Notazione (musica)

Quando la notazione è chiamata in musica la conservazione grafica di parametri musicali come altezza , durata e volume in una notazione sviluppata principalmente per le note esistenti . Da un lato, serve a documentare per iscritto brani musicali già noti, e quindi in parte sostituisce la tradizione con audizioni o audizioni. I rullini e i dischi nell'organetto e nel carillon possono anche essere visti come documentazione di una melodia , ma a parte questo, fino all'invenzione della registrazione del suono , la notazione musicale era l'unico modo per catturare la musica oltre che attraverso la memoria. Il secondo grande uso della notazione musicale consiste nell'esprimere nuove melodie e altre idee musicali esclusivamente per iscritto. Solo la possibilità di trasmettere un'idea senza doverla realizzare da soli consente ai singoli di realizzare opere ampie e complesse.

La moderna notazione musicale occidentale

Elementi della notazione

Sistema di linea e passo Sistema di linea e passo
Sistema di linea e passo

Gli elementi grafici della moderna notazione musicale sono inizialmente il sistema di notazione composto da cinque righe, sulle quali, oltre alle informazioni su tempo , tempo in chiave , dinamica e strumentazione, vengono riportate le note da suonare sotto forma di note che si leggono da sinistra a destra. Le diverse durate delle note sono rappresentate da diverse forme delle note ( valori delle note ), le altezze sono definite dalla posizione verticale. Due righi rappresentano la distanza di un terzo ; la distanza tra una nota che giace tra le linee e una nota che giace su una delle linee vicine è di un secondo . La chiave all'inizio di ogni accollatura definisce un tono di riferimento per una certa linea del rigo, da cui si possono derivare le altre altezze: nell'illustrazione il tono g ' sulla seconda linea dal basso. Nella figura si possono non solo leggere i relativi intervalli di nota (terza e seconda), ma anche dedurre dalla chiave di violino che si intendono le note a'-c '' e a'-h ' . Per i suoni troppo alti o troppo bassi, per trovare spazio sulle linee vengono utilizzate delle guide .

Notazione per pianoforte

Nei brani musicali polifonici è comune disporre più righi uno sotto l'altro, ciascuno dei quali contiene una voce , in modo che gli eventi musicali simultanei siano disposti uno sopra l'altro. Si parla poi di punteggio . Ai sistemi di linea per i toni più bassi viene solitamente assegnata una chiave di basso, che, a differenza della chiave di violino, contrassegna il fa piccolo come tono di riferimento sulla seconda riga dall'alto.

Un esempio pratico

Le basi della moderna notazione musicale possono essere spiegate bene usando il seguente esempio di una rappresentazione semplificata dell'inizio del classico di Johann Strauss "On the beautiful blue Danube" ( ascolta un estratto ? / I ): File audio/campione audio

Inizio del valzer del Danubio , semplicemente annotato
  1. In alto a sinistra c'è di solito la designazione del tempo , spesso in italiano, che qui significa "tempo di valzer". Al di sotto o accanto ad essa ci può essere la specifica del metronomo più specifica in BPM ( battiti al minuto ) , qui 142 quarti di battito al minuto .
  2. L'indicazione dell'indicazione del tempo definisce il quarto come il movimento base della melodia: il tempo di tre quarti ha il suo focus all'inizio della misura, il movimento principale è seguito da altri due movimenti prima di uno nuovo
  3. La stanghetta indica l'inizio della misura successiva .
  4. Viene lasciata nel sistema del tasto a sfioramento , in questo caso, la chiave di violino, indicando che la seconda riga più grave rappresenta il tono g' . A destra ci sono i
  5. Segno accidentale : Le due croci sulle linee dei f '' e c '' indicano che i due toni f e c in tutte le ottave sono aumentati di un semitono, cioè vanno suonati come fa diesis e do diesis , da cui tra l'altro cose. con una certa probabilità il Re maggiore o il Si minore risultano come possibili chiavi del valzer (infatti la tonalità è Re maggiore, ma questo emerge solo dalla considerazione dell'ulteriore progressione armonica e melodica; a rigore, le alterazioni generali non dicono nulla della chiave reale). Queste alterazioni si applicano all'intero sistema purché non vengano temporaneamente sovrascritte da altre alterazioni (fino alla fine della battuta) o (solitamente in connessione con una stanghetta doppia) sostituite da altre alterazioni generali. La chiave e le alterazioni vengono nuovamente annotate all'inizio di ogni rigo.
  6. Il musicista deve prima leggere ed elaborare tutti i fattori fin qui elencati prima di suonare la prima nota: Una semiminima sulla nota d' , la cui dinamica (volume) è indicata dal mf ( mezzo forte italiano , medio forte, normale volume ) sotto . In questo caso, una stanghetta segue immediatamente dopo la prima nota, prima che sia terminata un'intera battuta di tre quarti. Il pezzo non inizia con la prima parte accentata, ma con la terza parte non accentata della battuta, un preludio .
  7. La nota da un quarto successiva (di nuovo d ' ) ora suona sul primo movimento della misura successiva. Lei è attraverso uno
  8. Legato - o insulto connessi con le seguenti note diesis ' e un' , che non devono essere ri articolato , ma per essere riprodotto in combinazione con la precedente.
  9. Nella battuta successiva c'è una mezza nota a ' che dura le prime due battute e una
  10. Segue nota da un quarto. A questo punto ci sono due teste nota una sopra l'altra nelle posizioni fa diesis '' e a '' , il che significa che questi due toni dovrebbero suonare contemporaneamente. C'è anche un punto di staccato sopra che indica un'articolazione particolarmente corta. Dopo aver suonato di nuovo questo bitonale all'inizio della misura successiva, ne segue uno
  11. Metti in pausa la durata di un quarto di battito. Con il successivo preludio, il motivo precedente viene ripetuto un terzo più in basso.
  12. Sotto le ultime tre battute c'è un fork decrescendo che richiede di diminuire il volume; si potrebbe anche scrivere “decresc.” o “dim.” ( diminuendo ) . Di norma, sotto il sistema, sono scritte in corsivo quelle istruzioni che riguardano la dinamica e il carattere dell'esecuzione, sopra le note ci sono informazioni sul tempo in grassetto, come "accel." ( Accelerando ) o " un ritmo ”.

storia

Notazione musicale antica ed extraeuropea

Ci sono molte indicazioni che nell'antico Egitto fin dal 3° millennio aC Chr. Esisteva una sorta di notazione musicale e altre nazioni cercarono di arrestare la scrittura musicale.

L'epitaffio di Seikilos

La prima notazione completamente sviluppata e ora completamente decifrata è quella greca, la cui prima apparizione, secondo varie fonti, risale al VII secolo a.C. a.C. o solo intorno al 250 a.C. Deve essere datato. Questa notazione musicale utilizzava lettere - forse chiamate dopo le corde della kithara - per l' altezza e contrassegnava la durata del tono con dei simboli scritti sopra di esse . È sopravvissuto su molti frammenti , ma c'è solo una composizione che è completamente preservata in questo modo da un'iscrizione, l' epitaffio di Seikilos , che fu scolpito in una lapide vicino a Efeso nel II secolo dC .

In Europa, la notazione greca andò perduta con la caduta dell'Impero Romano ; la sua successiva decifrazione fu possibile solo con l'aiuto di scritti di teoria musicale romana dei primi secoli dopo il cristianesimo. La rapidità con cui questa tradizione è stata dimenticata, tuttavia, mostra la seguente citazione del padre della chiesa e vescovo Isidoro di Siviglia dalle sue Etymologiae (625 circa), in cui afferma che è impossibile scrivere la musica:

“Nisi enim from homine memoria teneantur, soni pereunt, quia scribi non possunt”

"Perché se non vengono ricordati dagli umani, i toni passano perché non possono essere scritti."

- Etim. III, cap. 15°

Al di fuori dell'Europa si svilupparono sistemi di notazione , soprattutto in Cina , Giappone e India , che spesso annotavano la melodia in caratteri più piccoli accanto o sopra il testo cantato, ma lasciavano molta libertà ritmica. Oltre a ciò, gli script di tablature sono stati utilizzati anche per le composizioni strumentali. La notazione musicale araba , in uso dal XIII secolo , è principalmente radicata nella tradizione greca che vi era ancora tramandata, ma poco sviluppata ulteriormente perché predominava il carattere improvvisativo della musica.

In generale, si può dire che, a parte i greci, per la maggior parte dei popoli la notazione musicale serviva più come ausilio alla memoria per la musica in gran parte improvvisata e meno come mezzo per preservare le melodie per i posteri. Il sistema di notazione più preciso si è sviluppato in Europa anche perché la musica più libera e improvvisata è passata in secondo piano a favore della tradizione ecclesiastica di salmi e corali composti e ritualmente ripetibili .

Neumes

Manoscritto della canzone di Jena , neumi nel sistema di linee
Lambcher Messe, neumi sopra il testo

A metà del IX secolo , nei monasteri europei si sviluppò un nuovo tipo di scrittura musicale per il canto gregoriano , che usava i neumi come simboli che venivano annotati sul testo. Rappresentavano la visualizzazione dei movimenti ondeggianti del capo del coro o del cantante ( greco νεύμα neuma , tedesco 'occhiolino' ), quindi un singolo neume stava per una certa frase melodica. Tuttavia, diversi simboli grafici sono stati utilizzati in diversi paesi e monasteri. La fonte più antica di questa notazione si trova nella Musica disciplina di Aurelian von Réôme intorno all'850. Frammenti datati in precedenza di neumi visigotici della penisola iberica non sono stati ancora decifrati. Il messale di Lambach mostrato di fronte risale alla fine del XII secolo , il cui originale si trova nell'abbazia di Melk .

Guido d'Arezzo

Le linee sono state gradualmente aggiunte alla nuova notazione adiastematica senza linee , inizialmente due righi colorati per le note f e c per contrassegnare i passaggi di semitono e – f e b – c . Per registrare con precisione i passaggi di tono tra le righe, Guido von Arezzo aggiunse una terza riga tra le righe fe e c all'inizio dell'XI secolo . Fu inventato il sistema dei terzi, con il quale ogni passo diatonico può essere identificato con precisione. Guido consigliava anche - a seconda dell'uso - di mettere una quarta riga sopra o sotto le tre righe.

Invece dei colori, Guido ora usava le lettere (c o f) all'inizio di un sistema per contrassegnare una delle posizioni dei mezzitoni. Con questo Guido aveva inventato anche la chiave . Ha usato principalmente una c minuscola per impostare la c' . La f è stata usata meno spesso, ma ha resistito alla prova del tempo come fa o chiave di basso.

Guido ha riconosciuto nelle lezioni pratiche che questa notazione ora diastematica contiene ancora una debolezza didattica. Sebbene le relazioni modali dei passaggi di tono rimangano relativamente le stesse, vengono denominate in modo diverso a seconda dell'altezza. Pertanto, Guido inventò anche la relativa solmizzazione , in cui sia il passo di semitono e – f che il passo di semitono h – c (poi anche a – b ) sono cantati con le stesse sillabe di tono “mi – fa”.

I servizi di Guido sono quindi didatticamente motivati. Con il sistema delle terze, ha visualizzato esattamente per la prima volta i passi dell'altezza; Con la relativa solmizzazione nomina funzionalmente i passi di semitono in modo che gli studenti li articolino e li cantino sempre allo stesso modo; Infine, con la mano guidone , Guido include nel processo di apprendimento la mano del “comprensivo”. Questa aggregazione di stimoli diversi è così efficace che gli educatori musicali utilizzano ancora il metodo di Guido - almeno dal punto di vista didattico - immutato fino ad oggi.

Lo scopo della solmizzazione non è sostituire la notazione assoluta, ma semplicemente imprimere nella memoria le relazioni relative dei toni, in modo simile al modo in cui i numeri arabi sono usati per denotare le melodie (1 = sempre radice), o i numeri romani per denotare le armonie (I. = Tonico). Il significato e la necessità della notazione diastematica non sono in alcun modo messi in discussione da queste misure didattiche.

Ai tempi di Guido e per molto tempo dopo, di solito bastavano quattro versi, soprattutto per il canto. Ciò non era dovuto solo alla piccola estensione dei corali, ma anche alle chiavi flessibili. Hanno permesso di adattare l'estensione di una voce o di una melodia al sistema di linee. Il vierlinige Neumensystem con C-key è in combinazione con il Neumen la notazione quadrata nella musica sacra ancora in uso oggi. Come nella notazione moderna, le linee ausiliarie sono state e vengono utilizzate per note particolarmente alte o basse . Questo tipo di notazione a quattro righi continui si trova ancora oggi nei libri corali .

Per altri scopi e strumenti musicali diversi furono presto utilizzati sistemi con più o meno linee. Il moderno sistema di cinque-line nato in Francia nel del 16 ° secolo , ma altre grafie continuò fino al 17 ° secolo . La chiave di Do preferita da Guido è stata sostituita in molti settori dalle chiavi di Fa e di Sol, che sono praticamente utilizzate solo sotto forma di chiave di violino e chiave di basso.

notazione modale

Per poter registrare in modo specifico il ritmo nella notazione, la notazione modale si è sviluppata nell'Europa occidentale durante la cosiddetta epoca di Notre Dame dal XII secolo all'inizio del XIII secolo . Contrariamente alla notazione usata oggi, questa non si basa su battiti individuali nella struttura dell'orologio, ma su sei ritmi elementari (modi) che si basano su misure metriche greche . Ogni modalità è descritta da una legatura (gruppo di 2–4 note) in notazione quadrata .

notazione mensurale

Poiché la notazione modale consentiva solo un numero fisso di ritmi diversi, presto sorse la necessità di una riforma, soprattutto per la scrittura di musica puramente strumentale. Con l'introduzione della notazione mensurale (nera) nel XIII secolo ( Ars Nova ), il ritmo era anche evidente attraverso l'uso di diversi valori di nota . I valori delle note a quel tempo erano chiamati Maxima, Longa, Brevis, Semibrevis, Minima e Semiminima, il loro esatto rapporto metrico dipendeva dalla scala utilizzata e dal valore della nota o delle note vicine.

Mottetto del XV secolo, notazione mensurale bianca

Nel XV secolo l'allargamento dei manoscritti rendeva troppo dispendioso il tempo per la compilazione delle teste delle note, si usava un inchiostro troppo prezioso e la carta utilizzata era più sottile e si strappava più facilmente se era troppo umida: la cosiddetta è stata creata la notazione mensurale bianca. L'annerimento è stato fatto solo per identificare valori di nota particolarmente piccoli (si vedano le pagine opposte di un mottetto di Loyset Compère, composto probabilmente nel 1472 ).

Notazione del ritmo

Nel 1280 Franco von Köln sviluppò la prima precisa notazione ritmica, che trovò espressione in opere complesse che, contrariamente all'uso dell'epoca, erano ostili all'improvvisazione. Si basa sulla divisione a tre (perfetta) e a due vie (imperfetta) delle lunghezze delle note. (Erano collegati alla lunghezza del brevis mettendoli tra parentesi quadre.)

L'Ars Nova era in grado di creare opere complesse (poliritmiche) con isoperiodiche (tenore) e isoritmiche nei periodi .

Nel Rinascimento franco-fiammingo, il complicato ritmo dell'Ars Nova fu nuovamente semplificato a proporzioni più semplici.

Inoltre, il ritmo nel suo schema di base determinava la forma, alla quale veniva attribuito un certo carattere nelle danze, che venivano riassunte e standardizzate nelle suite.

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Con la notazione mensurale si consolidava la notazione ritmicamente esatta (fino al primo periodo romantico (terzine e suddivisioni più alte), più la notazione sembra difficile, più è giovane.) Quantz specificò la punteggiatura inizialmente imprecisa nel barocco al termine comunemente usato oggi (la divisione in tre parti ).

La firma del tempo moderno

Nel XV secolo iniziarono anche le doghe a dividere con linee verticali, le cosiddette Mensurenstriche, in sezioni. Tuttavia, queste parti non erano battute in senso moderno, poiché la musica di quel tempo aveva schemi molto irregolari, ma erano usate per indicare negli spartiti in quali punti le diverse voci dovevano suonare o cantare contemporaneamente.

Verso la fine del XVII secolo fu introdotto il moderno sistema ritmico con indicazioni di tempo e stanghette , che prese con sé i valori minori della notazione mensurale bianca come notazione musicale.

Si può vedere dalla storia della notazione moderna che il suo sviluppo è nato principalmente dalle esigenze della musica cantata, e infatti si sente spesso dire che non è adatta alla scrittura di musica strumentale. I numerosi tentativi degli ultimi due secoli di riformare il sistema di notazione musicale sono tutti falliti, sia per l'atteggiamento conservatore dei musicisti, sia perché i sistemi di nuova concezione erano meno adatti di quello vecchio. Esistono però anche notazioni alternative per alcune aree specialistiche, alcune delle quali si basano su antiche tradizioni.

La notazione musicale dalla scrittura a mano alla stampa al computer

copisti

L'irruente notazione musicale di Beethoven (sonata per pianoforte op.109)

Lo sviluppo della notazione fu simile alla storia della parola scritta. Dopo i testi musicali cesellati nella pietra o graffiati nell'argilla, l'inchiostro e la carta si sono presto sviluppati nel mezzo ideale.

I manoscritti più o meno leggibili di vari compositori possono dire molto sulla loro personalità, basti confrontare la grafia uniforme e controllata di Johann Sebastian Bach (riportata in alto) con l'annesso brano della Sonata in mi maggiore op.109 di Ludwig van Beethoven . A tutt'oggi la decifrazione degli autografi è un lavoro esperto difficile quando è necessario distinguere se c'è un punto di staccato o solo una macchia di inchiostro, o se - come spesso accade con Franz Schubert - le fasi grafiche intermedie dal cuneo di accento a diminuendo fork deve essere adeguatamente riprodotto al momento della stampa.

Quando il compositore aveva scritto la partitura di una nuova opera orchestrale, era compito dei copisti copiare da essa le parti dei singoli strumenti, il che era un lavoro che richiedeva molto tempo. Se il pezzo è stato completato solo all'ultimo momento, doveva essere fatto in fretta, e da molte testimonianze contemporanee conosciamo descrizioni di “spartiti ancora umidi” da cui i musicisti hanno eseguito una prima mondiale .

tipografia

Missa Papae Marcelli, notazione mensurale bianca

Dopo l'introduzione della stampa tipografica , i musicisti iniziarono a sperimentare questa tecnica e la stamparono da modelli incisi o tagliati in legno e metallo. Successivamente, il principio dei caratteri mobili fu trasferito anche alla stampa di spartiti , come si può vedere nell'illustrazione adiacente dalla Missa Papae Marcelli di Palestrina . Nel 1498 il veneziano Ottaviano Petrucci inventò la stampa di spartiti a caratteri mobili; la sua invenzione fece di Venezia il centro europeo della stampa di spartiti per i decenni successivi. Le pubblicazioni di Pierre Attaingnant sono state di particolare importanza per la notazione con caratteri mobili e liberamente combinabili . Per la prima volta, le opere musicali potevano apparire in grandi edizioni e rese accessibili a un pubblico più ampio. La stragrande maggioranza della musica, tuttavia, continuò ad essere suonata da materiale scritto a mano.

Incisione di note

Nel XVIII secolo l' incisione con lastre di rame si diffuse sempre più in Francia e, grazie alla sua eccezionale qualità, si impossessò ben presto delle maggiori case editrici musicali d' Europa. Il difficile compito dell'incisore consiste nel disporre sul foglio la suddivisione dei sistemi e delle misure con tutte le loro etichette e simboli aggiuntivi in ​​modo che il risultato sia un insieme leggibile organicamente con spazi adatti per girare le pagine, e questo layout su la lastra di incisione ( piombo - stagno - antimonio - lega ) è a profilo invertito. Il processo di perforazione vero e proprio avviene quindi con un raster con il quale vengono disegnate contemporaneamente le cinque linee parallele del personale, vari punzoni in acciaio e altri strumenti per graffiare e perforare. Una pietra usata per litografia funge da base . Chiavi, alterazioni, note, archi piccoli, parentesi e l'intera scrittura sono stampate in acciaio. Gambi delle note, barre, stanghette piccole e archi più grandi sono incisi con incisori in acciaio (simili a quelli dell'incisione su rame ). I crescendo e le stanghette lunghe su più sistemi sono disegnati con il cosiddetto gancio di trazione. Prima della stampa finale, viene eseguita una cosiddetta stampa verde ( processo di stampa tipografica ) per la correzione. Durante la correzione, il punto errato viene contrassegnato sul retro della piastra di incisione con l'aiuto di una pinza curva. Quindi il piombo dell'area difettosa viene sollevato con l'aiuto di un chiodo. Dopo vari processi di levigatura e sbavatura, è possibile eseguire la correzione, ovvero ora è possibile portare il simbolo corrispondente nel punto giusto. La produzione di una pagina di spartiti richiede tra le 8 e le 12 ore, a seconda del contenuto.

litografia

Tra il 1796 e il 1798, Alois Senefelder sviluppò un processo di stampa piatto basato sul calcare di Solnhofen , adatto per la riproduzione rapida ed economica di spartiti. Il processo in seguito divenne noto come litografia o stampa su pietra e fu ripreso da molti artisti.

Processo di attrito statico

Una forma speciale di produzione di spartiti consisteva nel fatto che l'incisore segnava le linee delle note corrispondenti e il testo su una scatola di cartone. Questo modello è stato quindi impostato con il metodo della luce ( fotocomposizione posizionata) su una pellicola. Chiavi, note, manici, ecc. sono stati poi strofinati su questa pellicola allo stesso modo delle note lettere adesive. In termini di qualità, questo metodo era inferiore all'incisione convenzionale. Il tempo necessario per produrre uno spartito musicale era grosso modo equivalente a quello di un'incisione di uno spartito musicale, ma l'esposizione al piombo dell'incisore fu eliminata. Questa procedura è stata utilizzata nella DDR dal 1978 circa.

Macchina per la notazione musicale

Inno nazionale austriaco , registrato con il Kromarograph

Intorno al 1900, il viennese Laurenz Kromar sviluppò il Kromarograph , un dispositivo di notazione musicale automatico per la registrazione di improvvisazioni al pianoforte. Questo sviluppo era stato preceduto da tentativi simili fin dal XVIII secolo, che però, contrariamente allo sviluppo di Kromar, non avevano portato a risultati soddisfacenti. "Il Kromarograph non solo adempie al suo scopo per la registrazione rapida e fedele di improvvisazioni o composizioni, ma la corrente elettrica utilizzata fornisce un'immagine esatta del gioco, registra in modo verificabile e inesorabile la correttezza dello stesso come ogni errore commesso."

Insieme di note del computer

I primi esperimenti sull'uso del computer per la stampa di appunti risalgono agli anni '60 ea partire dagli anni '90 si sono avuti risultati seri . Oltre ai programmi di notazione musicale closed-source come Finale , PriMus , Score , Sibelius o capella , che stanno sostituendo sempre più la musica incisa a mano anche presso rinomati editori musicali, esistono anche soluzioni open-source come LilyPond , MuseScore , MusiXTeX o ABC e ABC Plus .

Programmi come Logic o Cubase sono utilizzati oggi nella musica popolare . Si tratta di elaborati programmi sequencer , in cui sono state integrate anche le funzioni di stampa delle note, ma che difficilmente soddisfano le esigenze professionali e rendono rare le edizioni di musica popolare esteticamente convincenti. Tuttavia, questi programmi sequencer possono aiutare a ridurre lo sforzo richiesto per alcune notazioni musicali di alta qualità con i programmi di composizione elencati sopra: è possibile esportare file MIDI di brani registrati che possono essere importati in programmi di composizione; la partitura deve solo essere adattata, non creata da zero.

Di solito si trova più piacevole suonare da note che sono state scritte a mano o impostate da un compositore di musica esperto. Una tendenza particolarmente negativa è avvertita dal fatto che, per ragioni di costo, gli editori emettono sempre più punteggi che non sono stati fissati da professionisti del marketing ma da laici e quindi non sempre soddisfano standard elevati. Questo è spesso il caso della musica popolare o educativa, ad es. Ad esempio, l'autore di una scuola ha impostato completamente il suo lavoro e lo invia per la stampa con il layout finito.

Sistemi di notazione alternativi

intavolatura

Notazione musicale e tablatura per chitarra

Le intavolature (impronte digitali) sono state sviluppate prima della moderna notazione musicale e venivano utilizzate per strumenti a pizzico , a corda e a tastiera , e più raramente per strumenti a fiato . Lutenisti e chitarristi in particolare mantennero la diteggiatura fino alla fine del XVIII secolo. Le tablature per chitarra sono tornate in uso nel XX secolo.

L'inizio della canzone "Tutti gli uccellini sono già lì" è mostrato a destra. I simboli di ritmo nelle intavolature per strumenti a liuto (vedi intavolature storiche per liuto ) non indicano i valori delle singole note, ma la durata fino a quando non viene suonata la nota successiva. Nella moderna intavolatura per chitarra, invece, si possono designare i valori dei singoli toni (vedi intavolatura moderna per chitarra ).

Un tipo speciale di tablatura è il sistema di notazione Klavarskribo ("scrittura da tastiera") sviluppato nel 1931 , una notazione per strumenti a tastiera sviluppata dall'olandese Cornelis Pot. Klavarskribo è annotato verticalmente dall'alto verso il basso. Gruppi di due o tre linee ciascuno rappresentano i tasti neri, i simboli delle note sono disposti su o tra queste linee.

nomi di tono

Nei testi sulla musica o in assenza di carta da musica, le note di una melodia sono spesso descritte utilizzando i nomi delle note . A una nota può essere assegnata una designazione di ottava univoca tramite lettere maiuscole e minuscole e sillabazione o indicizzazione . Per il Danube Waltz nell'esempio sopra potrebbe essere così: "3/4: d¹ | d 1 f # 1 a 1 | a¹ “ ecc, invece di fa diesis , f può anche essere scritta, così come un invece di un piatto. Si noti, tuttavia, i nomi di tono in altre lingue , la mancanza di conoscenza di cui possono portare a incomprensioni.

Rappresentazione in un programma tracker. Due tracce di uno strumento, con parametri inseriti per altezza e durata (campo numerico a due cifre).

In particolare nei formati di testo digitale, è stata sviluppata una notazione alternativa breve che, basata sulla tastiera standard a 88 tasti , conta le ottave dal basso verso l'alto, iniziando da C. Il contra-C ('C) è il primo C sul tastiera, ecco perché si chiama C1. Il do di cinque tempi (c '' '' ') , il tasto più alto, è l'ottavo DO sulla tastiera ed è quindi chiamato C8. I semitoni vengono mostrati come sollevato indipendentemente dalla loro connessione armonia con (vedi confusione enarmonico ), Gb '' sarebbe scritta come F 5, per esempio .

Questa sintassi è ad esempio in Tracker - programmi musicali utilizzati. L'asse del tempo scorre verticalmente dall'alto verso il basso. La scelta dell'incremento temporale è esclusivamente una questione interpretativa. Spesso una linea corrisponde a una semicroma, ma con i cambiamenti di tempo si può ottenere anche una struttura complessa come uno swing del 30 percento. L'altezza è inserita nella notazione descritta. La compattezza di questa notazione quasi unidimensionale consente una chiara notazione di ulteriori parametri musicali come la lunghezza o il volume, ma anche specifiche opzioni di elaborazione elettronica che influenzano il timbro.

Altri modi di nominare le note sono la solmizzazione relativa e assoluta , che riconducono i loro nomi delle note a Guido von Arezzo , e il metodo della parola tonale di Carl Eitz .

notazione numerica

In molte culture, lo spartito è rappresentato principalmente utilizzando numeri, lettere o caratteri indigeni che rappresentano la sequenza di note. È il caso, ad esempio, della musica cinese ( jianpu o gongche ), della musica indiana (sargam) e dell'Indonesia (kepatihan) . Questi diversi sistemi sono indicati collettivamente come notazione numerica.

La notazione numerica utilizzata in jianpu dovrebbe essere fornita come esempio . Ad esempio, i numeri da 1 a 7 sono assegnati alle altezze della scala maggiore. Per un pezzo in do maggiore questi sono:

Note:     C   D   E   F   G   A   H
Solfege:  do  re  mi  fa  sol la  si
Notation: 1   2   3   4   5   6   7

L'origine di questa notazione è la notazione numerica secondo Emilé Chevé .

Note di forma

Scala maggiore in notazione a 4 forme
Scala maggiore in notazione a 7 forme

Shape Notes è un sistema di notazione che è stato sviluppato negli Stati Uniti all'inizio del XIX secolo per rendere più facile per i laici cantare dalle note. Le canzoni Shape Note usano la notazione standard, ma le teste nota hanno anche forme caratteristiche che sono assegnate ai livelli della scala e sono nominate con sillabe di solmizzazione .

Il primo libro di inni di Shape Note fu pubblicato da William Smith e William Little nel 1801: The Easy Instructor . Con il movimento Singing School , i libri di inni Shape Note divennero molto popolari negli Stati Uniti.

Due sistemi di notazione forma-nota si sono affermati e sono in uso oggi: il sistema a 4 forme con le sillabe di solmizzazione Fa So La Mi , che è usato nel libro di inni The Sacred Harp , e il sistema a 7 forme con la solmizzazione sillabe Do Re Mi Fa So La Ti / Si , la z. B. è usato nel libro di inni The Christian Harmony .

Codici di notazione

Per poter "annotare" elettronicamente e salvare parametri musicali, sono stati sviluppati vari codici di notazione . Occorre distinguere tra codici per la riproduzione di musica come il MIDI , codici per inserire o memorizzare musica per la notazione elettronica (che in linea di principio include tutti i formati di file dei programmi di notazione musicale ) e quelli per l'analisi musicologica della musica come il codice monotono. MusicXML è stato progettato come formato di scambio e combina elementi di Humdrum, MuseData e MIDI. MEI è simile a MusicXML, ma si basa su TEI e tiene conto di requisiti più musicologici , soprattutto per quanto riguarda la filologia dell'edizione .

Abbreviazioni per accordi

Basso figurato
Canzone per bambini con simboli di accordi sopra le note

Nella tradizione del basso figurato , una parte di basso è dotata di numeri da cui si può ricavare l' accordo da suonare sopra la nota di basso . Tuttavia, molti compositori usavano anche la numerazione per poter abbozzare rapidamente il corso armonico di un'opera. Ad esempio, durante il completamento del Requiem di Mozart , Franz Xaver Süßmayr ha potuto fare affidamento su una serie di bassi figurati che Mozart stesso aveva annotato. L'illustrazione a destra mostra un semplice basso figurato, nel sistema superiore è scritta una possibile implementazione della numerazione.

I simboli degli accordi utilizzati oggi, soprattutto nel jazz e nella musica popolare, perseguono una direzione diversa , i quali, oltre al nome nota della tonica dell'accordo, hanno un codice di lettere e numeri che descrivono il tipo di armonia. Questo sistema, che funziona interamente senza righi, viene utilizzato in combinazione con un sistema di notazione della melodia , ma esistono anche raccolte in cui vengono stampati solo il testo e i simboli degli accordi di una canzone perché si presume che la melodia sia nota.

notazione braille

Usando gli stessi caratteri del suo Braille , Louis Braille ha inventato una notazione musicale per i non vedenti che è usata oggi in tutto il mondo. Nel suo ingegnoso sistema di nota, ottava, armonia e simboli aggiuntivi, è possibile portare le sequenze verticali della musica polifonica in una sequenza lineare di caratteri che i non vedenti possono leggere. La Biblioteca Nazionale per i Ciechi di Stockport ( Regno Unito ) ha la più grande collezione di spartiti in Braille .

Notazione grafica

La notazione grafica di Hans-Christoph Steiner per Solitude.
La notazione grafica di Hans-Christoph Steiner per Solitude.

Negli anni '60 e all'inizio degli anni '70, molti compositori sentivano il desiderio di staccarsi dagli spartiti classici, che consideravano troppo inadatti e troppo specifici per la loro musica. Hanno iniziato a sperimentare con la notazione grafica per lasciare più spazio all'ispirazione e alla creatività del musicista che si esibisce. Questo è stato significativamente influenzato dagli artisti di Fluxus , nonché da una mostra di spartiti curata da John Cage e Alison Knowles e dal catalogo Notations che hanno pubblicato .

La maggior parte dei compositori europei, tuttavia, tornò rapidamente alla notazione precisa ("classica"). Tra i compositori che hanno utilizzato ampiamente questa forma di notazione per lungo tempo, vanno ricordati soprattutto Roman Haubenstock-Ramati e Anestis Logothetis .

La notazione grafica ha sempre avuto un ruolo importante nella musica con un mezzo elettroacustico, la cui parte dovrebbe essere inclusa in una partitura in qualche forma in modo che i musicisti dal vivo possano coordinarsi con essa. Un primo e importante esempio è l'Hörpartitur creato da Rainer Wehinger 1958 per l' articolazione della composizione elettroacustica di Gyorgy Ligeti .

Notazione del colore

Già Guido von Arezzo utilizzava i colori per illustrare la notazione; questi scomparvero con l'avvento della stampa musicale. Un nuovo tentativo è stato fatto da Arno Peters . La notazione di Peters consente una rappresentazione spaziale dell'altezza e della durata del tono. Ha assegnato un colore a ciascuno dei sette toni. Durante l'assegnazione, ha osservato una relazione di frequenza simile all'interno dello spettro luminoso .

Notazione 6+6

La scala maggiore (qui Do maggiore) è mostrata con 6 più 6 note: con spaziatura tonale intera il colore delle note rimane lo stesso, con spaziatura semitono il colore cambia e anche la differenza di altezza si dimezza.

La notazione sviluppata da Johannes Beyreuther riflette la disposizione delle due file di 6 più 6 strumenti . Si compone di note bianche e nere. Le note dello stesso colore sono disposte in toni interi. I toni da 1 a 3 della scala diatonica hanno lo stesso colore, i toni da 4 a 7 il corrispondente colore diverso. Un cambio di colore significa un cambio nella riga da giocare. Un grande vantaggio è la trasposizione. Una melodia scritta in do maggiore può essere suonata su strumenti a due file 6 più 6 spostando la nota iniziale in altre cinque chiavi, su strumenti a tre file anche in tutte e dodici le chiavi. Anche su strumenti con un arrangiamento 6 più 6 spostato come la concertina Hayden Duet , il colore delle note indica la riga in cui si trovano i tasti. Non ci sono chiavi. La notazione 6+6 fa parte del principio musicale di Beyreuther .

Notazione del ritmo

Esempio di una notazione ritmica, qui To Be With You di Mr. Big

La notazione ritmica fornisce solo informazioni sul momento in cui si verificano gli eventi sonori rispetto al metro. Puoi z. Possono essere utilizzati, ad esempio, nei libri di accompagnamento per chitarra a percussione, dove la notazione ritmica detta il modello di percussione allo strumentista, ma non come deve suonare quale accordo di accompagnamento (poiché ci sono diverse opzioni per es. La maggiore). Come nell'immagine, tuttavia, è possibile che alla notazione ritmica ( slash ritmici inglesi a causa della forma inclinata delle teste delle note) vengano aggiunti anche nomi di accordi o addirittura immagini lessicali, ma questo non è ovvio.

Notazione del rullo di pianoforte

Esempio di una notazione del rullo di pianoforte che è stata ottimizzata per la leggibilità su carta (vedi spartito completo ).

Una notazione molto semplificata viene solitamente utilizzata nei programmi sequencer per elaborare la musica con il computer. Se, ad esempio, i brani musicali vengono registrati su una tastiera MIDI , il computer riceve solo informazioni su quale tasto è stato premuto, a che ora e quando è stato rilasciato, in modo simile alla registrazione su un piano roll . Chiave, tonalità, tempo in chiave, alterazioni e i valori esatti delle note non sono disponibili per il computer. Una rappresentazione dei dati registrati nella notazione classica è quindi possibile solo con algoritmi molto complessi e regolazioni manuali. Per questo motivo, i programmi del sequencer lavorano spesso con una notazione piano roll ( notazione piano roll ), che è simile alla stampa su un piano roll e la cui rappresentazione può essere programmata molto facilmente. La notazione piano roll consente anche un semplice inserimento o modifica di brani musicali sullo schermo ( chiamato editor piano roll in alcuni programmi ). La notazione del rullo di pianoforte può essere utilizzata anche per imparare in modo intuitivo brani per pianoforte senza dover essere in grado di leggere le note classiche. Le notazioni di piano roll esistono in numerose varianti, alcune delle quali utilizzano il colore. In alcuni paesi, come gli Stati Uniti, le notazioni musicali possono essere brevettate. Tra i brevetti ci sono alcuni esempi di notazione per piano roll, come il brevetto U.S. 6987220 (2006) per una notazione tipo piano roll con colori.

Guarda anche

letteratura

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  • Hans Hickmann , Walther Vetter, Maria Stöhr, Franz Zagiba, Walther Lipphardt, Luther Dittmer, Martin Ruhnke, Friedrich Wilhelm Riedel, Wolfgang Boetticher, Rudolf Stephan:  Notation. In: Friedrich Blume (Ed.): La musica nel passato e nel presente (MGG). Prima edizione, Volume 9 (Mel - Onslow). Bärenreiter / Metzler, Kassel e altri 1961, DNB 550439609 , Sp. 1595–1667 (= Biblioteca digitale volume 60, pp. 55100–55259)
  • Günter Brosche : Manoscritti dei musicisti. Reclam, Ditzingen 2002, ISBN 3-15-010501-3 .
  • Gilles Cantagrel : Manoscritti musicali - manoscritti musicali di 10 secoli - da Guido von Arezzo a Karlheinz Stockhausen. Tradotto dal francese da Egbert Baqué. Knesebeck, Monaco di Baviera 2005, ISBN 3-89660-268-3 (libro illustrato a colori).
  • Max Chop : Lo sviluppo della nostra notazione musicale. In: Reclams Universum 28.2 (1912), pp. 1250-1254.
  • Thrasybulos Georgiades : Musica e ritmo tra i greci. Rowohlt, Amburgo 1958.
  • Martin Gieseking: generazione basata su codice di grafici interattivi per note. epOs-Music, Osnabrück 2001, ISBN 978-3-923486-30-4 .
  • Elaine Gould: A capofitto. Il manuale di notazione. Tradotto dall'inglese da Arne Muus e Jens Berger. Faber/Peters, Londra/Lipsia 2014, ISBN 978-1-84367-048-3 .
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  • Rainer Nonnenmann: Invenzione attraverso la notazione - sulla produzione di pensieri musicali durante la scrittura. In: Neue Zeitschrift für Musik , 169° anno 2008, numero 5, pp. 20-25.
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link internet

Wikizionario: Notazione  - spiegazioni di significati, origini delle parole, sinonimi, traduzioni

Evidenze individuali

  1. ^ Illustrazione da Scientific American , 1 settembre 1906, pagina 159.
  2. Johannes Wolf: Handbuch der Notationskunde . Parte II, Lipsia 1919, pagina 458.
  3. Rudolf Kaiser: Dimostrazione della tastiera a radiazioni e del Kromarograph. In: Gustav Mayer (Ed.): Relazione sul 1° Congresso austriaco di educazione musicale. Vienna / Lipsia 1911, pp. 175-178.
  4. ^ Adalbert Quadt : Musica per liuto del Rinascimento. Dopo la tablatura ed. di Adalbert Quadt. Volume 1 e seguenti Deutscher Verlag für Musik, Lipsia 1967 sgg.; 4a edizione, ibid., 1968, volume 2, prefazione (1967).
  5. ^ Adam Tee: una grammatica formale per descrivere la musica. (Non più disponibile online.) 15 febbraio 2001, archiviato dall'originale il 15 maggio 2008 ; accesso il 9 marzo 2013 .
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  7. Erhard Karkoschka : Il carattere tipografico della nuova musica , Celle 1965
  8. ^ John Cage, Alison Knowles: Notation , Something Else Press, 1969
  9. (breve curriculum vitae di Wehinger)
  10. Arno Peters: la rappresentazione fedele alla scala della durata del tono come base della notazione cromatica analogica all'ottava. Casa editrice accademica, Vaduz 1985, OCLC 216675474 .
  11. sito web di musica principio di Beyreuther
  12. Johannes Beyreuther : Fare musica senza ostacoli - Il nuovo modo di fare musica. Kolbermoor 1985.