchestrale sincrona appositamente composta, nota anche come musica originale (ad esempio nel 1924 con L'ultimo uomo di FWMurnau , musica di Giuseppe Becce , nel 1926 con l' incrociatore corazzato di Sergej Eisenstein Potemkin con musiche di Edmund Meisel o nel 1927 con Napoleone di Abel Gance ). Questi ensemble dovevano essere in grado di suonare bene dallo spartito ed essere in grado di reagire rapidamente, poiché il direttore passava immediatamente alla battuta successiva o addirittura al pezzo successivo.

Il primo film sonoro

1927 presentò alla Warner Bros. con The Jazz Singer il primo lungo Tonspielfilm. L'esecuzione della musica si è spostata dai cinema agli studi. I film sonori avevano il vantaggio che gli studios potevano usare la musica da film in modo più specifico e coerente per un film particolare. Lo stile di questa musica da film era basato sulla musica orchestrale della fine del XIX secolo. Il caratteristico suono hollywoodiano risultante è stato particolarmente modellato da compositori emigrati dall'Europa, in particolare Germania, Austria e Russia, che erano orientati verso la musica europea, come Bernhard Kaun , Erich Wolfgang Korngold , Dimitri Tiomkin o Max Steiner .

La produzione si è svolta principalmente in tempi molto stretti. Di solito c'era una divisione del lavoro tra compositori e arrangiatori. Le partiture sono state spesso distrutte dopo la registrazione del suono e ora devono essere accuratamente restaurate se vengono eseguite di nuovo.

Durante il dopoguerra, la musica da film è cambiata: sono state aggiunte nuove influenze dal jazz e dalla musica leggera. I rappresentanti di questa nuova direzione includevano Henry Mancini e John Barry . Da questo momento in poi, l'importanza dell'effetto di riconoscimento con melodie cinematografiche come B. la musica della cetra in “ The Third Man ” (1949) o la marcia fischiata in “ Die Brücke am Kwai ” (1957).

La musica da film nell'era della televisione

Intorno al 1950 la musica rock , pop e jazz acquistarono maggiore importanza e l'industria cinematografica riconobbe la popolarità di questi nuovi tipi di musica. Compositori come Alex North ("Un tram chiamato desiderio", dt. " Tram chiamato desiderio ") o Elmer Bernstein (" L'uomo dal braccio d'oro ") hanno integrato elementi della musica jazz nelle loro partiture sinfoniche e hanno così ottenuto un rinfrescamento stilistico.

A metà degli anni 1950, i produttori di musica da film riconosciuti come ulteriore fonte di reddito e tema commissionati canzoni che sono state in seguito commercializzato come singole tracce o colonne sonore. Pezzi estremamente popolari come “Moon River” di Mancini/Mercer sono stati venduti più di un milione di volte.

La partitura di Bernard Herrmann per Psycho di Hitchcock (1960), in cui si limitava a un'orchestra d'archi , diede l'impulso decisivo a non utilizzare più la grande orchestra sinfonica come regola, ma piuttosto a seconda del contenuto e delle esigenze drammaturgiche di un film specifico . Herrmann aveva già applicato il principio della strumentazione di selezione in diversi film degli anni Cinquanta, aprendo così la strada a una massima estetica secondo la quale ogni film avrebbe dovuto avere il proprio suono inconfondibile.

Con lo scioglimento dei dipartimenti musicali e l'orientamento dell'industria cinematografica americana verso un pubblico nuovo e giovane intorno al 1960, la musica da film orchestrale fu spesso sostituita dall'attuale musica popolare. Un esempio ben noto dell'uso di canzoni, alcune delle quali già esistevano, alcune delle quali scritte appositamente per un film specifico, è stata la musica di Simon & Garfunkel per il film Die Reifeprüfung (1967). Per la musica da film vengono utilizzate non solo composizioni appositamente progettate, ma anche brani di attuali interpreti di musica rock e pop . Ne sono un esempio il film cult Easy Rider (1969) con una colonna sonora dell'era di Woodstock o il film fantasy Highlander - There Can Be Only One (1986), a cui la rock band Queen ha contribuito con otto canzoni. Il genere road movie in particolare si avvale di questa possibilità.

Dagli anni '70 in poi, Hollywood iniziò a lavorare sempre più con grandi orchestre sinfoniche e tecnologia leitmotiv . Le pubblicazioni di musica da film della RCA di Charles Gerhardt e della National Philharmonic Orchestra , che hanno dato un contributo significativo alla riscoperta delle composizioni classiche di Hollywood degli anni '30 e '40, hanno svolto un ruolo importante in questo . Ciò ha spinto giovani registi come Steven Spielberg e George Lucas a tornare a questa forma di accompagnamento musicale della trama. Le composizioni di John Williams per Lo squalo e i film di Star Wars dal 1977 in poi sono considerate pietre miliari importanti per il ritorno della musica sinfonica classica da film . Accanto a tutte le immagini ampollose, la musica dovrebbe fungere da una sorta di ancoraggio che offre allo spettatore familiarità e suoni profondi Sentimenti trasmessi.

Oggi anche la musica da film è parte integrante della commercializzazione di un film, con l'offerta che spazia dai supporti sonori alla possibilità di scaricare da Internet alle suonerie per cellulari.

tecniche

In generale, si distingue tra tre tecniche compositive: tecnica del leitmotiv (trasferimento di significato), sottolineatura e tecnica del mood (trasferimento dell'umore). Rispetto alla tecnica del mood, la tecnica del leitmotiv e della sottolineatura sono oggi meno utilizzati.

Leitmotiv della tecnologia

Questo metodo, noto dall'opera e soprattutto dai drammi musicali di Richard Wagner, ha il compito di rappresentare musicalmente persone, oggetti della trama o fili narrativi che giocano un ruolo centrale nel film. A tal fine, a personaggi importanti, oggetti d'azione o fili narrativi vengono assegnati motivi propri, cosiddetti leitmotiv , che vengono poi incorporati, ripetuti e variati nella composizione complessiva a seconda delle esigenze della storia. In questo modo si possono veicolare premonizioni, cambiamenti di situazione o riferimenti che riguardano la trama del film.

sottolineatura

La sottolineatura è una tecnica compositiva, che ricostruisce gli eventi e le emozioni rappresentati sullo schermo in maniera approssimativamente sincrona. La musica funge da musica di sottofondo per supportare e rafforzare le impressioni visive. Topolino è una forma estrema . Il compositore del film accentua i movimenti individuali degli attori nel film, come i passi compiuti individualmente, per mezzo di un raddoppio musicale. Il nome deriva dall'uso intensivo di questa tecnica nei cartoni animati . La strana impressione che crea questa tecnica è di progettazione qui. A parte i cartoni animati e le commedie , la sottolineatura è usata raramente in questi giorni.

Tecnica dell'umore

La tecnica dell'umore è alla base di sequenze di film con immagini d'atmosfera musicali, che aggiungono un contenuto d'atmosfera espressivo specifico della musica alla sequenza ( umore inglese , in tedesco: "umore"). Viene spesso definita una strategia compositiva che è l'opposto della sottolineatura, poiché non solo "raddoppia" una scena musicalmente, ma la "colora".

dare forma

Nel 1976, il musicologo svizzero Hansjörg Pauli pubblicò un modello per esaminare la musica da film sulla base delle sue forme, ma lo respinse come insufficiente nel 1994 quando fu pubblicato un nuovo modello. Anche così, il suo modello del 1976 è uno dei più utilizzati. Esistono tre diversi tipi di musica da film:

  • Parafrasi: "Chiamo la parafrasi musica il cui carattere deriva direttamente dal carattere delle immagini, dal contenuto delle immagini." - La musica parafrasa ciò che sta accadendo sullo schermo duplicandolo e riproducendolo. La parafrasi estrema si ottiene attraverso la tecnica compositiva di Topolino .
  • Polarizzazione: "Come polarizzante chiamo musica che in virtù del loro contenuto di carattere unico spinge immagini neutre o ambivalenti in una direzione espressiva unica." - La musica ha polarizzato l'azione sullo schermo passando attraverso il proprio senso o contenuto emotivo il suo senso o stato d'animo cambiamenti di contenuto. Fa più di una semplice parafrasi, in quanto "mette una certa luce" su una sequenza di film.
  • Contrappunto: " Descrivo la musica come un contrappunto il cui carattere univoco contraddice chiaramente il carattere univoco delle immagini e il contenuto dell'immagine." - La musica trasmette il senso e l'umore opposti di ciò che sta accadendo sullo schermo. Così facendo, ironizza su ciò che sta accadendo e ha un effetto di alienazione .

Funzioni

La musica da film è funzionale, io. Ciò significa che viene utilizzato per supportare e chiarire il suono visivo e per influenzare la percezione e le emozioni dello spettatore. Diversi sono gli approcci per una sistematica delle funzioni, di seguito la suddivisione secondo Kloppenburg.

Funzione sintattica

La funzione sintattica ci permette una più facile comprensione strutturale di ciò che sta accadendo. Le sequenze sono acusticamente correlate tra loro. Per mezzo della musica z. B. viene creata una transizione graduale da una sequenza alla successiva o viene effettuata una forte delimitazione delle sequenze. Nel secondo caso, la musica aiuta lo spettatore a separare le trame l'una dall'altra. La musica da film può anche chiarire un cambiamento di atteggiamento (es. Point of View Protagonist A - cambia in Point of View Protagonist B).

Funzione espressiva

La funzione espressiva è probabilmente la funzione più importante e più consapevole della musica da film. Rafforza e intensifica la nostra percezione di ciò che sta accadendo. La musica da film ha un carattere espressivo, ad es. B. sostiene ed enfatizza i sentimenti mostrati nel film. È lei che spinge lo spettatore a percepire la rispettiva scena come ancora più romantica o anche più triste o ancora più faticosa, ecc. La musica del film intensifica l'esperienza della situazione. Questa funzione della musica da film si riflette particolarmente bene nelle tecniche di composizione come la tecnica dell'umore o la sottolineatura, che possono anche evocare un certo stato d'animo. La sensazione desiderata dal regista non può essere raggiunta con il destinatario solo a livello visivo. La musica aiuta il destinatario a comprendere e interpretare ciò che ha visto nel modo desiderato. Secondo Nick e Ulner, la musica viene utilizzata per "generare e condensare l'atmosfera del film e per caratterizzare la location in modo più approfondito".

Funzione drammaturgica

La funzione drammaturgica può essere dimostrata e spiegata molto bene usando l'esempio della tecnica del motivo. Il compito della musica da film è quello di caratterizzare le persone. Incarna una persona in generale e allo stesso tempo esprime il rispettivo stato d'animo dei protagonisti o viene suonato per conto della persona, ad esempio quando si tratta tematicamente di loro o stanno per essere visti a livello visivo. Oltre agli stati d'animo, può ovviamente anche creare tensioni di z. B. sembra minaccioso. Ciò gli consente di influenzare l'interpretazione dell'azione da parte del destinatario. Fa quasi un commento, come viene chiamato da Kloppenburg (2000). Ciò che la musica esprime può intervenire nell'azione in corso, può richiamare l'attenzione dello spettatore su comandi o riferirsi a qualcosa che è tornato indietro.

Compositori

Numerosi compositori hanno composto per il film fin dall'era del cinema muto. Il famoso compositore francese Camille Saint-Saëns scrisse uno dei primi brani musicali originali per il giovane cinema (senza l'uso di musica straniera) per un cosiddetto "film d'arte" della Film d'Art Society nel 1907. il cast per il film di circa dodici minuti L'assassinio del duca di Guisa è simile a quello dell'orchestra da salotto dell'epoca. Altri compositori innovativi dell'era del cinema muto furono Giuseppe Becce , Hans Erdmann , Leo Spies , Ernst Krenek , Wolfgang Zeller e Hugo Riesenfeld . Nella musica da film tedesca, compositori come Hans Erdmann ( Nosferatu - Eine Symphonie des Grauens (1921)), Gottfried Huppertz ( Die Nibelungen (1924) e Metropolis (1927)) usarono molto presto la tecnica del leitmotiv di Richard Wagner. Soprattutto agli albori del film sonoro, con le sue condizioni di produzione non ancora standardizzate, non c'era solo la collaborazione dominante di compositori di operette e pop così come ex capibanda del cinema (come Giuseppe Becce), ma anche tra i giovani compositori di formazione classica un grande interesse per le nuove possibilità artistiche di questo medium moderno. In Francia sono stati i membri del gruppo Le Six come Auric , Milhaud o Honegger a scrivere colonne sonore artisticamente impegnative per il film, nella Repubblica ceca Martinů . Prima del 1933, in Germania dovrebbero essere menzionati musicisti come Karol Rathaus , Walter Gronostay , Paul Dessau e Hanns Eisler . Per i compositori sovietici, il film era raccomandato come mezzo per scrivere musica per le masse e migliorare così il loro gusto nell'arte. Oltre agli specialisti del settore (come Nikolaj Krjukow ), quasi tutti i musicisti classici, che hanno scritto principalmente opere, sinfonie o balletti, hanno lavorato anche come compositori di film. Sergei Prokofiev ( Alexander Newski ) o Dmitri Shostakovich ( Amleto , Re Lear ) erano i rappresentanti più importanti.

In Gran Bretagna, il direttore d'orchestra Muir Mathieson riuscì a persuadere noti compositori a scrivere musica per film degli anni '30, tra cui Richard Addinsell , William Alwyn , Malcolm Arnold , Arthur Bliss , Clifton Parker , Ralph Vaughan Williams e William Walton . Più tardi vennero John Addison , Ron Goodwin e John Scott , tra gli altri .

Durante gli anni '30, il suono specifico di Hollywood fu plasmato principalmente da compositori europei emigrati. Ultimo ma non meno importante, compositori di paesi di lingua tedesca (in particolare Germania e Austria) come Max Steiner ( King Kong e la donna bianca ), Bernhard Kaun ( Frankenstein ), Franz Waxman ( la sposa di Frankenstein ) o Erich Wolfgang Korngold ( Robin Hood, King of the Vagabonds ) ha svolto un lavoro importante nel trasferire la tecnica del leitmotiv di Wagner all'ancora giovane musica da film americana. Herrmann e Steiner sono tra i grandi compositori dell'età dell'oro ( Der Schatz der Sierra Madre , King Kong ).

L'ungherese Miklós Rózsa ( Ivanhoe - Il cavaliere nero , Ben Hur , El Cid ) scrisse la sua prima musica per film nel 1937 dopo aver completato la sua formazione al Conservatorio di Lipsia . Compositori come Elmer Bernstein e Maurice Jarre hanno lavorato a Hollywood per sei decenni diversi. Altri rappresentanti dal 1945 al 1965 furono l'americano Alfred Newman , il tedesco Hugo Friedhofer , il russo Dimitri Tiomkin e il newyorkese Bernard Herrmann .

Famosi rappresentanti della musica da film contemporanea includono Ennio Morricone , Lalo Schifrin , John Williams , Howard Shore , Alan Silvestri , James Newton Howard , Danny Elfman , James Horner , Thomas Newman , Hans Zimmer , Rachel Portman , Alexandre Desplat , John Powell e Michael Giacchino .

Oltre a compositori di musica contemporanea , come Michael Nyman , Philip Glass , John Corigliano , Elliot Goldenthal o Tan Dun , i rappresentanti della musica pop e rock a volte scrivono anche musica da film, tra cui Peter Gabriel , Pink Floyd , Mike Oldfield , Queen , Toto , Daft Punk , Underworld , Vangelis e Rick Wakeman .

Guarda anche

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Tutorial online (script, e-book, abstract, saggi):

link internet

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