musica

La musica è una forma d'arte le cui opere consistono in eventi sonori organizzati . Per crearli, il materiale acustico , come toni , suoni e rumori , è disposto all'interno della gamma che può essere ascoltata dall'uomo . Dalla fornitura di un sistema audio si formano le scale . I loro toni possono apparire in diversi volumi o intensità ( dinamica ), colore del tono , altezza e durata del tono . Le melodie nascono dalla sequenza dei toni e, se necessario, si interrompono in un lasso di tempo ( ritmo , metro e tempo , eventualmente incorporato in battute ). Dall'armonia di più toni ( accordi ), ciascuno con un'altezza diversa, nasce la polifonia , e l' armonia nasce dalle relazioni tra i toni . La registrazione concettuale, la rappresentazione sistematica delle connessioni e la loro interpretazione è fornita dalla teoria musicale , l'insegnamento e l'apprendimento della musica sono trattati nell'educazione musicale e le questioni relative al design musicale sono principalmente affrontate dall'estetica musicale . La musica è un bene culturale e un oggetto di musicologia .

Sviluppo storico

Preistoria e protostoria

I primi strumenti conosciuti che sono stati realizzati appositamente per fare musica sono i flauti in osso di Geißenklösterle sul Giura Svevo , che sono esposti nel Museo della preistoria di Blaubeuren . Hanno circa 35.000 anni. La maggior parte degli antropologi e degli psicologi evoluzionisti , tuttavia, concordano sul fatto che la musica faceva parte della vita quotidiana degli umani e dei loro antenati molto prima. Non è chiaro perché gli umani abbiano acquisito abilità musicali nel corso della loro evoluzione.

Culture antiche senza scrittura

Il canto degli uccelli ha caratteristiche che sono imitate mimeticamente dagli umani , ripetizioni di gruppi di toni e toni, serie di toni, motivi e toni principali come approcci a una formazione di scale . Anche nelle culture senza copione ci sono tipi di melodia che consistono in ripetizioni costanti dello stesso motivo, costituiti da pochi toni all'interno di un terzo o quarto spazio. Questa caratteristica costruttiva è ancora conservata nel canto gregoriano , nelle sequenze dell'alto medioevo e in numerosi canti popolari europei con strofe , ad es. B. in Schnadahüpfl .

Il ritmo è raramente legato a schemi temporali o cambia frequentemente le sue classificazioni e accentuazioni adattandosi al fraseggio melodico. Tuttavia, non è informe, ma piuttosto poliritmico come la musica tradizionale africana , che stratifica schemi ritmici , soprattutto quando si canta con idiofoni di accompagnamento . L' insolita caratteristica successiva del jazz può essere trovata anche, i. H. l'enfasi sui battiti deboli.

Alte culture

Per un periodo di migliaia di anni, le culture animistiche e sciamaniche senza copione praticarono riti per l'evocazione degli spiriti. Parte delle loro cerimonie rituali erano - e sono fino ai giorni nostri - tamburi , canti e balli.

Le antiche culture di scrittura orientali in Mesopotamia ebbero inizio nel IV millennio a.C. Con i Sumeri . Inventarono il primo cordofono a più corde, la lira , che nei secoli successivi divenne un'arpa con quattro-dieci corde e cassa armonica .

In Egitto intorno al 2700 aC. La gamma di strumenti è stata ampliata per includere l'arpa ad arco. Durante questo periodo emersero anche la musica profana e la musica strumentale pura.

Ci sono solo supposizioni sugli inizi della musica indiana nel terzo millennio aC. Potrebbe aver preso ispirazione dalle culture mesopotamiche ed egiziane. A causa dell'immigrazione degli ariani intorno al 1500 aC Influenze occidentali arrivarono in India.

La Cina aveva già sviluppato la musica in tempi antichi. I suggerimenti più importanti provenivano principalmente dalla Mesopotamia. Le proprie invenzioni erano un sistema di scale, scale pentatoniche e un'accordatura a tono fisso. Le composizioni erano unanimi e omofoniche .

antichità

Fin dalla sua creazione, la musica è stata a lungo parte del rituale e del culto , ma forse anche nella normale vita quotidiana delle prime culture alte , dove solo in seguito divenne un'arte autonoma . Proprio come molte culture non hanno un proprio termine per la musica fino ai giorni nostri , che intendono come un'unità di danza , culto e lingua, così il μουσική, adottato dall'antichità greca fino al IV secolo a.C., descrive un'unità di poesia , danza e musica da cui quest'ultima è stata risolta attraverso un restringimento della terminologia. Tuttavia, ha mantenuto il suo stretto rapporto con la poesia e la danza, ognuna delle quali è emersa come momenti determinanti nel corso della storia della musica.

Medioevo e tempi moderni

Mentre la musica nel Medioevo era fortemente influenzata dagli ordini numerici, sotto l'influenza dei quali, come l' Ars musica, insieme all'aritmetica , alla geometria e all'astronomia, formava il quadrivio logico- argomentativo all'interno delle Artes liberali , la realizzazione creativa del compositore era prima acquisita attraverso la pratica nel Rinascimento preferito la padronanza manuale. In questo momento, sono emerse opere strumentali nella musica d'arte che hanno cercato di trasmettere un significato senza linguaggio o canto. L'idea prevalente del XVI-XVIII secolo, già nella poetica aristotelica aveva descritto la mimesi , l'imitazione della natura esteriore nella pittura tonale e la natura interiore dell'uomo nella rappresentazione affettiva .

Con l'inizio del razionalismo nel XVII secolo, prevalse l'aspetto creativo. Nel Romanticismo , l'esperienza e il sentimento personale-soggettivo e il suo significato metafisico erano in primo piano. Come estensioni dell'espressione musicale e delle posizioni rispetto alla capacità della musica di comunicare contenuti extramusicali , sono emersi termini come musica assoluta , musica a programma e poesia sinfonica , attorno ai quali è scoppiata una discussione inconciliabile tra le parti in conflitto. Allo stesso tempo la musica popolare era sempre più indipendente e cresciuta dalla fine del XIX secolo sotto l'influenza, tra l'altro, della musica popolare afroamericana in un ramo separato che alla fine la musica jazz, pop e rock ha generato una varietà ciascuna altamente genere differenziato. Poiché all'inizio del XX secolo, da un lato, la ricerca storico-musicale ha incontrato maggiore interesse e, dall'altro, la registrazione sonora ha consentito la riproduzione tecnica della musica, che ha acquisito in tutte le sue forme storiche, sociali ed etniche conosciute un presenza e disponibilità che continua ancora oggi, che si diffonde attraverso i mass media , recentemente accresciuta dalla rivoluzione digitale . Questo e il pluralismo stilistico del modernismo che ha avuto inizio intorno al 1910 , durante il quale la nuova musica ha reagito alle mutate funzioni sociali o l'ha solo creata essa stessa, ha giustificato un offuscamento dei confini precedentemente tradizionali tra generi, stili e le aree della musica leggera e seria, ad esempio in forme emergenti come il terzo flusso , l'hardcore digitale , il crossover e la world music . Il pensiero musicale del postmodernismo tende, a sua volta, a un universalismo estetico che includa l'extra-musicale - multimediale o nel senso di opera d'arte totale - oa nuovi modelli di pensiero cresciuti in culture e filosofie fuori dall'Occidente.

Concetto e storia del concetto

Come il latino musica, la parola “musica” deriva dal greco μουσική τέχνη ( mousikḗ téchnē : “arte delle muse , arte musicale , arte delle muse”, soprattutto “arte musicale, musica”). Il termine musica ha visto diversi cambiamenti di significato negli ultimi millenni. Dall'unità artistica μουσική si staccò nel IV secolo a.C. La musica , la cui concezione era inizialmente quella di una scienza capace di teoria e determinata matematicamente . Indipendentemente dal resto dello sviluppo verso l'arte, questo persistette nel XVII secolo e negli ambienti protestanti fino al XVIII secolo. Fino al decisivo cambio di significato che ha introdotto l'odierno concetto di musica, il termine musica non è da intendersi unicamente come “teoria musicale”;

Origine e storia delle parole

L' antico aggettivo greco mousikós (-ḗ, -ón) (μουσικός (-ή, -όν), da moûsa μοῦσα ' musea ') apparve per la prima volta in forma femminile nel 476 a.C. nella prima ode olimpica di Pindaro . L'aggettivo mousikós (μουσικός) scorreva come musicus (-a, -um) , riguardo alla musica, musicalmente; anche: riguardante la poesia, poetica ', musicus (-i, m.) , musicista, artista del suono; anche: Dichter ', musica (-ae, f.) and musice (-es, f.) ' Musenkunst, Musik (nel senso degli antichi, con l'epitome della poesia) 'and musicalis (-e) 'musical' in lingua latina A.

Il greco μουσική e il latino musica sono finalmente entrati nella letteratura teorica come termini tecnici . Da lì, quasi tutte le lingue europee e l' arabo hanno adottato il termine in diverse grafie e accenti . Esistono solo poche lingue proprie, ad esempio hudba in ceco e slovacco , glazba in croato e cinese yīnyuè (音乐), coreano ŭmak/eumak (음악), giapponese Ongaku (音 楽), anglosassone swēgcræft , islandese tónlist, olandese toonkunst (oltre Muziek ), danese tonekunst (accanto la musica ), norvegese tonekunst (accanto musikk ), svedese tonkonst (accanto la musica ). Nella lingua tedesca inizialmente appariva solo la parola base, antico alto tedesco mûseke e medio alto tedesco mûsik . Dal XV secolo si sono formate derivazioni come il musicista o il fare musica . Fu solo nel XVII e XVIII secolo che l'accento cambiò sotto l'influenza della musica francese sulla seconda sillaba, come è ancora oggi valido nella lingua tedesca standard .

Storia della definizione

L'estetista musicale Eduard Hanslick ha definito la musica come "una lingua che parliamo e comprendiamo ma che non siamo in grado di tradurre". La domanda su cosa sia o non sia la musica è antica quanto pensare alla musica stessa: nonostante i numerosi tentativi storici di arrivare a un concetto generale e fondamentale di musica, non c'era e non c'è un'unica definizione. Le definizioni precedenti si concentravano ciascuna su una componente del fenomeno musicale. La storia delle definizioni è caratterizzata da molte contraddizioni: la musica come scienza razionale e numerica, la musica come arte emotiva, la musica nella comprensione apollinea o dionisiaca , la musica come pura teoria o pura pratica - o come unità di entrambe le componenti.

antichità

La letteratura musicale dell'antichità ha prodotto numerosi tentativi di definizione, che sono tuttavia caratterizzati dal fatto che si sono concentrati sul materiale musicale, sulla scala e sui suoi fondamenti matematici e li hanno compresi come la natura della struttura sonora.

mezza età

Cassiodoro , che contribuì allo sviluppo delle Sette Arti Liberali unendo scienza antica e fede cristiana , definì la musica come "(...) disciplina, quae de numeris loquitur" ("La musica è conoscenza che si esprime attraverso i numeri"). Alkuino e Rabano Mauro seguirono questa comprensione logico- razionale . Isidore von Sevilla ha parlato di "Musica est peritia modulationis sono cantique consistens" ("La musica consiste nell'esperienza del ritmo sonoro e del canto"). Dominicus Gundisalvi , Robert Kilwardby , Bartholomaeus Anglicus , Walter Odington e Johannes Tinctoris hanno ricevuto questo giudizio più sano e orientato ai sensi .

La definizione di Agostino del termine subì un importante cambiamento nel Medioevo attraverso il trattato Dialogus de musica attribuito a Odo von Cluny . Ha ampliato la visione per includere una componente teologica citando la “concordia vocis et mentis” , l'“unità tra voce e spirito” come punto centrale del fare musica. L'idea è stata ripresa da Philippe de Vitry . Un trattato anonimo del Medioevo porta da "Musica est scientia veraciter canendi" ("La musica è la scienza del vero canto") che la sincerità del cantante è più importante delle conoscenze teoriche e dell'abilità pratica. Questo è stato ritrovato con Johannes de Muris e Adam von Fulda .

Prima età moderna

Le definizioni di Agostino e Boëthius continuarono ad applicarsi per tutto il XV e il XVI secolo. Contemporaneamente emerse un'interpretazione legata alla pratica musicale, che divenne popolare come "Musica est ars recte canendi" ("La musica è l'arte di cantare propriamente") - sebbene nei numerosi giornali anche debite ("due"), perite ("Conoscibile"), certe ("sicuro") o rito ("secondo l'usanza o l'usanza"). Appare tra l'altro. con Johann Spangenberg , Heinrich Faber , Martin Agricola , Lucas Lossius , Adam Gumpelzhaimer e Bartholomäus Gesius , le cui guide di teoria musicale furono utilizzate per l'insegnamento nelle scuole latine fino al XVII secolo , con il canto come argomento principale. Daniel Friderici lo cita come il principio guida tedesco che la musica è l'arte giusta del canto nella sua Musica Figuralis (1619).

XVIII e XIX secolo

Il razionalismo del XVIII secolo può essere visto nella concettualizzazione di Gottfried Wilhelm Leibniz : "Musica est exercitium arithmeticae occultum nescientis se numerare animi" ("La musica è un'arte nascosta dell'aritmetica della mente inconscia").

Alla fine del XVIII secolo, all'inizio del Classico viennese e alla vigilia della Rivoluzione francese , il concetto razionalista di musica sostituì il suo diametralmente opposto: prevaleva una definizione soggettivista , puramente emotiva. Mentre musicisti come compositori e teorici avevano precedentemente fatto la definizione, le definizioni essenziali dal punto di vista dell'artista sono state ora fornite da poeti come Wilhelm Heinse , Novalis , Wilhelm Heinrich Wackenroder e Jean Paul durante la fusione dell'estetica verso l' unità romantica delle arti . L'attenzione si è concentrata sull'esperienza personale e sui sentimenti.

Così diceva Johann Georg Sulzer : "La musica è una sequenza di toni che nascono da sentimenti appassionati e di conseguenza li ritraggono." La frase di Heinrich Christoph Koch "La musica è l'arte di esprimere sensazioni attraverso i toni " è un modello per l'intero secolo . Questo sembrava quasi cambiato da Gottfried Weber ad Arrey von Dommer . L'opinione popolare secondo cui la musica è un "linguaggio delle emozioni", che è ancora popolare ai giorni nostri, è stata ampiamente riconosciuta. Il fondatore della musicologia storica Johann Nikolaus Forkel si esprimeva così, così come i compositori Carl Maria von Weber , Anton Friedrich Justus Thibaut e Richard Wagner . Il concetto di Wagner dell'opera d' arte totale ha modellato l'ulteriore sviluppo.

Durante la transizione da idealismo di irrazionalismo che era evidente che la musica è stata elevata alla metafisica e trascendente. La cosiddetta musica di Johann Gottfried Herder una "rivelazione dell'invisibile" per Friedrich Wilhelm Joseph Schelling non era "nient'altro che il ritmo e l'armonia che aveva sentito dell'universo visibile stesso" .

Echi della visione razionalista sono presenti anche nel pensiero musicale ottocentesco. Già nel 1826, Hans Georg Nägeli aveva definito la musica un "gioco flessibile di toni e file di toni" . Nel 1854, Eduard Hanslick trovò nella scrittura musicale- estetica di base Da musicale-bello alla formula concisa che il contenuto e l'oggetto della musica sono solo "forme sonore" . Prima della polemica sulla musica a programma contro la musica assoluta , si fece portavoce di una festa estetica.

Dal XX secolo

La svolta di Ernst Kurth verso le forze irrazionali della musica era ancora sotto l'influenza del XIX secolo nella sua ultima opera, Romantic Harmonics and its Crisis nel " Tristan " di Wagner (1920): "La musica è l'eiaculazione di processi primordiali molto più potenti le cui forze gira nell'inudibile. Ciò che viene comunemente chiamato musica è in realtà solo il suo dissolversi. La musica è una forza della natura in noi, una dinamica di impulsi volitivi." Nel 1926 , il pensiero musicale di Hans Pfitzner era ancora radicato nello spirito del tardo romanticismo , specialmente nella visione di Schopenhauer: "La musica [è] l'immagine del mondo stesso, cioè della volontà riproducendo le sue emozioni più intime».

Nel pluralismo stilistico dai tempi moderni in poi, non si possono fare affermazioni valide sull'essenza della musica, dal momento che i compositori decidono individualmente le loro opinioni estetiche. Da allora hanno basato la loro definizione di musica sulla propria pratica compositiva. Arnold Schönberg si riferiva nella sua teoria dell'armonia (1913) all'antica idea di un'arte mimetica , ma allo stesso tempo le assegnava lo status di spiritualità più alta ed estrema.

Al contrario, Igor Stravinsky ha categoricamente negato l'espressività della musica. La sua definizione neoclassica si lega alla concezione medievale della musica come principio dell'ordine mondiale.

Le definizioni generali sono state fatte raramente dopo il 1945. Da un lato, fin dall'inizio dell'era moderna, i tentativi di determinazione si sono sempre basati esclusivamente sulla musica d'arte e hanno in gran parte ignorato la musica popolare: musica da ballo e da salotto , operetta e musical , jazz , pop , rock e stili di musica elettronica come techno e industriale, ecc. Continua invece la tendenza verso progetti che alcuni compositori intraprendono solo per se stessi, a volte solo per singole opere . Queste definizioni erano talvolta basate sull'ancoraggio nel trascendentale, ad es. B. Karlheinz Stockhausen , ma a volte anche sotto l'influenza di Happening , Fluxus , Zen e altre idee intellettuali radicali ridefinizioni alla "non-musica" o all'idea di musica del effettivamente immaginabile, come z. B. John Cage ha affermato: "La musica che preferisco, anche alla mia oa quella di chiunque altro, è quella che ascoltiamo se stiamo semplicemente zitti". ("La musica che preferisco, la mia o quella degli altri, è quella che ascoltiamo quando stiamo semplicemente zitti.")

Classificazioni del concetto di musica

Secondo la concezione moderna, il termine musica sta suonando e percepibile il suono . Tuttavia, questo significato è emerso solo in un processo che è durato oltre due millenni e ha prodotto una varietà di classificazioni che riflettono la rispettiva comprensione del mondo al momento della sua creazione.

antichità

Come le prime definizioni, le prime distinzioni tra teoria e pratica ebbero origine nell'antichità . La coppia di termini risale ad Aristosseno nel IV secolo a.C. aC indietro. Plutarco fece un'ulteriore differenziazione delle componenti teoriche con la suddivisione in armonia (come si intende il rapporto tra i toni, la melodia ), ritmo e metrica . Mentre la classificazione di Plutarco era ancora in uso fino al XVI secolo, il confronto con Aristosseno è valido ancora oggi.

Un'ulteriore suddivisione è stata fatta da Aristeides Quintilianus . Introduce l' acustica come teoria del suono nell'area teorica e l'educazione musicale nell'area pratica . Attribuì melodia e ritmo alla pratica musicale, che allo stesso tempo espanse per includere gli insegnamenti della voce umana e degli strumenti musicali .

Medioevo e prima età moderna

Al passaggio all'alto medioevo , Boezio divise la musica in tre parti. La prima è la musica mundana , l' idea , nota fin da Pitagora, di una musica impercettibile, ma concepibile , delle sfere come rapporti numerici cosmologici delle orbite planetarie . La seconda è la musica humana , che agisce come una divina armonia del corpo e dell'anima. La terza è la musica instrumentalis , la musica realmente suonante e udibile - questa a sua volta è suddivisa nell'instrumentum naturale , vale a dire. H. la musica vocale prodotta dallo “strumento naturale” e l' instrumentum artificiale , ovvero la musica strumentale che produce gli “strumenti sonori artificiali”.

Intorno al 630, Isidoro di Siviglia classificò la musica sonora in tre aree in base al tipo di generazione del suono: primo, musica armonica , musica vocale, secondo, musica ritmica , musica degli strumenti a corda e a percussione , terzo, musica organica , musica di strumenti a fiato . Ha dato ai termini armonia e ritmo per la prima volta un secondo significato che è andato oltre Plutarco.

Alla fine dell'VIII secolo, Regino von Prüm riclassificò la musica unendo le sue parti in due aree più grandi. Questa è da un lato la musica naturalis , l'armonia delle sfere e del corpo-anima prodotta dalla creazione di Dio, così come la musica cantata, dall'altro la musica artificialis del generatore di suoni artificiale inventato dall'uomo , cioè. H. di tutti i tipi di strumenti. Nel 9 / 10 Nel XIX secolo, Al-Fārābī unificò la precedente sistematica nella coppia di teoria e pratica; contava solo la visione speculativa della musica come teoria, cioè nel senso più ampio di tutta la filosofia musicale , e pratica tutte le altre aree che si riferiscono alla pratica attiva della musica con le sue basi tecniche. Le classificazioni medievali furono recepite fino al XVII secolo, un'elaborazione di Boëthius anche in seguito, come in Pietro Cerone , Athanasius Kircher o Johann Mattheson .

Oltre alla sistematica principale, sono apparse anche classificazioni nella letteratura dal Medioevo in poi, che ha cercato di organizzare le singole aree della musica secondo altri punti di vista. Sono apparse le seguenti coppie di opposti:

• musica plana o musica choralis (musica monofonica) versus musica mensuralis o musica figuralis (musica polifonica)
• musica recta o musica vera (musica di note diatoniche ) versus musica falsa o musica ficta (musica di note cromatiche )
• musica regulata (musica d'arte) contro musica usualis (tutti i giorni, cioè musica popolare )

Un primo approccio sociologico fu intorno al 1300 la distinzione di Johannes de Grocheo , che divise la musica in tre aree:

• musica simplex vel civilis vel vulgaris pro illitteratis , la "musica semplice, borghese, popolare per ignoranti", d. H. qualsiasi forma di musica profana
• musica composita vel regularis vel canonica pro litteratis , la "musica composta regolarmente e artisticamente per i colti", d. H. la prima polifonia
• musica ecclesiastica , musica sacra, d. H. il canto gregoriano

Dal XVI secolo

Nel XVI secolo apparvero i termini musica reservata e musica poetica , il primo come termine per il nuovo stile di espressione nella musica rinascimentale , il secondo come termine per la composizione . Insieme alle nuove forme musica theoretica e musica pratica , questa si è affermata all'interno di una tripartizione basata su modelli antichi. Allo stesso tempo, segna i primi passi verso una rivalutazione del compositore , che in precedenza era considerato un "compositore" tecnicamente qualificato e che ora sta gradualmente assurgendo a personalità artistica creativa nel tessuto sociale.

I teorici del XVI secolo, in primis Friedrich Wilhelm Marpurg , Jakob Adlung e Jean-Jacques Rousseau , perseguirono inizialmente l'antica distinzione tra teoria e pratica. Divisero la teoria in quattro materie, acustica, canonica (lo studio delle forme e delle proporzioni), grammatica (lo studio degli intervalli ) ed estetica ; hanno diviso la pratica in composizione ed esecuzione, cioè produzione e riproduzione dell'opera d'arte musicale.

Lessicografia e terminologia

Il linguista Kaspar von Stieler introdusse nella lessicografia i termini più comuni della lingua tedesca con il suo dizionario Der Teutschen Sprache Genealogy and Fortwachs (1691) . Parole d'ordine come musica da chiesa , musica da camera e musica da tavolo sono state elencate qui per la prima volta. I diversi composti sulla parola musica di base in relazione alla strumentazione ( musica dell'armonia ) , alla funzione ( musica da film ) o alla tecnologia ( musica seriale ) hanno avuto origine qui. A questo punto è cambiato anche l'uso del linguaggio, che ha sempre significato musica sonora, sensualmente percepibile nella parola base musica e ora si è definitivamente allontanato dal concetto teorico di musica . Come ulteriore contributo alla terminologia , Johann Gottfried Walther elaborò un gran numero di definizioni nel Musicalisches Lexikon (1732), come B. i termini storici musica antica e musica moderna oi termini etnologici musica orientalis e musica occidentalis .

Materiale musicale

Il materiale sorgente della musica sonora sono gli eventi sonori , i. H. Toni ( oscillazioni periodiche ), rumori (oscillazioni non periodiche), in singoli casi rumore (oscillazioni con variazioni di frequenza statisticamente normali ) e bang (aumento di energia impulsivo, non periodico senza carattere di tono). Sono allo stesso tempo la loro base naturale, che sorge senza l'intervento umano, ma possono anche essere creati volontariamente dall'uomo e i loro parametri individuali possono essere modificati.

• La modifica della frequenza fondamentale crea un tono percettibile e distinguibile .
• Secondo le ampiezze della regolazione risultante - cambia la pressione sonora cambia - il volume .
• La durata dell'evento sonoro definisce la durata del suono .
• Cambiamenti nello spettro acustico , ad esempio attraverso modifiche dello spettro delle frequenze o degli armonici o dell'inviluppo , in particolare il loro processo transitorio, determinano l' impressione timbrica .

Nessuno dei parametri deve essere visualizzato indipendentemente dagli altri. Nel controllo consapevole delle singole variabili, si creano toni e suoni , in senso stretto i materiali da cui emergono principi di ordine che possono essere utilizzati per creare qualsiasi struttura spazio-temporale complessa: melodia , ritmo , armonia . Da loro, a loro volta, le opere musicali alla fine emergono in un processo creativo .

Da un lato, il materiale musicale è soggetto a leggi fisiche, come le serie armoniche o rapporti numerici , e dall'altro, a causa del modo in cui viene generato con la voce umana , con strumenti musicali o con generatori di suoni elettrici, ha determinate caratteristiche tonali .

Oltre al materiale acustico ordinato, la musica contiene la seconda componente elementare, l'idea spirituale, che - come forma e contenuto - non sta accanto al materiale, ma forma con esso una forma olistica. Tradizione e storia emergono dal rapporto con la figura spirituale.

Musicologia

Come curriculum, la musicologia comprende quelle discipline accademiche nel contesto umanistico , culturale , sociale e tecnico- scientifico , il cui contenuto è l'esplorazione e la rappresentazione riflessiva della musica nelle sue varie manifestazioni storiche, sociali, etniche o nazionali. Il soggetto della musicologia sono tutte le forme di musica, la sua teoria, la sua produzione e ricezione, le sue funzioni ed effetti così come le sue modalità di apparizione, dal suono materiale di origine musicale alle singole opere complesse.

Dal XX secolo, la musicologia è stata divisa in tre sotto-aree, musicologia storica , musicologia sistematica ed etnologia musicale . Questa struttura non è sempre rigorosamente rispettata. Se da un lato l'etnomusicologia può essere assegnata anche al ramo sistematico, dall'altro le aree pratiche sono indicate come musicologia applicata.

Le aree di ricerca storica in musicologia tendono ad essere idiografiche , cioè descrivono l'oggetto nel cambiamento storico, le aree di ricerca sistematica tendono ad essere nomotetiche , i. H. cercano di fare affermazioni generali indipendenti dallo spazio e dal tempo. Indipendentemente da ciò, i paradigmi scientifici delle due aree non sono da ritenersi assoluti, poiché anche la musicologia storica cerca di riconoscere le leggi nel corso del tempo, mentre la sistematica e l'etnologia tengono conto dei cambiamenti storici nelle loro materie.

La musicologia storica comprende tutte le sottodiscipline della storiografia musicale ed è principalmente dedicata allo sviluppo delle fonti sull'arte europea, la musica popolare e popolare. La musicologia sistematica, d'altra parte, è più fortemente influenzata rispetto al suo ramo parallelo storicamente orientato dalle scienze umane e sociali, dalle scienze naturali e strutturali e utilizza i loro metodi epistemologici ed empirici .

L'etnomusicologia si occupa della musica esistente nei costumi dei i gruppi etnici . Interessanti sono sia le culture musicali dei popoli indigeni , che non hanno scrittura e notazione, sia - da un punto di vista storico - la musica delle culture avanzate e le loro influenze. Importanti temi di ricerca sono i sistemi sonori , i ritmi, gli strumenti, la teoria, i generi e le forme musicali sullo sfondo della religione, dell'arte, della lingua, dell'ordine sociologico ed economico. In vista della migrazione e della globalizzazione , vengono presi in considerazione anche i fenomeni interculturali e transculturali .

Al di là del canone delle discipline musicologiche, la musica è oggetto di ricerca z. B. in matematica e scienze della comunicazione , medicina e neuroscienze , archeologia , letteratura e teatro . Occorre distinguere caso per caso se si tratta di musica come oggetto di ricerca di altre scienze o se la musicologia indaga ambiti non musicali. La musicoterapia occupa una posizione speciale, combinando conoscenze e metodi medici e psicologici con quelli dell'educazione musicale.

La musica come sistema di segni

La musica può anche essere vista come un sistema di segni, tra le altre cose. In questo modo, la musica può comunicare i significati previsti nell'ascolto attivo e comprensivo. L'udito rappresenta un processo di strutturazione in cui l'ascoltatore distingue le qualità segniche iconiche , indicali e simboliche e le elabora cognitivamente . Da un lato, questo si basa sull'esperienza umana di ascoltare e assegnare eventi sonori nelle immagini - ad es. B. Il tuono come evento naturale minaccioso - e per riflettere emotivamente, d'altra parte, sull'appropriazione estetica dell'ambiente acustico. Si va dalla funzionalizzazione di strutture fittili come segnali alla trascendenza simbolica di intere opere .

Musica e lingua

La visione dell'origine della musica dall'origine della lingua o della loro comune origine da un'origine si basa su basi antropologiche culturali . È radicato nelle idee all'inizio delle culture. Riflessi delle prime culture non scritte si possono trovare anche nel presente tra i popoli primitivi , a volte in forma animistica o magica . La formula citata all'inizio del Vangelo di Giovanni "In principio era la parola" ( Gv 1,1  LUT ) descrive uno dei pensieri più antichi dell'umanità, l'origine della parola e del suono da un atto divino della creazione. Avviene in quasi tutte le culture elevate , in Egitto come grido o risata del dio Thoth , nella cultura vedica come suono immateriale e impercettibile del mondo, che è la sostanza originaria che si trasforma gradualmente in materia e diventa il mondo creato. I miti della creazione tracciano spesso la materializzazione del materiale fonetico della parola e del linguaggio.

La sovrapposizione di musica e lingua può essere trovata nelle sotto-aree; entrambi hanno struttura e retorica . Non esiste una sintassi nel senso classico della musica e la semantica di solito proviene solo da elementi linguistici aggiuntivi o può derivare dalla crittografia all'interno della sua forma scritta. Ma quest'ultimo non è necessariamente udibile. La musica non è quindi un linguaggio, ma solo simile al linguaggio.

Una delle principali differenze tra i due è la capacità di esprimere e comunicare contenuti semantici. La musica non può trasmettere denotazioni . È linguaggio solo in senso metaforico , non comunica nulla di designato . Piuttosto, è un gioco con i toni (e file di toni). Per "comprendere" la musica esteticamente, l'ascoltatore deve comprendere i processi interni di definizione musicale che organizzano la musica come sistema, ad es. B. riconoscere dissonanze che necessitano di risoluzione a seconda di un contesto tonale . Ovunque vi sia una somiglianza linguistica, come nella musica basata sulla retorica regolare nel senso delle arti liberali nel Medioevo e nel Barocco , l'ascoltatore può sostanzialmente ascoltare la stessa musica della musica senza comprensione o conoscenza delle regole e senza conoscenza di un contesto simbolico. Il pensiero musicale e il pensiero poetico sono autonomi.

Differenze strutturali

Inoltre, non esiste un ordine sintattico supportato semanticamente nella musica. Non esistono collegamenti logici né "affermazioni" vere o false in base alle quali formulare un giudizio estetico sul loro significato. Le affermazioni logiche possono sempre essere fatte sotto forma di linguaggio, mentre le "affermazioni" musicali possono essere fatte all'interno della musica solo attraverso la musica. Così realizzato z. Ad esempio, una progressione di accordi che termina con un errore non ha significato extra-musicale, ma acquisisce il suo significato solo all'interno della sintassi musicale all'interno della quale stabilisce relazioni.

I sistemi segnici del linguaggio e della musica sono quindi fondamentalmente diversi. Mentre il linguaggio dice , la musica mostra che elabora le impressioni sensoriali in idee , che a sua volta presenta all'esperienza sensuale. Mentre la lingua, i.a. Con l'ausilio delle definizioni, mirando alla chiarezza , le arti perseguono lo scopo opposto: non i significati materiali, ma i potenziali valori umani sono il campo semantico dell'arte, che si estende a tutte le connotazioni possibili . Quindi, per comprenderla esteticamente, la musica ha bisogno di un'interpretazione.

La musica è spesso intesa come il “linguaggio dei sentimenti”. È in grado di descrivere emozioni, affetti e stati motivazionali e di renderli accessibili all'ascoltatore attraverso schemi espressivi. Tuttavia, anche questi non sono segni linguistici, poiché alla fine appaiono come un continuum in uno "spazio emotivo", a seconda della loro base psicofisiologica . H. si verificano non solo come qualità emotive diverse, ma anche nelle interazioni e negli stati e nei processi ambivalenti . Il gesto della loro espressione non è una struttura logica senza espansione - come è presente nella coppia di concetti del significante e del significato - ma di natura temporale. Può essere strutturato in termini di tempo, ma anche attraverso emozioni sovrapposte, ad es. B. nel continuum emotivo "gioia + tristezza → rabbia". Una ripresa può già avere dolore o viceversa. Il principio di base che fa delle forme gestuali il significato dei segni musicali è una codificazione analoga che utilizza segni indicali o iconici per l'espressione - non corrispondono a un singolo contenuto cognitivo, ma a una classe di correlati cognitivi . Ciò si riscontra anche nel caso di più arrangiamenti di uno stesso testo, che vengono percepiti come diversamente appropriati, così come, per converso, la stessa musica può essere collocata sotto più testi, ciascuno dei quali appare più o meno adatto.

Icona e indice

In linea di principio, l' icona e l' indice delle relazioni di riferimento possono essere trasferiti alla musica. Tuttavia, non sempre possono essere classificati . Lo stesso segno, il richiamo del cuculo , compare come terzo o quarto cadente , nel contesto musicale con significati diversi: iconico come immagine acustica nella canzone popolare Cuculo, Cuculo, richiami del bosco , indicalmente come espressione dell'esperienza di la natura alla fine della scena al ruscello dalla 6a sinfonia di Ludwig van Beethoven , infine simbolica per tutta la natura all'inizio del primo movimento della 1a sinfonia di Gustav Mahler .

Le forme più evidenti di uso del segno indicale sono le caratteristiche prosodiche , l'intonazione o la colorazione della voce utilizzata nel canto stesso. Questo include anche stilizzazioni come il "sospiro" della scuola di Mannheim , una figura di argilla da un piccolo secondo cadente , che appare molto spesso nell'opera di Wolfgang Amadeus Mozart ed era già considerato un segno di dolore (emotivo) nella dottrina barocca dell'affetto .

Segni iconici si trovano soprattutto nella musica descrittiva, nella musica a programma così come nella musica da film . Quest'ultimo utilizza principalmente il processo noto come Topolino per imitare in modo sincrono i personaggi visivi del film. Ci sono anche esempi dell'uso iconico dei segni nella dottrina dell'affetto, ad es. B. nella relazione parola-tono , secondo cui i toni alti o bassi stavano per "paradiso" e "inferno".

simbolo

L'area più ampia dell'uso dei simboli è nel simbolico . Non è più una questione di immagini, ma piuttosto una rappresentazione di simboli basata sulla convenzione . Non ha significato semioticamente, ma veicola un contenuto per lo più extra-musicale. Questo può valere per tutti gli elementi della musica: alla tonalità di do maggiore , che nella scena 1 del secondo atto dell'opera Wozzeck di Alban Berg esprime la banalità del denaro, a un intervallo come il tritono , che si chiama “Diabolus in Musica “Sta per male fin dal Medioevo, sul singolo tono d', che nell'opera per deus di Bernd Alois Zimmermann , d. H. Dio sta, o un ritmo che incarna il destino nel movimento finale della sesta sinfonia di Mahler . L'ascolto senza previa conoscenza del contenuto simbolico non è possibile. Intere opere musicali come inni nazionali , nazionali e aziendali hanno anche un contenuto simbolico.

In singoli casi, il contenuto simbolico viene utilizzato come cifra , ad es. B. come sequenza di toni BACH , che è stata usata musicalmente dallo stesso Johann Sebastian Bach e da molti altri compositori, o nel segno del nome di Dmitri Shostakovich D-Es-CH , che il compositore ha usato tematicamente in molte delle sue opere.

Un fenomeno marginale manierista del simbolismo è la musica degli occhi , che trasporta il contenuto simbolico della musica non attraverso il suo suono, ma attraverso la notazione , in cui viene visualizzata la qualità musicale dei simboli in modo che vengano rivelati solo al lettore di uno spartito .

segnale

I segnali sono un caso particolare nell'area di confine tra musica e comunicazione acustica. Sono generalmente utilizzati per trasmettere un'informazione e attivare un'azione desiderata. La qualità del loro disegno deve attirare l'attenzione, ad esempio attraverso un volume alto o alte frequenze . Se devono trasmettere informazioni precise su un'azione definita in modo vincolante, devono essere chiaramente distinguibili. In senso più stretto (musicale), questo vale soprattutto per i segnali militari e di caccia . Tuttavia, le semantizzazioni si possono trovare anche in quest'area. Il segnale di caccia volpe morta, ad esempio, che fornisce informazioni alla battuta di caccia, è composto da immagini musicali. Una descrizione iconica del salto della volpe e del colpo fatale è seguita da un lamento stilizzato per i morti e dal simbolico halali . Il segnale inizia con un triplo squillo di inizio che il segno della croce suggerisce. Il verso seguente viene suonato due volte per la morte di una donna e tre volte per la morte di un uomo. La ripetizione dell'inizio segna la fine del messaggio. Altre forme di segnale acustico come bolle di torre o campane utilizzano anche semplici disegni ritmici o melodici. In un senso più ampio, questa qualità del carattere si verifica anche con trombe o suonerie sequenziali .

Processo di disegno

In un'universalità metafisica come formulata da Charles S. Peirce per il processo della semiosi , vale a dire. H. per l'interazione di segno, oggetto e interprete , i segni musicali possono appartenere a diversi modi di essere . Nel quadro ontologico o fenomenologico , sono o appaiono in diverse categorie analoghe a una deduzione trascendentale : come essere, iconico o indicale come portatore di una funzione o in una dimensione relativa all'essere umano, come simbolo al di là della dimensione umana, finalmente come trascendente.

cosa in sé	Essere e funzione	Essere e significato	Significato senza essere
4° come armonico	Quarte temperate al pianoforte	Quarts come cifra tonale (ad es. come monogramma a – d per " Antonín Dvořák " nella sua sesta sinfonia)	Quarte nell'armonia delle sfere
Il canto degli uccelli in natura	Imitato il canto degli uccelli come esca	Il canto degli uccelli come simbolo della natura, ad es. B. nella sesta sinfonia di Beethoven	Il canto degli uccelli nel giorno del giudizio come segno di riconciliazione (nella seconda sinfonia di Mahler )

Non tutte le apparenze o strutture dell'arte raggiungono il livello della trascendenza; è solo l'ultimo stadio concepibile verso il quale tende il processo di semiosi. La categorizzazione non deve mai essere vista staticamente, i segni possono essere usati in un contesto musicale, ad es. H. cambiano anche la loro qualità nel corso del tempo o danno loro una funzionalità diversa. Ad esempio, all'inizio del movimento finale della 1a Sinfonia di Beethoven, l'ascoltatore riprende una figura di tono asemantico che inizia sempre sulla stessa nota tonale e aumenta con ogni nuova entrata; la “scala”, che inizialmente non è determinata nella sua tonalità, potendo avere sia il riferimento tonico che quello dominante , viene funzionalizzata con l'insorgenza del tempo principale più veloce come componente motivica del primo tema . Tuttavia, l'ascoltatore può eseguire questa assegnazione solo in modo retrospettivo dall'impressione uditiva, in modo che elabori cognitivamente il processo semiotico solo dal contesto di un'unità più ampia.

Musica e arti visive

Sebbene apparentemente la musica come pura arte contemporanea e transitoria, i. H. In contrasto con le arti spaziali statiche e permanenti, la pittura , la scultura , il disegno , la grafica e l' architettura appaiono temporaneamente , poiché sono modellate dalle loro idee spaziali e non temporali e le hanno anche influenzate con le loro percezioni di temporalità e proporzione. Termini come “spazio tonale”, “ colore tono ” o “tonalità”, toni “alto/basso” e suoni “chiaro/scuro” e simili espressioni sinestetiche , l'ambiguità della “composizione” nel pensiero musicale e in quello visivo le arti fanno parte dell'onnipresente vocabolario descrittivo. L'esperienza che un effetto acustico come il riverbero o l' eco si verifica solo in connessione con la stanza fa parte del possesso primordiale degli esseri umani. Fin dalle prime concezioni teoriche sono stati individuati parallelismi tra forme d'arte acustiche e spaziali-visive.

Per quanto riguarda le epoche storiche dell'arte, esistono somiglianze tra la musica e le arti visive, ad esempio in connessione con il periodo barocco . Poiché non è possibile effettuare una chiara delimitazione delle epoche, vengono utilizzati i termini teoria della forma (musica) e stile artistico .

Musica e architettura

L'idea del rapporto tra musica e architettura esiste fin dall'antichità . Si basa sui comuni principi matematici . I pitagorici intesero le proporzioni dell'intervallo come espressione di un'armonia cosmica . Secondo il loro punto di vista, la musica era un modo di armonia numerica che produce anche intervalli consonanti in corde vibranti se le loro lunghezze sono in semplici rapporti interi. Le proporzioni dei numeri erano considerate espressione di bellezza fino alla prima età moderna , così come le arti che utilizzano i numeri, le misure e le proporzioni erano ritenute idonee a creare cose belle nell'antichità e nel Medioevo . L' opera di teoria architettonica di Vitruvio De architectura libri decem faceva esplicito riferimento alla teoria musicale antica , che descrisse come la base per comprendere l'architettura.

L'architettura medievale riprende idee antiche in senso cristiano. Il gotico mostrava spesso proporzioni di intervallo nelle dimensioni principali degli edifici ecclesiastici. Il tempio di Salomone era esemplare , per la sua forma, tra l'altro. Pietro vide Abelardo come una consonante. Anche fenomeni matematici complessi come il rapporto aureo e la sequenza di Fibonacci furono interpretati in modo cristiano. Appaiono ugualmente nel disegno della cupola di Filippo Brunelleschi di Santa Maria del Fiore e nel mottetto Nuper rosarum flores di Guillaume Dufay (1436). L'opera per la consacrazione del Duomo di Firenze mostra le stesse proporzioni numeriche nella progressione vocale e nella struttura dell'opera che avevano determinato l'architettura della cupola.

Il teorico Leon Battista Alberti definì una dottrina dell'architettura rinascimentale sulla base della teoria vitruviana delle proporzioni. Ha sviluppato proporzioni ideali per le dimensioni e le altezze delle stanze, le suddivisioni delle aree e le altezze delle stanze. I Quattro libri dell'architettura di Andrea Palladio (1570) sistematizzarono questa teoria della proporzione sulla base delle terze , che furono inizialmente riconosciute come intervalli consonanti in Le istituzioni armoniche di Gioseffo Zarlino (1558). Ciò ha determinato un cambiamento nell'armonia che è continuato fino ai giorni nostri .

Sotto l'influenza dell'estetica musicale moderna , il riferimento numerico musicale è gradualmente svanito in secondo piano nella teoria dell'architettura. Prevaleva il giudizio di gusto come criterio di valutazione estetica. Solo nel XX secolo le proporzioni numeriche, come parametri architettonici e musicali, hanno ripreso il rango di elementi costruttivi. In campo architettonico, questo era il sistema Modulor di Le Corbusier . Il suo allievo Iannis Xenakis sviluppò l'idea architettonica in New Music nella composizione Métastasis (1953/54) . Ha poi implementato architettonicamente il progetto compositivo nella progettazione del Padiglione Philips all'Expo 58 di Bruxelles .

Forme d'arte sintetiche

Tra le forme d'arte sintetiche emerse dopo la fine del principio universalmente valido dell'armonia, il concetto di Gesamtkunstwerk di Richard Wagner divenne importante per il XIX secolo. L'architettura ha assunto una posizione di servizio nella realizzazione dell'idea musicale. Aveva l'ambiente spaziale pratico per l'unità delle arti, ad es. H. del dramma musicale . Wagner realizzò le sue pretese nel teatro del festival costruito da Otto Brückwald a Bayreuth .

L' espressionismo ha preso l'inizio del 20 ° secolo sulla sintesi dell'arte. La visione centrale di consentire alle persone di superare i confini sociali ha portato a molti progetti artistici, alcuni dei quali non sono mai stati realizzati. Ciò includeva lo sferico "Tempio" per il mistero di Alexander Nikolayevich Scriabin (1914), un'opera di rivelazione composta da parola, suono, colore, movimento e fragranza.

I movimenti artistici della seconda metà del XX secolo hanno integrato elementi musicali in forme multimediali , nelle "sculture sonore" e nelle "architetture sonore". L'architettura riceveva sempre più una componente temporale, la musica una componente spaziale. Karlheinz Stockhausen ha unito le sue idee di musica spaziale in un auditorium da ballo che ha installato all'Expo '70 di Osaka . Gli ascoltatori si sono seduti su un pavimento permeabile al suono, circondati da musica elettronica . Gli altoparlanti distribuiti nella stanza hanno permesso di spostare i suoni nella stanza.

Architettura e acustica ambientale

Il San Marco è stata una delle prime sale sperimentali per la musica. I compositori hanno studiato l'effetto spaziale di diversi corpi sonori e ne hanno implementato i risultati in nuove composizioni.

Il vecchio Gewandhaus di Lipsia consisteva in un solo piano superiore. Tuttavia, ha sperimentato la fiorente cultura orchestrale del romanticismo tedesco dal 1781 al 1884.

Il multicoro sviluppatosi nel XVI secolo , coltivato tra i centri musicali europei soprattutto presso la Basilica veneziana di San Marco , utilizzava l'effetto di più complessi presenti nella sala. Musica da camera e musica da chiesa separate per strumentazione , regole di composizione e stile di presentazione. Si sono adattati all'acustica dei loro luoghi di esibizione. A tal fine, l'architettura ha sviluppato le proprie tipologie di stanze dedicate alla musica e ha creato condizioni acusticamente vantaggiose per la sua esecuzione. Le prime camere furono costruite nei palazzi principeschi, poi nei castelli e negli appartamenti cittadini. Anche questo ha cambiato il comportamento di ascolto: la musica veniva ascoltata fine a se stessa, libera da vincoli funzionali e per pura fruizione dell'arte.

Il sistema dei concerti pubblici sorse a Londra verso la fine del XVII secolo . Gli eventi musicali non si svolgevano più solo nelle sale da ballo, nelle taverne o nelle chiese, ma in sale da concerto appositamente costruite . Sebbene all'epoca le sale ospitassero solo poche centinaia di ascoltatori, non avessero posti a sedere fissi e fossero utilizzate per tutti i tipi di occasioni festive oltre alla musica, avevano già un'acustica della stanza notevolmente migliorata , in cui la musica orchestrale prendeva il sopravvento. Il primo edificio del Gewandhaus di Lipsia (1781) fu esemplare . Dopo la sua progettazione come una sala stretta e lunga con un palco e un parquet livellato , nel XIX secolo furono costruite molte altre sale che la borghesia culturalmente interessata utilizzò come luoghi di cura della musica.

In particolare, le opere sinfoniche di musica romantica con la loro orchestra allargata hanno beneficiato delle sale da concerto. L'acustica di queste sale combinava la ricchezza del suono con la trasparenza ; il design stretto ha portato a una forte riflessione del suono laterale, l'ampio volume della stanza in relazione all'area interna ha ottimizzato il tempo di riverbero a un livello ideale da uno e mezzo a due secondi. Le dimensioni delle sale - che ora ospitano circa 1.500 ascoltatori - derivano dal fatto che i concerti in abbonamento si sono affermati come parte della vita culturale della città. Il più importante sale da concerto di questa epoca sono la Grande Sala del Wiener Musikverein (1870), il nuovo Gewandhaus di Lipsia (1884) e l' Amsterdam Concertgebouw (1888).

Nuove possibilità tecniche e la necessità di utilizzare in modo coerente le sale hanno cambiato economicamente l'architettura dell'età moderna. Balconi a sbalzo , sale dal design artistico a forma asimmetrica oa imbuto e una capienza fino a 2.500 posti hanno caratterizzato le sale da concerto nel XX secolo. La Philharmonie di Berlino e la Royal Festival Hall di Londra furono due importanti rappresentanti di nuove tipologie edilizie. Quest'ultima è stata la prima sala da concerto ad essere costruita secondo calcoli acustici. Dagli anni '60 c'è stata una tendenza verso la costruzione di sale con un'acustica variabile adatte a diversi tipi di musica.

Musica e arti visive

Le molteplici relazioni tra la musica e le arti visive sono passate storicamente attraverso la considerazione teorica di entrambe le arti e attraverso il lavoro pratico, che si rifletteva in influenze reciproche. Artisti visivi e compositori includevano sempre più altre opere d'arte nel loro lavoro, formavano gruppi di lavoro relativi a progetti o creavano insieme opere multimediali. Numerose opere di pittura hanno trovato la loro strada nella musica: Battaglia degli Unni (Liszt) , Quadri di una mostra , L'isola dei morti . Questa immagine di Arnold Böcklin ha ispirato Max Reger , Sergei Wassiljewitsch Rachmaninow e altri compositori a scrivere poesie sinfoniche . Ciò contrasta con i ritratti di compositori e innumerevoli immagini di genere di musicisti, che servono anche come materiale di ricerca per l' iconografia .

Non sempre si possono individuare sviluppi paralleli. Solo parti della storia dello stile hanno trovato un equivalente nella parte opposta. Termini storici dell'arte come simbolismo , impressionismo o art nouveau non possono essere né chiaramente distinti l'uno dall'altro né facilmente trasferiti alla musica. Se, ad esempio, si fa un confronto tra le figure pittoriche di Claude Monet e la musica “ impressionistica ” di Claude Debussy e si spiega con il dissolversi della forma o la rappresentazione dell'atmosfera, ciò è in contraddizione con l'estetica di Debussy. Allo stesso modo, fenomeni paralleli come la Nuova Oggettività non possono essere spiegati unidimensionalmente, ma solo dalle loro rispettive tendenze; mentre era una demarcazione per l' Espressionismo nell'arte e nella letteratura , si rivolse contro il Romanticismo nella musica .

Antico e Medioevo

L'antico rapporto tra le arti separava nettamente le pretese metafisiche della musica e delle arti visive. La duplice forma di μουσική - da una parte l'arte, dall'altra la preoccupazione intellettuale per essa - è stata valutata come un bene etico ed educativo. La pittura, invece, era considerata cattiva e produceva solo male, come spiega la Politeia di Platone , poiché è solo un'arte di imitazione . La differenza, che non va affatto intesa esteticamente, si basava sulla dottrina pitagorica , che intendeva la musica come un riflesso dell'armonia cosmica sotto forma di proporzioni di intervallo . Così la pittura non trovò posto nelle Artes Liberales .

Questa visione persistette nella tarda antichità. L' iconoclastia bizantina fu il rifiuto più violento dell'arte, politicamente e religiosamente motivato, che, tuttavia, non influenzò la musica: come simbolo rimodellato dell'ordine divino mondiale di misura e numero, trovò la sua strada nel culto cristiano e nella liturgia . Il Medioevo ha codificato questa separazione e ha aggiunto le arti visive al canone delle Artes meccaniche .

Dal Rinascimento all'Illuminismo

L' Uomo Vitruviano di Leonardo ha ridefinito la proporzione delle arti. La pittura non era più l'arte principale del Rinascimento; non più il cosmico , ma le proporzioni del corpo erano il quadro di riferimento. L'elevazione della pittura alle belle arti iniziò nel Rinascimento con riferimento al lavoro creativo degli artisti visivi. Sebbene continuasse ad essere posto sotto la musica, che nella teoria dell'arte di Leon Battista Alberti diventa un modello per l'architettura, d'altra parte già si poneva al di sopra della poesia . Leonardo da Vinci intraprese la prima scientificazione della pittura , per la quale superò la musica, poiché le sue opere possono essere vissute in modo permanente in modo sensuale mentre la musica svanisce. Questo processo è iniziato sullo sfondo dell'umanesimo secolare , che non ha dato all'arte un significato né politico né religioso.

L' età dell'Illuminismo pose infine al centro l'essere umano come soggetto che osserva e sente. Da questo posizionamento dell'arte autonoma sulla scienza si è sviluppata la comprensione dell'arte, che ha prevalso fino ai giorni nostri. Di conseguenza, le arti svilupparono ciascuna le proprie teorie estetiche.

XVIII e XIX secolo

Dal momento che di Alexander Gottlieb Baumgarten Aesthetica (1750-1758), l'arte stessa è spostato più vicino alla filosofia o è visto come una disciplina filosofica separata. La musica perse così la sua posizione speciale all'interno delle arti e fu incorporata nelle belle arti, che ridefinirono la loro gerarchia attraverso la propria estetica. Anche la Critica del giudizio (1790) di Immanuel Kant lo include nelle arti piacevoli; H. Come arte è ora superiore alla pittura, ma come arte piacevole è subordinata ad essa, perché significa più godimento che cultura.

Un cambiamento fondamentale si è verificato nell'estetica romantica , che ha cercato di fondere le arti e gli ideali dell'arte. Ciò diventa evidente nella parallelizzazione delle vedute artistiche di Robert Schumann .

Nel ricorso di Arthur Schopenhauer all'antichità, tuttavia, la musica rappresentava l'unicità ; Ne Il mondo come volontà e idea (1819) ne nega le proprietà mimetiche.

Teorie dell'arte nel XIX e XX secolo

Alla fine del XIX secolo, la storia dell'arte e la musicologia furono istituite nelle facoltà umanistiche . La musica è stata quindi separata anche dalle arti visive e dall'architettura nella sua visione accademica.

La pittura, la musica e la letteratura simboliste e impressioniste e l'inizio dell'astrazione hanno cambiato il rapporto attraverso una crescente riflessione degli artisti sulle arti vicine, che includevano anche aspetti del proprio lavoro. Paul Gauguin è stato influenzato da una comprensione romantica della musica :

Henri Matisse ha descritto il suo processo creativo come musicale. Con l'opera About the Spiritual in Art (1912) Wassily Kandinsky ha riscattato la critica di Goethe secondo cui la pittura “(...) è mancata da tempo la conoscenza del basso profondo (...) [e] una teoria consolidata e approvata di come sia il caso in musica” . Lo interpretò come un'espressione profetica che annunciava una parentela tra le arti, in particolare la musica e la pittura. Questo vuole essere un richiamo al principio cosmologico così come appariva ai pitagorici per il fondamento metafisico della musica, e al tempo stesso come la sua estensione alle arti visive. Paul Klee ha convenuto nelle sue lezioni Bauhaus che ha usato la terminologia musicale per spiegare le arti visive. Successivamente disegna una poetica dell'arte basata su questioni di teoria musicale.

Il rapporto tra musica e arti visive dopo il 1945 è nato da approcci teorici estetici. Il focus era su una classificazione sistematica delle due arti. Dal suo punto di vista, Theodor W. Adorno li ha necessariamente separati in musica come arte temporale e pittura come arte spaziale. Vedeva l'attraversamento dei confini come una tendenza negativa.

Riconobbe che le arti sono sistemi di segni e hanno lo stesso contenuto che consentono all'arte di trasmettere. Tuttavia, pensava che le differenze fossero più importanti delle somiglianze. Per Nelson Goodman , i problemi della differenziazione dell'arte si presentavano come epistemologici , tanto da voler mettere una teoria simbolica al posto di una teoria estetica in generale . Come confine dell'estetica al non estetico ha guardato alla differenza di esemplificazione e denotazione : sia durante le arti visive autografiche perché le loro opere dopo il processo creativo sono (che è anche originale e falso differiscono) sia la musica in due fasi allographisch perché le loro opere elencate richiedono una prima esecuzione - sebbene questa distinzione si estenda solo all'art.

Musicalità

La musicalità comprende un campo di caratteristiche di talenti reciprocamente dipendenti e abilità apprendibili. Esistono modelli di test per misurare la musicalità. il test Seashore viene utilizzato come parte degli esami di ammissione. Fondamentalmente, la musicalità è universalmente presente in ogni persona .

La percezione correlata alla musica include il riconoscimento e la differenziazione di altezze, durate dei toni e livelli di volume. Il tono perfetto arriva alle prestazioni della memoria a lungo termine è di particolare importanza. Queste abilità includono anche afferrare e ricordare melodie , ritmi , accordi o timbri . Con la crescente esperienza nel trattare con la musica, si sviluppa la capacità di classificare la musica stilisticamente e di valutarla esteticamente . La musicalità pratica include le capacità produttive di padroneggiare tecnicamente la voce o uno strumento musicale e usarli per creare opere musicali artisticamente.

Una disposizione musicale è un prerequisito affinché la musicalità si sviluppi in misura adeguata. Tuttavia, non è la causa di ciò, così che un sostegno intensivo - ad esempio nei licei musicali o attraverso il sostegno ai talenti - può solo sviluppare la piena espressione della musicalità.

Aspetti estetici

Con la crescente complessità delle sue manifestazioni, la musica emerge come una forma d'arte che sviluppa una propria prospettiva ed estetica . Nel corso della storia - in Europa fin dal tardo medioevo al confine con il Rinascimento - emerge l' opera individuale del singolo compositore , che è ormai considerata nella storia della musica nella sua collocazione temporale e sociale. Da allora, l'opera d'arte musicale è stata considerata come la volontà di espressione del suo creatore, che si richiama così alla tradizione musicale. Le sue intenzioni sono registrate in notazione e in alcuni casi commenti aggiuntivi che i musicisti usano come suggerimenti per l'interpretazione. Questo può seguire l'intento del compositore, deve non; Può portare i suoi suggerimenti e ignorare l'intenzione e la funzione dell'opera - questo accade, ad esempio, quando si utilizzano opere sinfoniche come musica per balletto o quando si esegue musica da film in un concerto .

La musica non pretende sempre di essere arte. La musica popolare di tutte le etnie nella storia porta a malapena quell'elemento unico e inconfondibile che in realtà definisce un'opera d'arte; inoltre non ha forme fisse, ma solo manifestazioni di modelli e cambiamenti attraverso la tradizione orale, Umsingen o Zersingen, simili al canto dei bambini , alle melodie nel tempo. Anche con l' improvvisazione non c'è una forma fissa, è unica, non si ripete mai esattamente e difficilmente può essere scritta. Tuttavia fa parte di opere musicali in jazz e cadenza solistica , in aleatorio è frutto di un'intenzione progettuale “aperta”, nei modelli indiani raga e tala così come nel maqamāt della musica classica araba una musica d'arte determinata da rigorosi regole, che nella loro intera espansione temporale e struttura interna non sono fisse, ma spettano al musicista e al suo intuito o virtuosismo . Nel 21° secolo, il termine composizione spontanea è sempre più utilizzato per forme di improvvisazione .

Ascoltare e comprendere la musica è un processo estetico - semiotico a più stadi . L'ascoltatore coglie gli stimoli fisici e stabilisce le relazioni tra le loro qualità individuali come altezza, durata, ecc., per poi riconoscere motivi e temi come più piccoli, periodo e frase come ordini più grandi e infine cogliere forme e generi . Inoltre, il senso e il significato della musica possono essere derivati ​​dalla sua struttura di segni , che ha caratteristiche simili al linguaggio senza che la musica sia un linguaggio. Questa comprensione epistemologica o cognitiva richiede da un lato la previa conoscenza dell'ascoltatore, che deve aver già affrontato le condizioni compositive, storiche e sociali dell'opera, dall'altro dipende dall'atteggiamento intenzionale nei confronti dell'opera musicale. Inoltre, l'udito è un'esperienza sensuale che crea una svolta soggettiva ed emotiva verso la musica, e quindi un processo attivo nel suo complesso.

Aree di applicazione ed effetto

Aspetti sociali e psicosociali

Gli studi dimostrano che la musica può promuovere l'empatia e la comprensione sociale e culturale tra gli ascoltatori. Inoltre, i rituali musicali nelle famiglie e nei gruppi di coetanei aumentano la coesione sociale tra i partecipanti.

Secondo le attuali conoscenze, i modi in cui la musica sviluppa questo effetto includono anche la simultaneità (sincronicità) della reazione alla musica così come gli effetti di imitazione. Anche i bambini piccoli sviluppano comportamenti più prosociali nei confronti delle persone che si muovono in sincronia con loro.

→ Vedi anche: Psicologia della musica

Educazione musicale

La pedagogia musicale è una disciplina scientifica strettamente correlata ad altre aree pedagogiche , che comprende gli aspetti teorici e pratici dell'educazione , dell'educazione e della socializzazione legati alla musica. Da un lato, riprende le conoscenze e i metodi della pedagogia generale , della ricerca giovanile e della psicologia dello sviluppo, nonché diverse sotto-aree musicologiche e, dall'altro, la pratica del fare musica e della pratica musicale. I suoi obiettivi sono l' acculturazione musicale e l'uso riflessivo della musica nel senso di un'educazione estetica .

Le idee di base della musica scolastica sono venute dal movimento musicale giovanile , il cui più forte sostenitore Fritz Jöde ha promosso soprattutto il canto comune di canzoni popolari e ha messo la pratica della musica prima di considerare la musica. Questo è successo dopo il 1950 tra l'altro. nella critica di Theodor W. Adorno , che vedeva non sufficientemente presi in considerazione il condizionamento sociale dell'opera d'arte e la sua funzione critica.

Come risultato delle critiche, le lezioni di musica si sono aperte in molte direzioni, tra le altre. per le idee dell'Illuminismo negli scritti del pedagogo Hartmut von Hentig . Idee come la creatività e le pari opportunità sono diventate altrettanto importanti quanto una consapevolezza critica del comportamento emancipato in un ambiente sempre più sovraccarico acustico. Da allora anche la musica popolare e la musica al di fuori dell'area culturale europea hanno svolto un ruolo. Nuove correnti al di fuori dell'istruzione scolastica sono l'educazione musicale per adulti e la geragogia musicale per gli anziani.

Musico-terapia

La musicoterapia utilizza la musica in modo mirato maniera come parte di una relazione terapeutica al fine di ristabilire, mantenere e promuovere mentale, fisico e mentale la salute . È strettamente legato alla medicina , alle scienze sociali , alla pedagogia , alla psicologia e alla musicologia . I metodi seguono le diverse direzioni (psico)terapeutiche quali approfondimenti psicologici , comportamentali , sistemici , antroposofici e olistico-umanistici .

L'uso della musica per scopi terapeutici è stato storicamente soggetto al cambiamento delle idee sul concetto di musica, come le rispettive idee sulla salute, la malattia e la guarigione. Il potere protettivo e magico della musica era già di grande importanza tra i popoli primitivi . È menzionato nel Tanach nella guarigione di Saul attraverso il gioco di Davide sul kinnor ( 1 Sam 16,14 ss.  LUT ) e nell'antica Grecia come Kathartik , cioè H. Purificazione dell'anima. Si può fare una distinzione tra l'assunzione di meccanismi d'azione magici-mitici, biologici e psicologici-culturali. Occorre tener conto in ogni caso che i metodi non sono facilmente applicabili al di fuori del rispettivo contesto storico-culturale.

Gli attuali ambiti di applicazione della musicoterapia sono in parte in ambito clinico, quali psichiatria , psicosomatica , neurologia , neonatologia , oncologia , cura delle dipendenze e nei vari ambiti della riabilitazione . Aree di lavoro si possono trovare anche in ambiti non clinici come l' educazione curativa , nelle scuole , nelle scuole di musica , negli istituti per anziani e disabili e nel sostegno alla prima infanzia . La musicoterapia si svolge in tutte le fasce d'età.

Per esercitare la professione di musicoterapeuta è necessaria la laurea in un corso di studi riconosciuto che viene insegnato nelle università statali di numerosi paesi .

Media, tecnologia e affari

I media catturano la musica che sta svanendo, la rendono disponibile al mondo e ai posteri e consentono in primo luogo alla musica di emergere. In quanto appunti di un'opera d'arte, sono oggetto di ricerca storica oltre che di giudizio di valore. C'è un'interazione tra i media da un lato e il processo di esecuzione e composizione, nonché la percezione della musica dall'altro; Lo stesso vale per la tecnologia che viene utilizzata per la produzione e la riproduzione e, a sua volta, influenza la tecnica di esecuzione degli strumenti musicali. La produzione, il marketing e la distribuzione di media musicali sono stati l'obiettivo aziendale di un intero settore sin dall'inizio dell'industria della stampa, che opera a livello globale come industria musicale dal 20 ° secolo e ha un'offerta che non è più gestibile.

notazione

Se la musica non viene trasmessa oralmente, come nel caso della musica popolare, può essere registrata in sistemi di segni che servono alla rappresentazione visiva e alla chiarificazione delle idee musicali: le notazioni. Una notazione collega tempo e spazio, può essere memorizzata e riprodotta, duplicata e distribuita. Serve quindi a fornire approfondimenti sul processo creativo di un'opera e a comprenderne le strutture musicali. Allo stesso tempo, crea uno dei prerequisiti per comporre e realizzare l'idea della composizione, poiché l'idea musicale è registrata nella notazione. A seconda della sua codifica - lettere, numeri, caratteri grafici discreti o non discreti - una forma di notazione è in grado di memorizzare informazioni con vari gradi di accuratezza. Viene qui fatta una distinzione tra scritti di risultato, che rendono disponibile un contesto esistente, e scritti concettuali, che registrano contesti di nuova invenzione. Gli script di azione che preparano il testo musicale per la tecnica di esecuzione di un particolare strumento musicale includono z. B. Intavolature per musica d' organo o per liuto . La notazione in uso oggi contiene ancora elementi isolati del copione della campagna. La notazione non può mai catturare completamente un'opera nei suoi parametri , in modo che ci sia sempre spazio di manovra nell'esecuzione e nell'interpretazione; la prassi esecutiva storica ha cercato, sulla base delle fonti, di rendere possibile l'esecuzione fedelmente ai sensi del compositore e delle sue concezioni estetiche.

Le prime notazioni sono note dall'antico Egitto e dall'antica Grecia . I neumi usati nel canto bizantino e gregoriano erano in grado di registrare i movimenti melodici della musica cristiana monofonica. Cominciarono a svilupparsi intorno all'VIII secolo. I primi neumi, tuttavia, richiedevano ancora la conoscenza della melodia e dell'ordine ritmico , erano pura scrittura di risultato. Intorno all'anno 1025, Guido von Arezzo introdusse innovazioni che sono ancora valide oggi nella notazione moderna: i righi di terze parti e le chiavi .

Nel XIII secolo la musica polifonica richiedeva una definizione più precisa della durata delle note. La notazione modale assegnava valori fissi per la durata alle singole note, la notazione mensurale disponeva le proporzioni delle durate dei toni sullo sfondo del sistema di clock simultaneo . Ciò significava che le durate dei toni potevano essere rappresentate esattamente. Le voci sono state annotate individualmente, registrate separatamente in un libro corale dopo il completamento di una composizione e nuovamente copiate come voci individuali per l'esecuzione.

La notazione standard utilizzata oggi a livello internazionale è stata creata dal XVII secolo. In particolare, la registrazione precisa delle durate è stata ampliata alcune volte da allora. Prima di tutto, la misura del tempo di base era determinata con segni di tempo e indicazioni di tempo.Dopo l'invenzione del metronomo di Johann Nepomuk Mälzel nel 1816, era riproducibile meccanicamente specificando i battiti al minuto. Seguendo l'esempio di Béla Bartók , i compositori specificano anche i tempi di esecuzione delle singole sezioni in minuti e secondi. Nuovi tipi dal XX secolo erano la notazione grafica e le forme di registrazione per la produzione di musica elettronica .

Stampa di spartiti

Poco dopo l' invenzione della stampa a caratteri mobili di Johannes Gutenberg intorno all'anno 1450, iniziò anche la stampa di spartiti . La prima opera musicale a stampa può essere fatta risalire al 1457, e prima del 1500 Ottaviano dei Petrucci sviluppò la tecnica di stampa con caratteri mobili. Importanti stampatori ed editori , come Pierre Attaingnant e Jacques Moderne pubblicate le chansons , mottetti e pezzi di danza del loro orario di edizioni collettive per la prima volta - hanno soddisfatto la domanda del pubblico per la musica profana per l'intrattenimento e, allo stesso tempo guadagnato un vantaggio economico da la vendita di grandi numeri. Ciò ha comportato anche una maggiore distribuzione sovraregionale di brani musicali.

Processi tecnici come la stampa rotocalco nel XVI secolo , l'incisione e la litografia nel XVIII secolo migliorarono notevolmente la qualità della stampa musicale e resero possibile la riproduzione di testi musicali estesi e graficamente complessi. La composizione fotografica , la stampa offset e infine i programmi di notazione musicale controllati da computer hanno ampliato ulteriormente queste possibilità.

Tecnologia riproduttiva

La registrazione del suono iniziò nel 1877 con il fonografo di Thomas Alva Edison . Questo apparato ha sostenuto fino agli anni '30 l' etnomusicologia : da soli Bela Bartok e Zoltan Kodaly hanno così registrato migliaia di canti popolari nel campo della ricerca in Europa orientale e Nord Africa. Nel 1887 Emil Berliner sviluppò il primo disco e il corrispondente grammofono . Con questo dispositivo, che presto è andato in produzione in serie e ha reso popolare il disco di gommalacca come supporto di memorizzazione, la musica di tutti i generi ha trovato la sua strada nelle famiglie che non suonavano musica house e usavano arrangiamenti o brani per suonare il pianoforte . L'invenzione e la commercializzazione del disco influenzarono presto la musica stessa; Nel 1928 Igor Stravinsky firmò un contratto con la Columbia Records per registrare autenticamente le sue opere.

Diversi passaggi tecnici hanno migliorato il record. Nel 1948, il cloruro di polivinile si è affermato come materiale di produzione che consentiva dischi con scanalature più strette, estendeva considerevolmente il loro tempo di riproduzione e aumentava considerevolmente la qualità del suono, poiché la velocità di riproduzione scendeva da 78 a 33 o 45 giri al minuto. La stereofonia , che era stata sviluppata molto prima, portò ai dischi stereo nel 1958 e alla radio a due canali negli anni '60 . Ciò ha richiesto una nuova generazione di dispositivi di riproduzione, gli stereo sono stati venduti in gran numero. L'alta fedeltà è diventata lo standard della fedeltà audio . Il processo di editing diretto , in cui la registrazione non è stata registrata su nastro come prima , ha ulteriormente aumentato la qualità della riproduzione musicale. Inoltre, si è affermato un nuovo gruppo professionale: il DJ . Inoltre, i nastri erano popolari anche nel settore privato, soprattutto sotto forma di cassette compatte per la riproduzione e la registrazione nel registratore a cassette e per l'uso mobile nel Walkman .

Il compact disc come supporto di memorizzazione è arrivato sul mercato nel 1982. Si trova all'inizio dei media digitali , con i quali la musica di altissima qualità può essere archiviata in uno spazio relativamente piccolo. Un altro passo verso la digitalizzazione, che è arrivato insieme alla diffusione generale dei computer , è stato lo sviluppo di formati audio come. B. MP3 , che consente un utilizzo indipendente dalla piattaforma e dal dispositivo ed è un altro canale di distribuzione su Internet sotto forma di file musicali scaricabili.

Media audiovisivi

In combinazione con i media audiovisivi, la musica lavora in sinergia . La loro connessione con forme di espressione come il teatro o la danza è esistita in un contesto rituale fin dall'antichità. L' opera nasce dalla connessione con il dramma . Il legame con la televisione da un lato crea interesse e interesse del pubblico per i contenuti musicali e dall'altro crea nuovi generi come l' opera televisiva . Nel film , la musica assume una varietà di compiti, drammaturgici e di supporto, rispetto alla dichiarazione visiva. Intensifica la percezione dell'azione, implementa le intenzioni del regista e contribuisce a un'impressione generale sensuale per lo spettatore. Da un punto di vista tecnico, deve essere esattamente sincronizzato con le informazioni ottiche del film. Lo stesso vale per l'uso nella pubblicità. Un altro genere è il video musicale : contrariamente alla musica da film, qui è compito del regista visualizzare drammaturgicamente un brano musicale esistente. Se mescolato con altri media, un video musicale di solito serve a vendere la musica corrispondente, sebbene qui possa nascere anche l'arte audiovisiva.

Internet

La musica era già un argomento rilevante nelle reti di cassette postali e in Usenet negli anni '80 . La compressione dei dati audio e lo streaming dei media , nonché le velocità di trasmissione dei dati più elevate, li hanno resi parte integrante della cultura di rete . Grazie alla sua organizzazione decentralizzata, Internet non viene utilizzato solo per l'informazione e la comunicazione, ma crea continuamente nuovi contenuti, alcuni dei quali scompaiono dopo poco tempo.

I media in streaming includono le stazioni radio Internet che trasmettono i programmi terrestri delle stazioni radio convenzionali su Internet o offrono il proprio programma disponibile solo tramite Internet. I programmi musicali vengono trasmessi anche tramite podcasting . Un altro possibile utilizzo è la fornitura di file scaricabili per la promozione musicale . Artisti, etichette e distributori offrono download in parte gratuiti e in parte a pagamento, che possono anche essere limitati nel tipo e nella frequenza di utilizzo a causa dell'amministrazione digitale o sono soggetti a protezione dalla copia . I singoli artisti offrono anche opere esclusivamente su Internet, in modo che non sia necessario distribuire i supporti sonori "materiali". Sono disponibili anche tracce bonus gratuite o materiale che non compare sui fonogrammi.

Le informazioni e la comunicazione su argomenti legati alla musica sono fornite da home page private, fan page, blog e opere di riferimento in forma lessicale. I portali web svolgono un ruolo importante nell'offerta musicale. Mentre alcuni portali elencano una serie di collegamenti ipertestuali , altri vengono utilizzati per commercializzare musica in collaborazione con l'industria musicale. Inoltre, ci sono piattaforme che mettono a disposizione dei musicisti uno spazio di archiviazione online e un sistema di gestione dei contenuti a pagamento o gratuitamente per caricare e offrire la propria musica autoprodotta. Servono sia all'auto-marketing degli artisti che alla collaborazione online e alla formazione di reti sociali attraverso la costruzione di comunità .

Con i programmi di condivisione file che accedono a Internet, i file musicali vengono scambiati tra utenti Internet in una rete peer-to-peer . Se queste non sono copie private di materiale protetto da copyright, ciò rappresenta una violazione del copyright punibile che ha già portato l'industria musicale o singoli artisti a cause legali contro le reti di condivisione di file e i loro clienti, poiché la vendita tramite download gratuiti tramite programmi P2P sarebbe limitata.

Media e concetto di lavoro

Il concetto dell'opera gioca un ruolo centrale nella considerazione dell'arte; la musicologia storica vede in lui un modello culturale fondamentale per la valutazione delle singole modalità musicali, che risente anche degli stessi media contemporanei. Il concetto di opera si basa principalmente sulla fissazione scritta della musica nel testo musicale, scritto o stampato. Dal momento che l'umanesimo, il “lavoro”, nota anche come opus nella musica, ha significato il self-contained, tempo di durata creazione individuale del suo autore. Anche se opere musicali che corrispondono a questa definizione esistevano già nel tardo Medioevo , il termine e il suo significato per l'estetica musicale sono emersi e si sono diffusi solo nella prima età moderna . Nella prefazione del suo Liber de arte contrapuncti (1477), Johannes Tinctoris nomina come soggetto le opere dei grandi compositori.

L' idea dell' "opus perfectum et absolutum" ("opera compiuta e chiusa" ), sopravvissuta alla vita del suo creatore (sebbene non fosse ancora limitata alle composizioni), risale ai Rudimenta Musicae di Nikolaus Listenius , scritto nel 1533 . Il concetto di lavoro, che enfatizza l'originalità e il contenuto estetico della musica, iniziò a consolidarsi nel XIX secolo. Nell'età moderna , la concezione del lavoro è cambiata radicalmente. Il concetto convenzionale dell'opera è messo in discussione attraverso le forme aperte e le strutture variabili dell'aleatorio , attraverso forme grafiche di notazione e l'idea di work in progress , che non attribuiva più nulla di chiuso all'opera, ma la vedeva solo come un passo nella soluzione di problemi compositivi.

La differenza è dovuta al contrasto tra Energeia ( greco ἐνέργέια "forza lavoro") ed Ergon (greco ἔργον "lavoro"). La musica può essere vissuta come energeia in ciò che muove le persone e intorno a loro; Allo stesso tempo può essere vissuto come Ergon, in cui le persone incontrano la musica al di fuori di se stesse. Questo spiega perché, da un lato, fenomeni musicali elementari e banali possono avere un effetto commovente, dall'altro, un'opera con una struttura artistica molto complessa non è necessariamente in grado di farlo. Musica e lavoro non sono la stessa cosa, il concetto di lavoro implica già una valutazione estetica. È essenzialmente una formazione della visione dell'arte nel 19° secolo, che non si applica a tutta la musica d'arte. Questa differenza è stata evidente fin dalla musica della Seconda Scuola Viennese , nella musica seriale , nel jazz e nella musica in Happening e Fluxus . La maggior parte della musica è musica di tutti i giorni , non è scritta ed è integrata nei contesti sociali. Non ha il carattere oggettuale dell'opera d'arte, ma si legittima attraverso il suo effetto.

Il pensiero dei secoli passati era determinato più dall'idea di suonare la musica che dall'energeia. Adams von Fulda De Musica (1490) chiama la musica evanescente e sbiadita la "vera filosofia della morte" . Nella Critica del giudizio (1790), Immanuel Kant gli conferisce solo un carattere transitorio, scompare del tutto o, se ripetuto dall'immaginazione, è più fastidioso che piacevole. La filosofia aristotelica considerava l'arte con il concetto dell'opera, ma la musica sonora solo come realizzazione pratica delle sue idee. Non ha un rango più alto del dormire o del mangiare.

L'opera si crea attraverso la scrittura ed è collegata alla persona del suo creatore. È unico, ha un inizio e una fine, è autonomo e quindi immutabile. Conserva la sua identità anche se viene presentato in modi diversi in diverse interpretazioni. A differenza dell'improvvisazione o della musica senza scrittura, in cui composizione e interpretazione coincidono, ha una doppia esistenza in queste due componenti. Allo stesso tempo, non è solo capace di tradizione, ma anche di storia. La proprietà dell'opera d'arte come nuova e unica consente un confronto tra opere sotto aspetti quali epoche, generazioni o singoli creatori. Questo è sia un prerequisito che uno slancio per il rinnovamento e un punto di partenza per nuove opere. La comparabilità delle opere rende possibili e necessari giudizi di valore , analisi e interpretazioni.

Industria della musica

Dal 1945, l'industria musicale si è sviluppata in una linea di attività altamente integrata e organizzata a livello globale sotto la guida di alcune società dei paesi industrializzati occidentali . Questi dominano i settori dell'elettronica di consumo e dei mass media . Le nazioni leader nel mercato dei fonogrammi - per lo più vendite di compact disc - sono gli Stati Uniti , il Giappone e la Germania . Oltre alle cosiddette major , che sostanzialmente dominano il mercato e, per concentrazione o accentramento, formano un oligopolio sull'offerta , un gran numero di etichette indipendenti opera vicino alla base su mercati di nicchia. Indipendentemente da ciò, esistono anche connessioni economiche tra major e indipendenti nell'area del supporto all'artista e al repertorio , nonché nelle strutture di vendita . Per le aziende che si collocano tra le due categorie, si è affermato il termine "maggiori indie".

I supporti sonori rappresentano il prodotto principale e quindi la più grande fonte di reddito per l'industria musicale.I mezzi di trasmissione , radio e televisione, distribuiscono i prodotti dei produttori di supporti audio nei loro programmi. Di conseguenza, da un lato l'industria musicale dipende dai media, che dall'altro dipendono a loro volta da ciò che l'industria ha da offrire e generano entrate attraverso il suo utilizzo : nella misura in cui il diritto d'autore e i diritti connessi si applicano agli autori e artisti, i media pagano le tasse per l'uso. Le società di gestione collettiva controllano questo uso. Determinano l'importo della remunerazione che rifluisce agli autori e agli interpreti. Le emittenti televisive musicali , che fungono da strumento di marketing per video musicali a scopo di promozione delle vendite , sono di notevole importanza per la musica popolare . In singoli casi, i profitti derivanti dall'uso dei diritti di licenza possono superare le vendite dei fonogrammi. Questi derivano dal commercio di articoli di fan come magliette, poster, cartoline o adesivi.

I supporti di stampa sono altrettanto importanti . Fino alla produzione di massa del disco , il core business spettava agli editori musicali , che producevano principalmente spartiti e distribuivano musica , ma oggi esercitano principalmente rivendicazioni di copyright nei confronti dei media. Inoltre, il suo lavoro è nel commercio dei diritti di proprietà intellettuale , che devono essere osservati nella riproduzione, commercializzazione e sfruttamento di supporti sonori. L'importanza del licensing e del merchandising ha acquisito importanza, soprattutto negli anni '80, quando centinaia di migliaia di singole opere di musica pop hanno generato diverse centinaia di milioni di dollari di vendite come parte dell'acquisto e della rivendita di cataloghi aziendali completi  . Oltre ai media, i licenziatari sono le industrie della pubblicità e dei beni di consumo . Le grandi aziende dell'industria discografica hanno le proprie società per questo scopo. Oltre ai produttori di dischi, l'industria musicale comprende società di produzione musicale e studi di registrazione , tour operator e agenzie di artisti , grossisti e rivenditori e riviste musicali .

Produzione musicale

Nell'era dei mass media, la produzione musicale è sostanzialmente ancora possibile come processo basato sulla divisione del lavoro. Mentre in passato predominava la separazione tra compositori e musicisti esecutori, i mezzi di produzione elettronici e l'uso del computer fanno sì che la produzione completa possa essere realizzata da una sola persona. La divisione del lavoro si basa sulla trasmissione della musica sotto forma di note, dati MIDI , ecc., in modo che compositori ed esecutori possano agire in modo specializzato. Mentre nella produzione di "musica classica" l'attenzione si concentra principalmente su registrazioni che siano accurate rispetto all'originale e artisticamente il più elevate possibile, i mezzi tecnici di produzione nei generi di musica leggera sono utilizzati in modo molto più coerente e più mirato- modo orientato. Si può osservare anche l'uso dei fondi come effetti fine a se stessi. Si desidera un evento audio il più unico possibile . Mentre l'attività del suono arrangiatore utilizzato per svolgere un ruolo importante nel campo dello spettacolo e soprattutto musica da film , con l'aumento della digitalizzazione e l'uso di campionamento tecnologia, sound design è più in primo piano.

La costruzione di strumenti musicali ha stretti legami con la composizione e la produzione . Ad esempio, la storia della musica pianistica può essere compresa solo in relazione allo sviluppo tecnico dello strumento nel XIX secolo; La musica era ed è composta appositamente per lo strumento, per cui i miglioramenti tecnici del pianoforte - meccanica del martello e del pedale, volume del suono - sono stati sfruttati dai compositori. I miglioramenti sonori degli strumenti a corda , la sicurezza dell'intonazione e l'espansione della gamma di tonalità degli strumenti in legno e ottoni si riflettevano anche nella pratica della composizione, che poneva maggiori esigenze agli strumentisti.

La combinazione di suono Direzione musicale e la tecnologia si svolge nel lavoro del tecnico del suono o di tecnico del suono o di tecnico del suono . In definitiva, il produttore musicale è responsabile della gestione commerciale, organizzativa e artistica complessiva.

Il prodotto musicale

L'industria musicale opera nel contesto dei processi culturali. Anche se tende ad avere strutture monopolistiche , le sue procedure non sono esclusivamente orientate al business , in quanto deve tenere conto del processo creativo di fare musica per produrre un prodotto . Il loro potere economico non corrisponde allo stesso tempo a un potere culturale che sarebbe in grado di dominare gli standard di valore estetico della società dei consumi. Dalla metà degli anni Cinquanta, ad esempio, il rapporto tra il successo economico dei prodotti offerti non è cambiato sotto il profilo interaziendale, nonostante la crescente integrazione concertistica. Circa il 10% delle produzioni pubblicate annualmente ha successo economico, con il 3% che realizza un profitto e il 7% che copre solo i costi; il restante 90% delle pubblicazioni causa perdite. L' opinione diffusa nel discorso dei cultural studies che l'industria musicale sta commercializzando si oppone all'opinione che il suo interesse principale risieda meno nella forma dell'opera che nello sfruttamento economico dei suoi diritti.

Contrariamente alla pratica della cultura musicale tradizionale, il prodotto musicale è inerente al fatto che si basa solo sul supporto di un'opera eseguita una volta per il suo sfruttamento . Di norma, quest'opera viene composta una volta, interpretata una volta , registrata sul fonogramma e distribuita. È selezionato dal repertorio esistente o, nella musica leggera , è spesso appositamente scritto, registrato , prodotto, commercializzato e venduto nei punti vendita al dettaglio. Solo allora inizia il processo di accoglienza sociale . Né la produzione né la ricezione di supporti sonori possono quindi essere paragonate strutturalmente ai processi culturali tradizionali. A differenza della vita musicale pubblica, però, che offre al pubblico opere musicali esistenti in cui le istituzioni le ricercano in un repertorio adeguato, l'industria musicale segue la strada opposta. Cerca di creare una ricezione per il brano musicale presente su un supporto sonoro il più controllato possibile. Il momento decisivo sta nella domanda del prodotto, che determina le decisioni della politica commerciale. Questi sono concepiti in modo diverso nei vari settori (pop, classica, jazz, ecc.).

Musica e società

La musica si svolge nella società . È in costante e reciproca dipendenza e influenza su di esso: è influenzato da fattori sociali nella sua produzione, composizione e prestazione, e nella sua ricezione influenza nuovamente le persone e quindi la società. La musica dipende dai ruoli sociali delle persone che la inventano, cantano e suonano, ascoltano, distribuiscono, collezionano, acquistano, la preferiscono o la rifiutano; dipende anche dalle istituzioni che, invece, nascono attraverso la musica. Usando giudizi etici , estetici o di altro valore , forma norme riguardo al comportamento nei suoi confronti. È in grado di costituire e modificare gruppi sociali .

Come la lingua, la musica è un elemento essenziale di una cultura e quindi un'espressione dell'identità individuale e collettiva di una società, comunità o gruppo. La musica è quindi il portatore di questa identità culturale, la memoria culturale sensibile e la crescente diversità culturale di una comunità.

Storia sociale

Dal momento che l' Alto Medioevo , vita musicale è cambiata molte volte, sia socialmente e tecnicamente. Le pietre angolari di questo sviluppo sono il passaggio dal feudalesimo alla società di classe , l'ascesa della borghesia e infine l'emergere della società di massa . In questo cambiamento, non solo la musica è cambiata, ma anche ciò che era considerata musica, e in definitiva la sua essenza e funzione. L'introduzione dei media rappresenta lo stato dell'attrezzatura tecnica di base della società che produce, distribuisce e percepisce la musica. Si tratta essenzialmente di cinque passaggi: scrittura , stampa tipografica , registrazione del suono , media elettronici e digitali . Sono ciascuno i canali di comunicazione , indipendentemente dal contenuto e dalle loro condizioni sociali. Solo insieme ai codici sviluppano poteri produttivi.

C'è un rapporto dialettico tra codici e media . Se i codici utilizzano determinati materiali come la carta o l'energia elettrica, li trasformano in informazioni comunicabili. Allo stesso tempo, però, i codici devono adattarsi al mezzo. I codici sono cruciali tanto quanto i media portanti per lo sviluppo dell'arte. Questo sviluppo è il risultato di decisioni sociali - economiche, politiche, legali, ideologiche ed estetiche - per l'uso dei media e dei codici.

La via per una cultura musicale borghese

Le basi per la cultura musicale europea esistono dal tardo Medioevo . Il processo di cambiamento è iniziato fino allo sviluppo tecnico della stampa delle note e ha utilizzato le possibilità di notazione in evoluzione fino alla notazione mensurale . Questi mezzi migliorarono significativamente la produzione e la distribuzione della musica e consentirono un controllo pratico; l'emergente regolazione contrappuntistica della musica, la qualificazione delle armonie in un sistema di consonanze e dissonanze e la guida vocale nella polifonia in evoluzione potevano essere più facilmente determinate e controllate da un ordine grafico uniforme. Le conseguenze generali della differenziazione sono state la distribuzione dei ruoli nelle aree di composizione , interpretazione e distribuzione.

Il compositore, in quanto creatore autonomo dell'opera d'arte musicale, usciva dall'anonimizzazione medievale come individuo, mentre le strutture musicali sempre più complesse richiedevano un'interpretazione tecnicamente appropriata da parte del musicista . C'era una richiesta di musica da chiese e corti reali e incoraggiava la creazione di nuove opere. La borghesia, come strato politicamente ed economicamente decisivo, seguì l'esempio. Merci nel Medioevo, ad es. Ad esempio, con menestrelli e trobadori , i compositori interpretavano sempre le proprie opere e svolgevano una certa funzione, così dall'era moderna sorse un mercato basato sulla divisione del lavoro con professioni differenziate: compositore, cantante, strumentista, editore e commerciante.

Inizialmente, compositori e interpreti rimasero legati al mecenatismo della chiesa e delle corti, che pretendevano musica, ma promuovevano anche la musica e portavano al mecenatismo . Il compositore da prestatore di servizi passò al prestigio del principe, che spesso era legato a lui attraverso lezioni private di musica. La chiesa offrì lavoro a numerosi musicisti e accettò la loro organizzazione corporativa nelle città. Nella società borghese e all'inizio del capitalismo , il compositore diventa finalmente un soggetto del libero mercato . Offre le sue opere, che realizza senza committente, a un pubblico anonimo di persone interessate alla musica. Editori e rivenditori fungono da intermediari e costituiscono la base di un nuovo ramo dell'industria. D'altra parte, questo sviluppo di condizioni astratte di mercato ha anche promosso l'"arte", i. H. il ruolo sociale del compositore come persona non più integrata nella società che diventa sempre più un outsider.

Lo sviluppo parallelo nel campo della musica leggera, d'altra parte, non iniziò fino alla fine del XVIII secolo. Fino ad allora, i musicisti folk e di intrattenimento erano menestrelli urbani socialmente svantaggiati o specialisti all'interno della società del villaggio . Non c'era ancora alcuna divisione del lavoro, solo la tradizione orale della musica e una funzione poco differenziata del fare musica: i musicisti popolari erano coinvolti nella vita quotidiana e nei processi dell'anno liturgico , ma assumevano anche il ruolo di veicolare informazioni, per esempio attraverso i moritats e il canto bancario . Con l' industrializzazione è arrivata anche la richiesta di musica "professionale" nella musica popolare.

Anche la musica da salotto specificamente borghese ha avuto origine nel XIX secolo. Consisteva in gran parte in arrangiamenti leggeri di musica d'arte per famiglie benestanti. Soprattutto per il pianoforte e piccoli ensemble di musica house , sono stati prodotti pezzi facilmente suonabili ed efficaci. Sono serviti come materiale di gioco per le lezioni di musica. La scuola di scioltezza di Carl Czerny e altra musica per esercizi formarono l'attrezzatura per l'insegnante di musica borghese che apparve come una nuova professione.

Soprattutto nell'Impero tedesco c'erano club di canto , così come l'innovazione Männerchöre avanti. Un repertorio di opere corali che è stato stampato e distribuito a livello nazionale ha creato l'identità sociale ei festival canori dell'Associazione dei cantanti tedeschi sono diventati un'espressione della formazione dell'identità nazionale-culturale. Anche le opzioni di viaggio più semplici, come la ferrovia e la nave a vapore, hanno favorito questi eventi di massa. Il virtuosismo nella sala da concerto rivitalizzò il mercato musicale e creò le prime star di fama internazionale come Franz Liszt e Niccolò Paganini . La legge sul diritto d'autore , che fino alla fine del XIX secolo fissava l'espansione della vita editoriale e concertistica dei paesi europei, rafforzò il compositore. La loro situazione reddituale è migliorata in modo sostenibile e per la prima volta hanno ottenuto il controllo dei loro lavori e il compenso per il loro utilizzo. La professione del compositore è stata così anche legalmente riconosciuta e il fulcro della produzione creativa è ora finalmente nelle mani degli artisti stessi.

Culture musicali pubbliche

L'invenzione della stampa di spartiti aiutò a diffondere la musica più rapidamente e più ampiamente, ma le edizioni erano ancora piuttosto piccole fino alla fine del XVIII secolo. La stampa degli spartiti era più un mezzo di documentazione e comunicazione mediale del testo musicale all'interprete. Le note non hanno ancora trovato un ampio gruppo di acquirenti. Tuttavia, liberamente disponibile spartiti sostiene la cultura musicale pubblico emergenti, in particolare in lingua italiana opera intorno alla metà del 17 ° secolo e in inglese concerto di musica sin dagli inizi del 18 ° secolo. La vita musicale borghese iniziò a svilupparsi socialmente ed economicamente sotto la loro influenza. Inizialmente, locande e sale pubbliche furono utilizzate come luoghi di spettacolo, in seguito furono costruite le prime sale da concerto come luoghi specializzati per la musica da concerto - con l'assistenza della sovranità amministrativa della città.

L'invenzione della litografia nel 1796 portò immediatamente a risultati di stampa di migliore qualità e a edizioni più grandi di spartiti. Le note si sono rivelate redditizie e un ampio mercato è cresciuto. Ciò ha anche messo in primo piano il carattere merceologico della musica. A metà del XIX secolo, le esecuzioni di musiche di compositori già morti superavano per la prima volta quelle di coloro che erano ancora in vita. Questa è anche un'indicazione dello sviluppo di un canone specificamente borghese e dell'estetica giudicante su cui si basa.

Il pianoforte ha avuto un ruolo speciale in casa. Le caratteristiche più importanti della musica europea d'arte - la polifonia, il contrappunto, la modulazione di armonia , messa a punto ben temperato del del cromatica sistema di tono - possono essere apprese e riprodotto su questo strumento in modo piacevole, tecnicamente semplice e relativamente poco costoso. Sia il pianoforte che lo spartito divennero portatori della cultura musicale della classe media. La preghiera di una vergine, composta da Tekla Bądarzewska nel 1856, è sintomatica . Appartiene a una musica standardizzata prodotta industrialmente che in seguito fu considerata l'epitome del kitsch musicale .

Lo sviluppo del mercato della musica popolare è stato ancora più evidente. Già alla fine del XVIII secolo, nelle grandi città iniziarono ad operare i maggiori luoghi di intrattenimento per le classi medie e basse: sale da musica in Inghilterra, caffè in Francia, teatri di rivista e sale da ballo in Germania , spettacoli di menestrelli negli Stati Uniti e dalla Francia ha acquistato vaudevilles . La musica suonata lì era usata per ballare e cantare, ma non per godersi l'arte.

La cultura musicale borghese aveva largamente adottato il contenuto dei suoi predecessori ecclesiastici e aristocratici. Ma differivano nella loro relazione ideologica. Mentre la musica era un piacevole diversivo per i principi e la chiesa la funzionalizzava religiosamente, la borghesia vi cercava educazione ed edificazione e la usava per la rappresentazione. I cittadini ora fungevano da mecenati, e sempre più anche il settore pubblico. Stati, comuni e associazioni private hanno finanziato la costruzione e la manutenzione di sale d'opera e di concerti. Il loro obiettivo era una vita musicale pubblica che potesse fornire istruzione ed educazione alla stessa borghesia.

È qui che è iniziata la politica culturale . Ciò che era considerato culturalmente prezioso al servizio del pubblico in generale riceveva finanziamenti anche a prescindere da considerazioni economiche. I giudizi di valore sono stati espressi da una sottocultura sempre più chiusa - università, intellettuali, artisti e critici - con una tendenza all'autoreferenzialità , così che la disintegrazione sociale dell'arte è stata ulteriormente promossa. Le forme della cultura borghese, orientata ai valori, furono infine adottate anche dai governanti aristocratici. Come contrappeso alla sfera borghese, l'industria dello spettacolo è cresciuta, ha mantenuto il teatro dei tabloid e ha creato l' intrattenitore professionista come nuova occupazione .

Forme di accoglienza

Questi sviluppi hanno avuto conseguenze per la ricezione dell'art. Fino all'inizio dei tempi moderni, la musica era funzionale, ad es. B. si collegava al lavoro o al culto, o l'aveva fondata come comunità di danza e musica popolare , quindi se la gestione e l'uso della musica erano l'approccio convenzionale, questo è cambiato nell'esecuzione della musica. Fu accettato come un'opera d'arte e fine a se stesso. Non doveva più condividere il suo interesse con altre cose quotidiane come il lavoro o il sonno, ma veniva ascoltata con grande attenzione. Questo modo strutturale di ascolto, che cerca di comprendere l'opera d'arte musicale nella sua forma e contenuto, richiede conoscenze teoriche preliminari. Questo è stato accompagnato dalla distinzione tra arte-musica e “non”-arte-musica, i. H. il trasferimento dei giudizi di valore ai generi musicali. La capacità di differenziare è stata stilizzata come un'importante caratteristica sociale; Chi non capiva il canone borghese era considerato ignorante. La musica leggera è diversa: né è stata percepita come arte, né è stata ascoltata in modo concentrato. Si sentiva anche mentre si conversava, mangiava, ballava, come consumo di un servizio.

L'industria della cultura

Alla fine del XIX secolo iniziò un cambiamento nella società occidentale che accompagnò l'invenzione della registrazione del suono. Sono emersi mass media , come grammofono e dischi , radio e film sonori . Con l'invenzione del microfono a condensatore , sono iniziati i media elettronici. Fino alla seconda guerra mondiale la musica era veicolata principalmente attraverso i media, attraverso la radio e il cinema musicale.

Dopo la seconda guerra mondiale, con la crescente prosperità di classi sociali più ampie, iniziò a formarsi la società dei consumi . La domanda di accessori elettrici come registratori e radio a transistor aumentò e la televisione iniziò a diffondersi. Con l'industrializzazione elettrica si sviluppò per la prima volta una produzione industriale di musica in senso proprio. Tutti i processi erano ora basati su una divisione del lavoro, come era stato prima nell'area dell'intrattenimento.

La concezione borghese della musica in relazione all'arte non era cambiata in modo significativo dal XIX secolo. L'industria musicale lo ha rimodellato. Ha in gran parte preso il controllo dell'economia del secolo scorso, i produttori di musica sono diventati dipendenti di un'industria concentrata, che era dominata dai produttori di dischi e dalle emittenti. Questi due decisero ora quale musica fosse udita e ricevuta.

A poco a poco, le aspettative del pubblico si sono ribaltate. La più ampia disponibilità mediatica dell'offerta, non più gestibile anche nei singoli settori del mercato dei supporti sonori “classici”, ha determinato una mancata concentrazione e un'accelerata ricezione. Ciò ha avuto un effetto sulla musica popolare, sul jazz , sul pop , sul rock con le loro numerose correnti indipendenti come punk , metal , techno , hip-hop , country , blues , ecc., che nella tensione tra un'ulteriore standardizzazione da un lato, è invece emersa una crescente pressione all'innovazione.

Socializzazione musicale

La preferenza musicale per le singole direzioni musicali dipende da molti fattori come l'età, il sesso e la socializzazione . Per socializzazione musicale si intende lo sviluppo di valori, norme e regole in relazione alla musica e lo sviluppo della competenza musicale.

La socializzazione musicale è un'azione volontaria. Alcune istituzioni sociali come la famiglia o la chiesa possono sostenerlo, ma è sanzionato negativamente solo in pochi casi (es. consumo e diffusione di musica razzista o politicamente radicale). La pedagogia musicale può influenzare la socializzazione se chi la indossa mostra interesse ed è in grado di farlo. Nei paesi in cui la musica scolastica ha una posizione debole o non esiste, questo è più difficile o addirittura impossibile. Una socializzazione normativa è supportata dalla promozione pubblica della musica classica e dell'opera, il canone educativo borghese . Laddove questo ha una posizione prioritaria nel curriculum nelle scuole regolari , nelle scuole di musica e nelle università , attira l'interesse dei socializzati.

Socializzazione a scuola e in gruppo

La scuola trasmette valori e principi centrali, tra cui l' educazione estetica . Mentre il canto insieme, che il movimento musicale giovanile ha portato nelle classi delle scuole inferiori negli anni '20, è stato il principale punto di contatto con la musica fino agli anni '50, le scuole in generale sono diventate sempre più competitive per l'accesso con la diffusione dei media elettronici alla musica. Di norma, i bambini hanno già acquisito sufficiente esperienza con la musica in età prescolare e la scuola non è più il primo esempio di inculturazione .

Un'importante funzione sociale delle scuole, tuttavia, è quella di riunire i giovani della stessa età in modo che si formino dei gruppi. La maggior parte dei giovani è coinvolta in gruppi. Poiché l'ascolto della musica, almeno a margine, è una delle attività di svago più frequenti tra i giovani, l'orientamento al gusto musicale percepito dagli altri gioca un ruolo nell'instaurazione di contatti sociali. I giovani percepiscono il gusto musicale come un tratto della personalità.

La musica è un tema comune all'interno dei gruppi. Gli adeguamenti reciproci del gusto musicale avvengono al fine di evitare dissonanze cognitive rispetto al gruppo. In cambio, si crea una conoscenza condivisa collettivamente che rafforza la coesione del gruppo. Allo stesso modo, le avversioni ad altri stili di musica, i. H. rispetto ai gusti musicali di gruppi lontani, visti in maniera altrettanto omogenea.

Socializzazione attraverso i media

I media audiovisivi sono diventati un influente fattore di inculturazione nella seconda metà del XX secolo. Questo cambiamento non riguarda solo il tipo di musica che si ascolta, ma riguarda principalmente il modo in cui vengono utilizzati i media. Da un lato, la musica viene ancora ascoltata da un lato, ad es. B. con i compiti, invece, i dispositivi mobili di riproduzione (radio portatile, walkman , lettore MP3 ) consentono di riprodurre la musica ovunque. Mostra anche che i giovani in particolare non ascoltano la musica in gruppo o come pubblico, ma piuttosto spesso da soli. Questo parla anche a favore di trattare con la musica nel senso di auto-socializzazione.

Il grado di influenza dei media risiede nella disponibilità sempre più facile della musica. Poiché l'ascolto della musica è piacevole, l'uso dei media è efficiente e razionale. Un effetto della socializzazione è che il singolo utente dei media non può determinare o trascurare l'offerta e costruisce strutture di conoscenza sulla musica che sono determinate da altri. Un altro motivo risiede negli stimoli subliminali che l'utente non può o non può controllare completamente. Si tratta principalmente di effetti neurofisiologicamente significativi come la facilitazione o l' apprendimento sul modello , che producono un condizionamento dell'ascoltatore. Poiché iniziano al livello più profondo dell'elaborazione delle informazioni neurali, che sfugge alla coscienza, sono corrispondentemente efficaci e non possono essere prevenuti dall'illuminazione.

Mondi musicali

Mondi musicali significano ciò che le persone sperimentano come ambiente naturale e ambiente in relazione alla musica. Rappresentano la visione del mondo dell'individuo , sono modellati dall'esperienza musicale quotidiana e, a loro volta, modellano l'ambiente quotidiano delle persone.

La musica nella vita di tutti i giorni

Le radici storiche e sociali della musica nella vita quotidiana sono diverse. Ciò vale per le società di tutte le etnie ed epoche e al loro interno per numerose strutture individuali, poiché la musica da un lato è un fenomeno universale, dall'altro differenzia interiormente le società. La musica soddisfa un bisogno fondamentale di cura e affetto emotivo. Garantisce l'identificazione con il gruppo sociale e con se stessi, soddisfa il bisogno di appartenenza domestica e culturale . Ecco perché fa parte della qualità della vita nella vita di tutti i giorni, in cui dispiega il suo significato dal suo uso.

Le basi culturali delle radici musicali nell'area culturale europea sono rimaste diversamente forti. Le radici della cultura musicale cristiana medievale si sono ritirate dietro la moderna comprensione della musica negli stati e nei principi, dietro la cultura musicale borghese del XIX secolo. Anche la comprensione della cultura di quest'epoca non è rimasta immutata; è emersa in forme diverse e nuove, ad es. B. nella cultura degli eventi del XX e XXI secolo o nella nuova musica , che solo una piccola parte del pubblico percepisce. Dall'altro c'è la cultura pop , accolta dalla maggioranza del pubblico.

La diversità dell'offerta musicale riflette questa situazione, poiché comprende uno spettro di tutti i tipi di musica, analogo ai diversi stili di vita e alle esigenze culturali. Ma possono soddisfare tutti gli stessi bisogni di base in persone di origini sociali o culturali diverse o di generazioni diverse.

Per gran parte, però, il modello culturale della borghesia rimane ancora esemplare, in quanto ha una funzione distintiva oltre alla sua funzione identitaria , con la quale il cittadino può differenziarsi dalle altre classi sociali. Fu invece per il proletariato il 19° e per le classi medie e inferiori il 20/21. Nel XX secolo, la partecipazione a questo modello culturale non è più necessariamente auspicabile. Anche i mass media non hanno cambiato questo. La partecipazione a culture musicali diverse non è più legata a luoghi e situazioni borghesi come andare a un concerto o all'opera, ma può essere realizzata attraverso i media in ogni situazione della vita.

La musica è anche rappresentato araldicamente, dal violino di organo a tamburo e lo stemma di Dornheim (Turingia) mostra una chiave di sol in aggiunta a doghe .

sottoculture

I mondi musicali portano alla formazione di sottoculture . Consentono alle persone di vivere i loro progetti cognitivi ed emotivi in ​​modo appagante. Da un lato, questo vale per le culture giovanili come il punk , l' hip-hop o il gotico , dall'altro include anche intenditori e amanti della musica antica , dell'opera e di altri. sotto-aree musicali. Le sottoculture rappresentano reti comunicative.I loro membri comunicano non solo definendosi principalmente attraverso un gusto musicale comune, ma anche attraverso l'abbigliamento e lo stile di vita, i linguaggi di gruppo e le attività comuni legate alla musica come i festival musicali . In questo modo creano e modellano schemi culturali quotidiani . Includendo i media in esso, hanno ricostruito i componenti dei mondi della vita. In questo ciclo di controllo, la musica assume una funzione di individualizzazione dell'individuo e lo sfida alla propria integrazione sociale . È indirettamente coinvolto in nuove costruzioni di comunanza e crea nuove forme di formazione dell'identità. Anche questo è un segno di autosocializzazione musicale, soprattutto perché i giovani usano il fare musica attiva come mezzo molto rilevante per trovare identità, ad esempio attraverso l' apprendimento autodidatta di strumenti musicali o la fondazione di una band.

Donne e musica

Il ruolo delle donne nella storia della musica così come nella musica contemporanea è oggetto di approfondite ricerche. Il Secondo Movimento delle Donne negli anni '70 ha portato in primo piano il contributo delle donne alla cultura musicale. Ha mostrato che molto in passato era "stato sepolto in modo strano".

Il centro di ricerca più importante al mondo su questo argomento, l' Archivio della donna e della musica , si trova a Francoforte sul Meno. È stata fondata nel 1979 dalla direttrice d'orchestra Elke Mascha Blankenburg (1943–2013).

Guarda anche

• Teoria generale della musica

letteratura

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  • Articolo sull'industria musicale , parte volume 6, Sp. 1343-1362
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aree di competenza

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• Bernd Alois Zimmermann : Intervallo e tempo. Saggi e scritti sull'opera. Schott (a cura di): Christof Bitter. Magonza 1974, ISBN 3-7957-2952-1 .
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• Matthias Bardong, Hermann Demmler e Christian Pfarr (a cura di): Il lessico della hit tedesca. Storia, titoli, interpreti, compositori, parolieri. Louis, Ludwigsburg 1992. Nuova edizione Mainz: Schott Music 2001, ISBN 3-492-18208-9 .
• Martin Kunzler : Lessico Jazz . 2 volumi. Reinbek: Rowohlt 1996. Nuova edizione completamente rivista e ampliata: 2a edizione 2004, ISBN 3-499-16512-0 .
• Siegfried Schmidt-Joos e Wolf Kampmann: Pop-Lexikon. Rowohlt, Reinbek 2002, ISBN 3-499-61114-7 .
• Wolf Kampmann e Ekkehard Jost (a cura di): Reclams Jazzlexikon . 2 volumi. Stoccarda: Reclam 2003, ISBN 3-15-010528-5 .
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Evidenze individuali

link internet

• Collezione di musica nell'archivio dell'Accademia delle Arti, Berlino
• ViFaMusik - progetto per fornire fonti e materiali per la musica e la musicologia
• MusicMap : Genealogia e storia dei generi musicali popolari dalle origini ai giorni nostri (1870-2016).